Mission au Louvre

Dit is het einde...

2010-05-03T07:00:00.017+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Je fais ma diva avec de nouveaux adieux. Mais ces adieux là, sont définitifs. Je retournerai au Louvre, bien sûr, en conservant pour moi mes impressions et remarques.

Fallait-il rédiger de nouveaux billets ? La version arrêtée à la mi-février me semblait correspondre tout à fait à l'image que je souhaitais donner du Louvre. Ces nouveaux billets furent l'occasion de franchir la symbolique barre de la centaine d'oeuvres, de présenter des artistes majeures de leur époque, un peu oubliés de nos jours (Rigaud, van Loo), de présenter des artistes anglais et de revenir sur des pièces importantes du musée (Cavalier Rampin, Monsieur Bertin, Démocrite).

Je ne pense pas que ces quelques chroniques supplémentaires étaient vitales. Mais elles m’ont permis de clore définitivement une présentation plus juste du musée. Je sais qu'il manque ... et ... mais il s'agit ensuite des goûts de chacun. Continuer et nous ne serions que dans la répétition de biographie ou la redite de tableau. J’arrive aujourd’hui à un nombre d’œuvres significatif, varié et représentatif de ce musée.

Le souhait de ne pas trop revenir sur les mêmes artistes ne traduit pas la réalité du musée. Il s'agissait plutôt de vous en présenter de nouveaux. De mettre en avant des artistes moins connus, des oeuvres moins évidentes.

Je voudrai redire le plaisir que j’ai de ce musée, sa variété, son multiculturalisme, son aura que j’ai pu, durant quelques heures chaque jour, mieux comprendre et apprécier.

Tableaux du jour : Vous connaissez la maison et savez que tout est disponible sur la page du sommaire (ici). Et maintenant la liste de toutes les œuvres présentées sur ce blog.

Une fois n'est pas coutume, j'utiliserai ce billet à des fins plus personnelles pour souhaiter un très bon anniversaire à Tancrède et je ne vois que cette explication.

La vierge, l’enfant Jésus et sainte Anne

2010-04-30T07:00:00.008+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Au moment de clore cette nouvelle et dernière saison au Louvre, je me devais de vous présenter toute l’équipe qui a travaillé avec moi à la rédaction de ces billets.

Voici donc la fine fleur qui vous a concocté plus d’une centaine de billets (de gauche à droite et de haut en bas, ce n’est pas original mais c’est ainsi) : Alphonse Dointrant, la caution morale de ce site, notre spécialiste Peinture, 20 ans chef de rayon chez Leroy Merlin spécialisé dans le crépi. Jérôme Lutz, chef d'équipe Méthodes et Qualité, CMMi, Six Sigma. Rodrigo da Suza, responsable haute technologie (avec son dernier iPhone sur la photo). Le suivant, on ne se rappelle plus de son nom, il nous a quitté depuis que ce blog existe (ne pleurez pas, il n'est pas mort. Enfin je crois. Un jour nous étions tous dans la Cour Marly et on l'a perdu. Il est tatoué et connait le chemin, nous espérons le revoir bientôt). Jean-Christophe et Jean-Xavier Brochard pour toutes les recherches iconographiques (ils sont jumeaux, mais pas de la même mère. Pour les différencier l'un porte des cravates rayées et l'autre écossaises). Puis vient le duo de comiques, les blaguiers du blog : Bernard Charles et Martin Moulin. Ceux sont eux qui ont ciselés, travaillés, culottés toutes ces phrases si drôles qui émaillaient ces billets un peu austères par moment. Et enfin, parité oblige, Narrdine, notre blonde de service. Voilà, vous connaissez toute l’équipe.

Le petit plus photo, en vrac, notre salle de rédaction, notre matériel photographique et la cherry on the cake l'ordinateur, celui par lequel tout transite. Le must technologique au service de l'art.

Tableau du jour : Comme pour les dernières au théâtre, les ultimes billets sont l’occasion de faire preuve d'un humour un peu potache, dont ce blog s'est toujours gardé jsuqu'à ce jour. Pour cette raison, voici le tableau dont nous ne parlerons pas aujourd’hui, ni demain, ni jamais, La vierge, l’enfant Jésus et saint Anne de Léonard de Vinci (1502-1513).

Séance de pose : A la recherche d’une œuvre, d’une explication et d’une anecdote à vous narrer, je baguenaudais sur mon moteur de recherche quand j’ai découvert que l’Université d’Harvard, mettait à disposition du monde entier une reproduction du livre Observation sur le classement actuel des tableaux du Louvre, et analyse critique du nouveau catalogue par M. Claudius Tarral (visible ici). Grâce à Harvard et moi, nous allons sortir des méandres de l’Histoire Monsieur Tarral.

Monsieur Tarral est anglais et s’adresse à Monsieur Villot, conservateur de la peinture du musée du Louvre car il est « convaincu, Monsieur, que vous aurez à cœur l’amélioration du sort de votre admirable galerie, j’ose, quoique simple étranger, sous offrir quelques réflexions sur votre administration et quelques observations critiques sur le nouveau catalogue ».

C’est un collègue. Nous avons eu le même souhait et la même envie. Et comment ne pas être d’accord avec Claudius quand il écrit : « Quarante-six Le Sueur, vrais ou faux remplissent la majeure partie d’une salle (deux maintenant), dans l’intention sans doute de rendre un éclatant hommage à un peintre essentiellement national, qui ne sortit jamais de France ; mais quand il s’agit d’embellir la réputation d’un homme, il y a presque toujours beaucoup à cacher ; ici on a trop dévoilé ».

Le texte date de 1850, mais le style reste inimitable. « Ici on a trop dévoilé », dans un autre genre j’écrivais à propos de Le Sueur (ici) « Donc vous ne connaissez pas ce monsieur qui en moins de quarante ans a réussi à se tailler une réputation qui lui assure aujourd’hui les meilleurs emplacements pour ses tableaux et sa postérité. […] Le Louvre expose les 22 panneaux de sa vie de Saint Bruno réalisés pour le cloître du couvent des Chartreux plus une kyrielle de scènes religieuses. Eustache n’a peint que du religieux, de l’église, de l’aube, de la mitre. Si Eustache a gagné sa sainteté au Paradis ce n’est qu’à Lesueur de son pinceau ». Et je ne vois pas d'autre explication.

Joyeuse

2010-04-29T07:00:00.005+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Avez-vous l’esprit d’escalier ? Le mot serait de Diderot mais popularisé par Rousseau dans ses Confessions. Jean-Jacques manquait d’esprit de réparti et quand les saillies lui venait, c’était en général, dans l’escalier en quittant les beaux esprits, donc trop tard.

L’esprit d’escalier, c’est aussi le titre d’une exposition au Louvre. Exposition très ciblée, puisqu’elle est au Louvre, aile Richelieu, escalier Lefuel, entre les marches 17 et 43. J’exagère à peine. Hector Lefuel avait réalisé cet escalier au XIXème siècle qui relie les sculptures aux peintures du Nord. C’est au pied de cet escalier enclavé que se situe mon cher Métabus roi des Volques (ici).

Dans cet escalier sombre et peu emprunté, François Morellet s’est amusé à reconstruire les sources de lumière en jouant sur les médaillons conçus à cet effet. Trois ans de conception et de travaux, un verre trempé, puis dépoli à l’acide, un dispositif astucieux de LED et vous ne verrez rien. C’est le talent de l’artiste. La marque de Morellet ne se voit que si on le sait. Sinon on croirait un escalier presque désaffecté d’où les ornements de plombs sans aplomb auraient glissé avec le temps. « Chercher à éviter tout côté sérieux ou dramatique et rechercher plutôt la légèreté et l'ironie, paraître discret, peu visible, pour le "grand public", mais sembler étonnant, amusant, absurde, pour le "petit public" ». Ce n’est pas moi qui le dit c’est François Morellet.

Sculpture du jour : Prévenez Montjoie, alertez Saint Denis, ça va chauffer sous la couronne, il y a des mains de Justice dans la gueule qui vont se perdre. Tant que je balivernais sur la peinture nordique ou les gribouillages Empire, cela faisait rire. Mais aujourd’hui nous frôlons le sacré, du moins le sacre, avec Joyeuse (entre le Xème et le XIXème).

Je sais, après ce texte liminaire vous vous attendiez à un scoop, une sorte de bouleversement et au lieu de quoi vous découvrez que l’on va parler de Joyeuse. Non, lecteur taquin, Joyeuse n’est pas le transsexuel dans les 7 nains. Joyeuse voyons, vous ne connaissez pas ? Voici une série de tableaux sur lesquels on voit Joyeuse.

Vous avez cru que les déformations nasales des Bourbon portaient le rhinologique nom de Joyeuse ? Perdu. Joyeuse c’est le nom de l’épée de sacre portée par les rois de France.

Joyeuse est l’épée de Charlemagne. Enfin une de ses épées. Son nom vient de l’ancien français joiel : joyaux. Elle fait partie des regalias du Royaume de France. Arrêtez de hurler, je sais que les regalias ne vous disent rien. Vous pensez qu’il s’agit d’une marque de bonbons. Les regalias sont les objets symboliques de la royauté (fleur de lys, main de justice, sainte Ampoule, épée, éperons, couronne, sceptre de Dagobert). Donc Joyeuse est dans le lot.

Cette épée serait celle de Charlemagne, déjà célébrée dans la chanson de Roland : « Nous avons fort à dire sur la lance dont Notre Seigneur fut blessé sur la Croix. Charles, grâce à Dieu, en a la pointe. Il l'a fait enchâsser dans un pommeau d'or ; en raison de cet honneur et de cette grâce, le nom de Joyeuse fut donné à l'épée ». Donc cette épée contient dans son pommeau un bout de la lance ayant perforé le flanc du Christ. Les quillons sont des dragons ailés du XIIème siècle, la fusée d’or est du XVème, et le fourreau date du sacre de Charles X en 1825. Ceci explique la datation comprise entre le Xème et le XIXème siècle.

Vous l’aurez constaté tout le monde y va de sa petite touche personnelle, ce qui fait que le cimeterre royal est composé d’or, d’acier, de perles de verre, d’argent brodé, de cabochons, de pierre et de velours. La vraie classe. Elle aurait servi dès le sacre de Philippe Auguste en 1179 mais son nom n’est cité qu’à partir de celui de Philippe II le Hardi en 1271. A la Révolution, le sac de la Basilique de Saint Denis permit de faire entrer la rapière dans les collections du Louvre. Comme quoi bien mal acquit profite parfois.

Séance de pose : C’est parfois agréable d’avoir un Impérator à la tête de l’Etat qui n’ait rien dans la sienne, de tête. Sinon vous pourriez être sûr qu’il aurait déjà récupéré l’épée pour parader avec. Plus bling bling que cette lame, ce n’est pas possible. Et vous imaginez le petit Nicolas avec son sabre d’opérette lors du dîner chez les Obama. Le vrai chic parisien.

Surtout que son pommeau recélerait un bout de la Sainte Lance. Longinus, appelé du contingent en poste sur le Golgotha aux alentours de Pâques, en 33 après JC, cela ne vous dit rien non plus ? Ce brave pouipoui romain agacé des jérémiades de Monsieur Christ aurait pris son pilum pour lui enfoncé dans le sternum. Et cette lance aurait des pouvoirs fantastiques pour qui la possède. Victoire à son possesseur, défaite pour le dépossédé. A Vienne en visitant le Trésor des Habsbourg vous croiserez une des quarante lances en circulation. La lance de Longinus, c’est un marronnier des reliques.

Amis généticiens, pensez-y lors de votre visite au Louvre, vous êtes peut-être à 50 centimètres du génome christique. Le souhait de tout homme de science. Cela fait un peu Indiana Jones, je l’admets. C’est sur ces promesses de rêves éternels et de splendeur hollywoodienne que s’achève la seconde et donc dernière saison des visites du Louvre. Je ne vois pas d’autre explication.

Le jeune mendiant

2010-04-28T07:00:00.009+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Nous pouvons féliciter Henri Loyrette, directeur du Musée du Louvre, a été reconduit dans ses fonctions par le conseil des ministres sur proposition du ministre de la Culture.

Il s’agit de saluer le travail réalisé par ce spécialiste du XIXème siècle qui fut à la tête du musée d’Orsay avant de prendre la direction du Louvre en 1994. A charge pour lui, maintenant, de finaliser les projets qui ont été lancés : Louvre-Lens, Louvre Abou Dhabi et, souhait personnel, le développement de l’application disponible sur iTunes.

Tableau du jour : Laissons, un temps, les cieux plombés du Nord pour le sud espagnol avec Bartolomé Esteban Murillo et son Jeune Mendiant (1645-1650).

Vous vous souvenez des règles d’une bonne peinture espagnole, fonds sombres, saints corps presque nus, faméliques. Et bien voici l’exception qui confirme la règle avec un enfant des rues, habillé, pauvre et en plaine lumière. Mais avant de détailler ce tableau, petit retour sur Murillo.

Fils d’un barbier-chirurgien il est le 14ème enfant de la famille. Rapidement orphelin il est placé en apprentissage chez un mauvais peintre (Juan Del Castillo). C’est sa rencontre avec Pedro de Moya (élève de Van Dyck) qui va lui permettre de s’initier à la technique flamande. Pour les franciscains de Séville il réalise onze tableaux en une année, aujourd’hui, tous dispersés à travers le monde. De son passage à Madrid et de ses fréquentations de Zurbaran et Ribera il subit l’influence ténébrisme (fond sombre, saints corps presque nus, etc).

De retour à Séville, il fonde et préside l’académie des beaux-arts de la ville. Alors qu’il réalisait un retable pour le couvent des capucins de Cadix, il glisse de son échafaudage et meurt. Le XIXème siècle le redécouvre et le place comme peintre typique de l’art espagnol de cette période. Napoléon III fera l’acquisition de plusieurs de ses tableaux que l’on retrouve dans les collections du Louvre.

Surnommé « Le jeune pouilleux » l’enfant est en train de se débarrasser de sa vermine, elle traduit la misère des rues de Séville pendant ce Siècle d’Or espagnol. Pour mieux comprendre ce tableau, voici une mise en perspective au travers d'un extrait de Ruy Blas de Victor Hugo : « Ô ministres intègres ! Conseillers vertueux ! Voilà votre façon de servir, serviteurs qui pillez la maison ! Donc vous n'avez pas honte et vous choisissez l'heure, l'heure sombre où l'Espagne agonisante pleure ! Donc vous n'avez ici pas d'autres intérêts Que remplir votre poche et vous enfuir après ! […] Ce pays qui fut pourpre et n'est plus que haillon. L'état s'est ruiné dans ce siècle funeste, et vous vous disputez à qui prendra le reste ! Ce grand peuple espagnol aux membres énervés, qui s'est couché dans l'ombre et sur qui vous vivez, expire dans cet antre où son sort se termine, triste comme un lion mangé par la vermine ! »

Les détails sordides, une lumière très crue avec des zones très sombres, il y a du Caravage dans le coup de pinceau de Murillo. En outre le sujet contemporain, son goût pour la pauvreté indique l’influence des Flandres reçue par Murillo. La présentation de la misère penche pour l’influence franciscaine pour qui il travailla.

Séance de pose : Nous noterons que même pauvre le picaro sévillan sait se nourrir correctement, des pommes et des crevettes, voici la base d’un repas équilibré. Cependant l’équilibre du repas ne doit pas nous faire oublier la crasse de ses pieds et les aillons qu’il revêt.

Noter la dignité de l’enfant représenté par Murillo, il y a de la tendresse du peintre pour son sujet. Car tout est dans le sujet, exposé en pleine lumière, une lumière crue et vive alors que le reste du tableau, une presque nature morte est plongé dans l’obscurité.

Et je ne vois pas d’autre explication.

La Vierge du chancelier Rolin

2010-04-27T07:00:00.010+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Griraz entre au Palais du Louvre. Vous êtes surpris, étonnés, vous ne saviez pas que Griraz devait y entrer. Mais au fait qui est ce Griraz ? Une momie égyptienne, un sculpteur grec, une divinité romaine, un peintre médiéval, une ville de l’Antique sur un tableau ? Rien de tout cela. Griraz a une magnifique bouche, des jambes fines et musclées, une culotte et une queue à en faire rougir plus d’une. Non encore, il ne s’agit pas d’art moderne au Louvre, une sorte éphèbe nu déambulant, tel un satyre. Griraz vous dépassera à la course, en saut, en puissance. Il ne s’agit pas, non plus, d’un athlète grec. Même si je vous dis qu’il est monté par F-X. Bertras. Griraz est en fait le vainqueur du Prix du Palais du Louvre qui s’est tenu à Longchamp. Est-ce que le vainqueur du Prix du Palais du Louvre repart avec un tableau de Géricault ?

Peinture du jour : Et si je vous annonçais que je n’ai pas encore fait le tour de tous les peintres hollandais ! J’imagine, votre état d’effondrement. Vous vous croyiez libérés de cet art flamand italo-espagnol beaucoup trop lourd. C’était sans compter sur mes souhaits. Il m’en reste des peintres du nord, même beaucoup, qui ne sont pas passés sur le grill des billets de ce blog. Et parmi ce reliquat il en est un que je ne pouvais laisser s’échapper. La flamanderie du jour sera signée Jan Van Eyck, il s’agit de La Vierge du chancelier Rolin (1435).

Alors bien sûr Van Eyck c’est le portrait des époux Arnolfini, le réalisme minutieux de la représentation, le perfectionnement de la technique de peinture à l’huile, le soin des détails, le rendu des matières, ces portraits qui pour la première fois dans la peinture occidentale vont froidement fixer le spectateur. Je vous laisse le soin de consulter les exégèses les plus pointues dans ce domaine.

Mais derrière ces portraits calmes, presque parfaits se cache une vie de bâton de chaise. D’abord si derrière chaque grand homme se cache une femme, derrière Jan Van Eyck s’est longtemps caché son frère, Hubert. Peintre à la cour du duc de Bourgogne, les styles sont si semblables qu’avant 1426 (date de la mort d’Hubert) la paternité des œuvres de Jan est discutée au profil de son frère. Mais Jan saluera la mémoire de son frère. Les deux personnages adossés à la muraille sont les frères Van Eyck.

D’abord employé à la cour de Jean de Bavière, comte de Hollande, la mort de ce dernier le pousse à se rapprocher de son frère qui fait le même boulot à la cours de Philippe le Bon, duc de Bourgogne. Un an après son frère meurt et il hérite de la charge de peintre et de valet de chambre. Il a aussi une fonction de webcam. Cinq siècle avant internet, il se rend au Portugal pour dire à son maître « la vérité de corps et de caractère » d’Isabelle, fille du roi Jean Ier. En langage d'aujourd'hui : « Je fais un mariage de raison, est-ce qu'en plus d'être bête à manger du foin, elle ressemble à un laideron ? » Le tableau n’est plus, mais la pose faisait penser à celle de La Joconde. Puis il quitte la Bourgogne pour Bruges, achète une maison, se marie, et meurt.
Et voici notre conversation de la vierge avec le chancelier Rolin. Il s’agit de Nicolas Rolin chancelier du duc de Bourgogne qui souhaitait décorer la chapelle Saint Sébastien d’Autun où gisaient les ancêtres Rolin. Quand l’église sera détruite le tableau rejoindra les collections du musée en 1793.

Notez que le tableau est à tempera (c'est-à-dire qu’il utilise du jaune d’œuf comme liant des pigments de peinture et non qu'il est à température) et que la vierge est vêtue de rouge. Je n’ai pas d’information très précise sur la garde robe virginale mais sachez que cette représentation va très clairement passer du rouge au bleue. Mais pourquoi donc vous demandez-vous ? Le rouge est la couleur de la compassion, le bleu celle de la virginité. C’est encore à cause des protestants ce truc là. Vous connaissez la virginité perpétuelle ? Pour les catholiques et les protestants, Marie accouche vierge. A ce stade vous pouvez commencer à pouffer, mais passons. Pour les protestants Marie a ensuite d’autres enfants, mais pour les catholiques, il doit y avoir un système de chirurgie réparatrice et juste après l’enfantement, elle redevient vierge pour la vie. Pour accompagner cette idée les peintres représenteront Marie en bleu pour souligner cette virginité et abandonneront le rouge.

On peut noter que chez les Rolin, il y a de l’argent. Banc de marbre, manteau galonné de perles et de joyaux, brocard d’or et de fourrure, couronne un peu bling bling, loft avec vue sur le fleuve et jardin privatif. On ne se refuse rien.

Séance de pose : Ce tableau regorge de symboles : au sol, l’étoile à huit branches (Stella Matutina) étoile du matin qui indique le lieu de naissance du Christ, sur les chapiteaux des extraits de l’Ancien Testament (Caën, Abel, Noé). Le Christ est sur un linge blanc symbole de son linceul et sa mère ne regarde pas le chancelier mais son fils ou plus exactement sa croix, préfiguration de son supplice. Au dessus de la Vierge, le pouvoir spirituel (églises, cathédrale) et au dessus du chancelier, le pouvoir politique (la cité). Une pie (pour la mort), des lapins (pour la Luxure), des paons (pour le Christ car dans les deux cas la décomposition de la chaire est lente).

Au niveau de la perspective, ce tableau est un modèle du genre, tout convergeant vers cette île au milieu de la rivière : les chapiteaux, le dallage, les mains du Christ et du chancelier, la Bible, la topologie, les bâtiments.

Vous savez bien qu’aucun évangile ne relate la visite de Madame Vierge et de son fiston chez le chancelier Rolin. De même qu’aucune apparition ne fut déclarée du côté d’Autun au cours du XVème siècle. Pourquoi ce tableau alors ? C’est un classique de la peinture chrétienne, la conversation sacrée. Le commanditaire terrestre se fait représenté en pleine conversation avec un personnage divin. L’idée est de frapper les esprits, de montrer au peuple que ses petits soucis de bornage ou de surproduction agricole, je les écoute parce que je suis Chancelier mais que normalement je ne discute qu’avec des pointures genre La Sainte Famille.

Vous l’aurez compris, plus vous discutez avec une pointure, meilleur c’est. Un tableau où vous faites une belote avec Saint Crépin et Saint Crépinien aura moins de poids qu’une partie de scrabble avec Saint Pierre. Et vous imaginez bien que le top du top reste le Fils et sa maman. Le Père et le Saint Esprit étant plus discrets. Une dernière chose, faites bien attention à la représentation que vous choisissez. La mienne, pour parlante qu’elle soit, n’a été retenue par aucun musée. Je ne vois pas pourquoi et je n’ai pas d’autre explication.

Les esclaves

2010-04-26T07:00:00.011+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Le pavillon des Sessions a 10 ans. Avant que les arts premiers ne quittent la porte Dorée pour le quai Branly, Jacques Chirac, alors président de la République (et oui nous avons trop tendance à oublier qu’il le fut) inaugura en avril 2000 le pavillon des Sessions, véritable antenne, ambassadeur, fer de lance du musée des Arts premiers.

100 œuvres d’Afrique, d’Asie, d’Amérique ou d’Océanie. Bref tout sauf l’Europe. Et c’est la force de ce pavillon au sein du musée, présenter autre chose que la domination picturale européenne. Enfin quand je dis présenter il faut le chercher quand même. Vous laissez dans votre dos la Joconde pour vous rendre, en face, dans la Grande Galerie. Vous prenez alors à droite et remontez tout son long en admirant la peinture italienne. Puis au bout de la Grande Galerie vous descendez quelques marches pour arriver dans une salle à dominante espagnole, que vous traversez (vous aurez bien le temps de vous replonger plus tard dans la peinture ibérique), vous arrivez alors au dessus de l’entrée dite « de la porte des Lions ». C’est ici. Ici mais jamais le vendredi, les horaires étant aussi un peu farfelus.

Si vous y tenez, pour fêter ces 10 ans, l’invité sera Jean-Pierre Elkabbach. Il n’y a aucune obligation à suivre sa présentation des arts premiers. Je donne juste l’info.

Sculpture du jour : Il faudrait un jour que je me penche sur mon goût pour les sculptures entravées. Je trouve en effet que les bras sont ridiculement inutiles. De la Vénus de Milo à Somathrace, de Milon de Crotone au cavalier Rampin, je trouve qu’une belle sculpture c’est un buste ou un manchot. Souvenez-vous des roucoulades de Psychée ranimée par le baiser de l'Amour par Antonio Canova (ici), que les arabesques des bras font lourdingues. Moins il n’y a de bras plus c’est beau. Alors aujourd’hui, dans ce même esprit, les esclaves de Michel-Ange (1513-1516).

Avant d’attaquer au scalpel la bio du géant, voici le chemin pour revenir du pavillon des Sessions et aller voir les esclaves. Vous remontez, reprenez la salle espagnole, traversez la Grande Galerie mais allez au-delà de la salle de la Joconde. A son extrémité vous tournez à gauche, débouchez sur la Victoire, redescendez, traversez la galerie avant d’arriver aux sculptures italiennes. Vous retrouverez sur votre gauche Psychée et sa réanimation. Au fond de cette galerie vous trouverez les deux esclaves. Cela fait du bien de pratiquer un peu de sport. Pour les fainéants, un raccourci existe. Dans la Grande Galerie prendre à gauche et déboucher sur un escalier, les esclaves sont en bas, mais vous arrivez dans leur dos, par surprise, cela ne se fait pas.

Donc Michel-Ange. Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni dit Michel-Ange. Si pour vous Michelangelo n’est qu’une tortue amatrice de pizza, je vous invite à passer votre chemin. Pour les autres nous pouvons résumer Michel-Ange en indiquant que tout ce qui n’a pas été fait par Léonard de Vinci l’a été par Michel-Ange. Du plafond de la chapelle Sixtine, au David, à la Piéta, aux tenues des gardes suisses, c’est lui. La Joconde, les parkings et les hélicoptère c’est Vinci.

C’est compliqué de réduire à quelques lignes celui qui fut peintre, sculpteur, dessinateur, architecte, décorateur, poète. Vous voulez de l’anecdote, je sais que pour le sérieux vous serez assez grands pour regarder par vous-même sur internet. Donc Michel-Ange débute en recopiant et critiquant les fresques de l’église Santo Spirito de Florence. Ses critiques lui vaudront de se prendre un poing sur la gueule du sculpteur Pietro Torrigiano. Il en conservera à vie un nez un peu abîmé.

Il passe sa vie entre Florence et Rome. A Florence il travaille pour les Médicis à Florence et à Rome pour les papes. Il connut la reconnaissance de son vivant. La reconnaissance de ses clients mais aussi de ses pairs et contemporains. On peint et sculpte à la manière de Michel-Ange, ce que l’on appellera : le maniérisme. Il est tellement connu que deux biographies seront publiées de son vivant par Giorgio Vasari et Ascanio Condivi.

Et puis comment blâmer un homme qui écrit « Avec vos beaux yeux je vois une douce lumière, que je ne peux plus voir avec mes yeux aveugles … Par votre esprit, au ciel je me sens élevé … En votre volonté est toute ma volonté. Mes pensées se forment dans votre cœur, et mes paroles dans votre souffle. Abandonné à moi-même, je suis comme la lune, que l’on ne peut voir au ciel, qu’autant que le soleil l’éclaire. » C’est beau mesdames ?! Trop beau pour une femme, c’est pour Tommaso dei Cavalieri, l’amour de sa vie qu’il écrit ce texte. Car il est tellement amusant de penser que le plus grand artiste du Vatican (mais à égalité avec Le Bernin en matière de grandeur artistique) était un homosexuel. Bon, d’accord, il n’y a que moi que cela fait rire. Moi et deux, trois cardinaux.

Séance de pose : La International Museum Organisation (IMO), qui doit valider l’ouverture de tout musée a établit plusieurs critères qui vous donnent droit ou non au titre de Musée. Pour de l’art moderne l’IMO préconise la présence d’un Picasso. Le même organisme pour de l’impressionnisme requière un Van Gogh et deux Monet. Pour les musées généralistes il faut au moins un David, deux italiens, trois espagnols et 7 sculptures grecques ou romaines. C’est pour devenir un Grand Musée que le critère Michel-Ange entre en ligne de compte. Il faut au minimum un Michel-Ange, sculpture et non dessin. C’est pour cette raison que le Louvre dispose de ces deux bonshommes. Car à part Londres, Bruges, Saint-Pétersbourg et Paris toutes les œuvres du Michel-Ange sont restées en Italie (à Rome, Florence et Milan).

Donc voici deux statues, pas vraiment mes préférées mais il y a un titre de Grand musée en jeu, vous l’aurez compris, je l’espère. L’esclave rebelle et l’esclave mourant. Ils sont très facile à reconnaître, le rebelle, c’est celui qui se rebelle et le mourant c’est l’autre. Rebelle à gauche, mourant à droite.

Merci de noter l’empressement français à disposer de ses propres Michel-Ange, ces derniers ne sont même pas terminés. Ils étaient prévus pour le tombeau du pape Jules II. En les voyant, le pape les a refusés car il les trouvait trop moches. Il aurait même ajouté « Tu n’as qu’à donner ça aux français, sinon leur Louvre restera à jamais un pinacothèque de province ». Michel-Ange les offre à son ami Roberto Strozzi (quand je dis ami, je ne sous-entends rien d’autre que de l’amitié. Arrêtez avec la rumeur). Strozzi, en exil en France, les offre à François Ier.

Vous me direz que ce n’est pas très gentil d’offrir un cadeau que l’on vient de recevoir. J’admets, l’inélégance, mais vous vous imaginez, en exil, avec deux statues de 2,5 mètres de haut ? Pensez à un afghan caché dans un camion, sur un parking de Calais, avec en plus un duo de sculptures en marbre. Ce n’est pas discret. Les esclaves quittent François Ier pour les collections de Montmorency, le château d’Ecouen et celui de Richelieu. Saisis sous la Révolution, les statues entrent au Louvre dès 1794.

Ces esclaves sont des exemples de l’« inachevé » pour représenter le combat entre l’esprit qui souhaite se libérer et la matière qui le retient. Faute de matière, je vais vous libérer car je ne vois pas d’autre explication.

Fête dans une auberge

2010-04-23T07:00:00.006+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Bon, je vais faire des efforts et sortir de la moiteur indienne pour vous faire part d’un glissement sémantique. Quand je suis à court d’idée pour cette rubrique je feuillette la presse numérique à la recherche d’info. Avant je tapais Louvre et j’obtenais ce que je cherchais. Puis sont apparus Louvre à Lens et aux émirats. Maintenant quand je tape Louvre j’ai une info sur deux consacrées à un magasin situé dans le Carrousel et qui vend des produits informatiques sous couvert de vendre des pommes.

L’Apple store du Carrousel a provoqué un rassemblement massif de gens pour son ouverture. Et une bonne moitié ne s’est pas donnée la peine d’aller visiter le musée. C’est dommage. Donc en pensant trouver des aventures palpitantes, je n’ai trouvé que l’info d’un concert de Micky Green à l’Apple store du Carrousel du Louvre début avril.

Tableau du jour : Bon vous avez été contents, nous avons fait un petit tour en Égypte, je n’ai pas trouvé cela déplaisant, mais je ne m’y sens pas à mon aise. Rien ne vaut la froidure nordique pour rassembler les hommes dans les tavernes comme dans le tableau de Jan Steen, Fête dans une auberge (1674).

Nous avons vu des fils de sculpteur devenir sculpteur et engendrer des sculpteurs, des fils de peintre devenir peintre et engendrer des peintres. C’est donc tout naturellement que Jan Steen, fils de tavernier va devenir à son tour tavernier. Peintre et tavernier, son inspiration au bout du pinceau et du pichet. Des modèles qui paient pour se rincer le gosier.

La famille Steen tient la brasserie La Hallebarde Rouge à Leyde. Et pour catholiques pratiquants qu’ils sont, ses parents le laissent malgré tout se mettre à la peinture. Il faut dire qu’il est dans la même classe que Monsieur Rembrandt et, peut-être moins en France, mais aux Pays Bas, Monsieur Rembrandt jouit d’une certaine renommée et d'une très bonne réputation. Ses tableaux sont dans les plus grands musées.

Jan étudie chez Nicolaus Knüpfer, peintre allemand et figuratif dont il retient les compositions et l’utilisation de la couleur. Il épouse une fille de peintre et s’installent à Delft pour tenir la brasserie De Slange (Le serpent). Mais l’explosion de la poudrière de Delft mettra un terme à ses activités dans cette ville. Il ouvre une autre taverne De Vrede (La Paix), se remarie, a sept enfants et meurt. Sa fille épousera un peintre de marines et deux de ses fils deviendront à leur tour peintre. Par contre personne ne sait si la dynastie Steen a perpétué dans la tenue d’établissement de boisson.

Petite information picturale, ne pas confondre le peintre de Marine et le peintre de marines. Le premier est un Officier de la Marine Nationale qui peint des navires de guerre. Le second est un peintre spécialisé dans la représentation de rafiots en tout genre. Fin de la minute On peut aussi apprendre des choses sérieuses et pas que des bêtises.

Huit cents tableaux, c’est l’estimation de la production de Jan Steen. C’est quand même autre chose qu’un scribe entrain de jouer aux jeux vidéo en montrant ses testicules. En toute franchise nous avons perdu la moitié des toiles. Mais celles qui subsistent permettent de se faire une idée assez précise de son style qui pourrait se résumer en quelques mots : paysans, humour, couleurs.

Dans ses tableaux, la vie transparait, il y a une forme de légèreté, de joie de vivre, d’exubérance, voire de profond bordel. Ce n’est pas qu’une invitation au Carpe Diem. Les tableaux renferment des clés, des énigmes, des interprétations liées à des proverbes ou des œuvres littéraires néerlandaises. Autant vous dire que nous ne pourrons pas beaucoup nous pencher sur la profondeur du tableau et resterons en surface. Je le regrette mais ne suis pas flamandophone.

Séance de pose : La première chose que nous nous devons de noter c’est la dimension de l’auberge. Non mais vous avez vu cela ? La pièce doit avoir une hauteur sous plafond de 8 à 10 mètres. On doit être sur une base de 10 à 12 mètres sur les côtés. Quand on a près de 1 500 mètres cube à chauffer, vous comprendrez que l’on ne se contente pas de vendre des bières et que l’on bricole à côté. Jan, il choisit la peinture pour apporter du beurre dans les épinards. Les dimensions sont tellement impressionnantes que des arbres poussent à l’intérieur de l’auberge. Et il ne s’agit pas d’un arbrisseau perdu. J’en compte au moins cinq.

Dans le détail nous retrouvons, des musiciens saoulent, des danseurs, deux hommes qui tentent d’embarquer une fille, une mère donnant le sein. Bref la vie. Que l’on apprécie ou pas ce style de peinture, sachez qu’il a donné naissance à une expression hollandaise : « een huishouden van Jan Steen », c'est-à-dire « un spectacle à la Jan Steen », pour évoquer cette excès de vie. Je ne vois pas d’autre explication.

Scribe accroupi

2010-04-22T07:00:00.009+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Rien de particulier.

Sculpture du jour : « Oui, c’est facile, tu ne parles que de la peinture que tu connais. Il n’y a pas de prise de risque, tu n’arriverais pas à faire le malin avec des œuvres que tu n’aimes foncièrement pas ! » C’est donc ce que nous allons voir puisque je suis redescendu dans les tréfonds du musée, section Égypte ancienne, pour vous parler du Scribe accroupi (2600 - 2350 avant JC).

Tout le monde est content on va reparler de l'Égypte. Donc voici un scribe accroupi qui vient d’Égypte. C’est bon ? Je l’ai fait ! Je peux retourner vaquer à la peinture du Nord ? J’en étais sûr, vous voulez plus de détails. Quand on vous parle des Guelfes et des Gibelins cela vous passe bien au dessus de la tête mais dès qu’il s’agit d’avoir des infos sur les scribes, il y a du monde.

On ne sait rien sur lui, ni son nom, ni sa fonction, ni ses titres, ni la ville où il vivait, ni même à quelle époque. Alors sur cette base là, comment voulez-vous que l’on travaille ? Je dis « on » car j’ai en fait toute une équipe avec moi qui se charge des recherches, des vérifications, j’ai une deuxième équipe dédiée à la quête iconographique et enfin une dreamteam de comiques qui permettent de ponctuer ces démonstrations de traits d’esprit si fins et si drôles. Je me contente d’appuyer sur Envoyer pour la mise en ligne. Et non, n’allez pas croire que je vous raconte cela pour passer au travers de mon sujet du jour.

Donc le scribe n’est déjà pas accroupi mais en tailleur. Si je dois plancher sur ce sujet autant être précis. En outre, c’est vrai qu’il a une bonne tête. On dirait un bon gars. En plus il est très bien élevé et se tient parfaitement droit. Sa bonne bouille est renforcée par un fond de magnésite blanc veiné de rouge sur lequel est fixé un morceau de cristal de roche pour donner l’impression de vie au personnage.

Il a certes, un peu, la poitrine qui tombe. Et ne supputez pas qu’il fasse froid au Louvre, ses mamelons sont en fait deux chevilles de bois. En 1998 la statue a été nettoyée afin d’ôter une sur-couche de cire qui la recouvrait. Cela a permis de mettre en avant la polychromie qui avait traversé les siècles. La statue a été découverte en 1850 à Saqqara par Auguste Mariette.

L’autre particularité de cette statue est de trouver un scribe « écrivant », même si son pinceau a disparu, il reste dans la main gauche le rouleau de papyrus. En effet les scribes son plus généralement « lisant ».

Séance de pose : Il n’y a pas à dire, on s’est bien marré avec ce scribe !!! Deux remarques. Le pagne des scribes se tendait quand ils s’asseyaient. Ce stratagème permettait alors de constituer une sorte de table de travail sur laquelle ils pouvaient prendre appui. Mais ceci devait avoir un inconvénient fatal, celui d’exposer les bijoux de famille à la vue de tous. Je vous prie de noter avec quel talent le sculpteur esquive ce risque.

Autre remarque, si les scribes « écrivant » sont rares, peut-être ne s’agit-il pas d’un scribe, mais de tout autre chose. Je pencherais plus pour un grand enfant en train de jouer avec une Nintendo DS. Le stylet ayant disparu avec le temps. Dans ce cas vous comprendrez que je sois plus circonspect sur le fait de faire rire de cela. Et je ne vois pas d’autre explication.

La couronne dite de "Charlemagne"

2010-04-21T07:00:00.011+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Je vais cesser de provoquer la jalousie par pure méchanceté. Pas de nouvelle du Louvre ce jour.

Sculpture du jour : Il est rare de trouver sur un tableau, un objet exposé dans le même musée. C’est presque le cas de la couronne dite de Charlemagne exposée dans la galerie d’Apollon (1804).

Vous qui longez le Louvre en voiture côté Seine, un peu avant le pont des Arts vous avez un décrochement du musée. La galerie d’Apollon se situe ici au premier étage. C’est Versailles avant l’heure. Le Vau comme architecte, Le Brun comme décorateur, Girardon pour les stucs, tout le monde se fait la main avant d’aller travailler dans les Yvelines.

Au XVIIIème siècle les trous du plafond sont comblé par les nouveaux membres de l’Académie de Peinture et de Sculpture qui faisaient ainsi leur « morceau de réception ». Vous pouvez y admirer les bijoux royaux et impérieux français ainsi que la vaisselle royale. C’est notre Tour de Londres à nous. Si tant est que les joailliers français puissent rivaliser avec leurs homologues anglais.

Et parmi ces trésors la couronne dite de Charlemagne. De la propagande en mouvement. Vous connaissez le tableau de David sur le sacre et déjà présenté (ici). Et vous me direz que l’on remarque bien les lauriers impérieux, le diadème de Joséphine mais qu’entre les deux la couronne ne ressemble en rien à celle présenté ce jour. Je ne peux que saluer votre sens de l’observation.

Le dernier empereur a avoir régné sur la France était Charlemagne. Pour cette raison Napoléon fit réaliser par Martin-Guilhaume Biennais une couronne qui devait figurer parmi les « Honneurs de Charlemagne ». Ces Honneurs étant la main de justice, le globe et la couronne. Ce couillon de Kellermann est mal positionné pour que l’on puisse la voir, mais elle était présente lors du sacre. Si l’iconographie charlomagnesque est vaste à aucun moment on ne le voit couvert d’une telle couronne. Mais acceptons qu’il faille plus voir un symbole d’une copie conforme de la coiffe germano-impériale.

Séance de pose : Pour orner sa couronne, Napoléon s’est contenté de prendre des camées provenant d’un reliquaire offert à Saint-Denis en 1401 par le duc de Berry (celui là même des Très riches heures). Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme. Pour le reste, calmez vos soifs d’or il ne s’agit que de cuivre doré.

D’ailleurs en regardant un peu mieux le fond de la couronne, cette dernière semble fabriquée à partir d’une simple moitié de noix de coco. Il ne s’agissait que d’un symbole à montrer aux foules pour légitimer l’imposture corse.

Cette imposture fut telle que Louis XVIII de retour sur le trône fit tout fondre. Tout sauf cette couronne de Charlemagne. Et le petit frère de L18, Charles X portera symboliquement cette couronne lors de son sacre. Comme on peut l’apercevoir sur ce tableau de François Gérard. Un peu court je l’avoue mais je ne vois pas d’autre explication.

Portrait de l’artiste en chasseur

2010-04-20T07:00:00.012+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Je m’en fiche. Je suis sur le dos d’un éléphant en train de monter au Fort d’Amber et ce soir je verrai le soleil se coucher sur le Taj Mahal.

Tableau du jour : Le tableau et l’explication qui va avec, risque de diviser en deux mes lecteurs. D’un côté il y aura ceux qui ont pleuré quand la maman de Bambi meurt et de l’autre ceux qui ont pleuré parce que le chasseur n’a pas réussi le doublé faon et biche. En selle ! Nous partons chasser avec un portrait de l’artiste en chasseur d’Alexandre-François Desportes (1699).

Vous connaitrez à la fin de ce billet l’origine d’une expression, la vie d’un peintre et saurez que République et Royauté n’ont jamais été aussi proches. Mais commençons par Desportes qui s’est gribouillé en Tartarin de Rambouillet.

Vous souvenez-vous d’un tableau de Frans Snyders sur un étal de poissonniers (ici). Et bien lors de son passage à Paris, Snyders sera le maître de Desportes. Ce que Desportes retiendra Snyders : un goût et un talent pour peindre les animaux et un regard imprégné de culture flamande. Mais Desportes réduit la fougue baroque pour un art plus calme, plus posé. Mais il conserve entier son goût pour les animaux, au point d’en faire le fondateur de la peinture animalière française.

Son talent il l’exerce dans les demeures royales pour Louis XIV et XV. Son travail, peindre les chiens des rois. Boucher se chargera d’en peindre les chiennes. Son talent pour saisir l’animal lui permet d’obtenir une charge de Peintre des chasses et de la meute royales. Je n’ai pas trouvé le nom du peintre qui avait hérité de la charge de Peintre des bourdaloues royaux.

Desportes suivait le roi lors des chasses. Saint-Simon raconte « qu’il allait même d’ordinaire à la chasse à ses côtés, avec un petit portefeuille pour dessiner sur les lieux leurs diverses attitudes, entre lesquelles le roi choisissait, et toujours avec goût, celles qu’il préférait aux autres ». Ainsi, la chasse terminée, le peintre présentait au roi ses esquisses. A ce moment particulier où le roi descendait de son cheval et ôtait ses grandes bottes … au débotté.

Alexandre-François Desportes meurt au mitan du XVIIIème siècle en laissant un fond d’atelier très conséquent. En 1784, le comte d’Angiviller récupère ce fond pour Sèvres. Les scènes de chasse de Desportes servant alors de modèles aux peintres de la manufacture. Et maintenant si vous souhaitez voir des tableaux de Desportes mais que le Louvre vous donne des boutons, une part importante de ses œuvres se partage entre le musée de la Chasse et de la nature à Paris et le musée international de la Chasse à Gien. Vous pourrez donc voir ses œuvres à l’occasion Desportes ouvertes, pour les journées du patrimoine. Vous pensiez que j’allais laisser passer un jeu de mot aussi minable. C’était mal me connaître.

Séance de pose : Qu’il est beau notre chasseur, dans sa tenue, entouré de ses chiens après la chasse, sereinement accoudé à un arbre. C’est après la chasse car à ses pieds trône son trophée. Même sous l’ancien régime il était assez rare de cacher des animaux déjà morts pour le simple plaisir du roi. Ou alors des animaux en chocolat pour Pâques. Les chasses de Desportes sont toujours belles, l’animal y développe toute sa force, tout son panache, toute sa puissance. Cela ressemble aux corridas de Picasso.

Dans la réalité c’est dégueulasse, une boucherie, du sang partout, des animaux amputés. Mais Desportes ne pouvait et ne voulait représenter cela sur ses tableaux. Ses chasses ressemblent alors à des parties de whist entre vieilles dames respectables. L’invitation du roi à participer à une de ses chasses c’était mieux que d’assister à son petit lever. C’était l’occasion de faire montre de bravoure face à son monarque. C’était le sésame vers une charge quelconque, une reconnaissance.

En mathématique les révolutions sont le retour d’un point à son origine après avoir décrit une courbe. Que la Royauté tombe et la République réinvente les chasses devenues présidentielles. « Je veux changer la pratique de la République : plus de simplicité, plus de proximité, plus d’authenticité ». Ne riez pas en lisant ces paroles du Guide Suprême – Grand Mogol du Sarkozysthan. C’est à lui que l’on doit le renouveau des chasses présidentielles à Chambord. A lui est à P. Charon son conseiller en communication.

Ne scrutez pas votre boîte aux lettres, le bristol d’invitation ne risque pas d’y échoir. Les grands patrons, les hommes d’influences, les grands serviteurs de l’état, les copains et les coquins, voici les personnes invitées, pas Dédé et sa chienne Kiki pourtant tous deux célèbres au café Le rendez-vous des chasseurs. Enfin pour tirer cette conclusion il faut se baser sur les propos de Monsieur Charon qui souhaite faire de ces chasses un instrument de réseau. Se créer des obligés, faire des photos de Monsieur en héros, le pied écrasant un cerf tué par d’autres et pouvoir les ressortir ou menacer de les ressortir.

Un folklore qui fait bling, bling, puisqu’avant le repas, flambeau à la main, la garde républicaine présente le « Tableau de chasse ». Nous ne savons rien du coût, du but, de l’intérêt. Je ne vais pas entrer dans un poujadisme facile sur l’air de « Ben c’est nous qui payons ». Mais c’est pathétique, Monsieur le préfet accourant pour tirer le canard puis parader avec sa dinde à un dîner au château de Chambord. « - Nous vous compterons parmi nous au bridge samedi soir ? – Mais vous ne savez pas ? Nous allons chasser à Chambord. Mais chut le petit peuple n’a pas à savoir. – Vous saluerez Monsieur et Madame … pour moi alors et rapportez-vous du pâté ». Que cela fait vieille France moisie.

Pour mémoire c’est le même Monsieur Charon qui pense qu’un complot se trame sur les rumeurs de séparation du couple qui nous gouverne. Des forces obscures à l’assaut d’un si bel amour. Messieurs tirez-en les premiers les conclusions, optimisez « - Chéri tu peux descendre la poubelle ? - Ben là, ma mie cela ne m’arrange pas trop et puis je pense que les poubelles ont été placées là par le Mossad, le Mi6 et la CIA pour nuire à notre bonheur ». Et pour finir Monsieur Charon que l'on entend très affable contre la rumeur faisait circuler celle selon laquelle Claude Chirac couchait avec tout Paris. C'est la même Claude Chirac qui poussa son père à mettre un terme aux chasses présidentielles, en raison de leurs réminiscences monarchiques. Et nous revenons à notre point de départ. Quelle belle révolution. Je ne vois pas d’autre explication.

Démocrite

2010-04-19T07:00:00.012+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Je m’en fiche. Pour être totalement honnête, ce billet a été écrit il y a dix jours. Actuellement je suis en plein Rajasthan à l’approche de Jaipur où m’attend le Palais des vents. Je ne fais pas mon crâneur, mais je prends un peu de distance avec les activités quotidiennes du Louvre.

Tableau du jour : Rien ne vaut la qualité française dans un musée français. Alors aujourd’hui un peintre parisien en la personne d’Antoine Coypel avec son Démocrite (1692).

Coypel suit son papa à Rome où ils se forment au baroque. De retour en France, il devient membre puis directeur de l’Académie royale de peinture et sculpture. Ce tremplin le propulse à la charge de Premier peintre du Roi en 1716. Mais le roi ne le charge pas de portrait mais de décoration d’intérieur. Ainsi nous lui devons le plafond, en style baroque romain, de la chapelle du Château de Versailles.

Il rédigea un Discours sur son art et travailla en étroite collaboration avec les graveurs de son époque. Comme souvent dans ces familles tout le monde baigne dans le même jus. Fils de peintre il engendra lui aussi un peintre. Pas beaucoup plus d’information à fournir sur Antoine Coypel. Et puis il faut se réserver pour Démocrite.

Démocrite c’est le Philéas Fogg de l’Antique. Il est initié à la théologie et à l’astronomie par des mages perses. Il apprend la géométrie en Égypte, l’astrologie en Perse, il rencontre les gymnosophistes en Inde, en Ethiopie et à Babylone. Voyageur et modeste avec cela « De tous mes contemporains j’ai parcouru la plus grande partie de la terre, en étudiant les sujets les plus grands. J’ai vu le plus de climats et de pays. J’ai entendu la plupart des hommes doctes, et personne encore ne m’a surpassé dans l’art de combiner les lignes et d’en démontrer les propriétés, pas mêmes les arpenteurs d’Égypte, avec qui j’ai passé cinq ans en terre étrangère. » comme le cite Clément d’Alexandrie dans Stromates.

Philosophiquement Démocrite est un matérialiste face à un Platon idéaliste. Il ferait pourtant une apparition dans Rivaux, un texte apocryphe de Platon Mais notez le apocryphe. De son vivant Platon ne cite jamais Démocrite et dans ses Mémoires historiques, Aristoxène raconte que Platon voulait brûler tous les écrits de Démocite.

Mathématiquement, il admirait Pythagore. Ses ouvrages traitaient des lignes continues, des solides mais tous ont disparus. En géométrie ses travaux devanceront la parution des Éléments d’Euclide. Et Archimède lui prête la découverte du volume d’un cône, d’une pyramide, des prismes. Les matheux apprécieront.
Humainement, après ses voyages, il revient ruiné et vit à la charge de son frère. Puis il devient aveugle avant de mourir à l’âge de 103 ans et de se voir offrir ses funérailles par l’État.

Séance de pose : Bien sûr, ce qui surprend c’est ce sourire radieux qui accompagne le philosophe. Assez éloigné des faciès habituellement contrariés par le cours du monde que nous pouvons connaître. Toutes les anecdotes concordent « Toute rencontre avec les hommes fournissait à Démocrite matière à rire » Juvénal dans Satires. « Quant aux sages, Héraclite et Démocrite, ils combattaient la colère, l’un en pleurant, l’autre en riant. » Stobée dans Florilège.

Pourquoi riait-il ? C’était soit le rire de celui qui sait et qui rit par condescendance vis-à-vis du reste du monde. Soit le rire de l’idiot, du simple, qui ne sait pas mais qui se protège ainsi. Je pense en fait que Démocrite ne comprenait rien. Il essayer, il a voyager pour cela mais il ne comprenait rien à rien et pour faire bonne figure quand on lui posait une question, il rigolait. Essayer, cela fonctionne très bien.

D’ailleurs j’en veux pour preuve qu’il était un peu foufou, voici un texte d’Aulu-Gelle extrait des Nuits attiques et qui explique comment et pourquoi Démocrite est devenu aveugle : « Démocrite s’est volontairement privé de la lumière des yeux, parce qu’il estimait qu’en méditant sur les causes naturelles, ses pensées et ses réflexions auraient plus de vigueur et de justesse s’il les délivrait des entraves apportés par les charmes séducteurs de la vue. » Un peu allumé le garçon ! Je ne vois pas d’autre explication.

La contre-attaque de Micheletto da Cotignola

2010-04-16T07:00:00.011+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Les catalogues d’exposition. Jadis l’accès à une exposition se faisait les mains dans les poches, éventuellement une étiquette indiquait le nom de l’œuvre et il ne fallait rien attendre de plus. Puis vint une période où de grands calicots ornaient les salles avec des explications thématiques.

A l’heure du multimédia des animations comme celle de la Vierge au lapin (présentée ici) permettraient de rendre le travail des artistes plus ludique. Ce n’est pas vraiment l’orientation qui a été prise. En parallèle se sont développés les catalogues d’exposition. Il faut reconnaître qu’ils sont généralement très bien faits. Les photos sont superbes, les textes d’une justesse et d’une précision remarquable. C’est tout à fait le genre de livre que l’on laisse négligemment trainer sur la table basse pour indiquer que l’on est bien un bo-bo et pour recouvrir France-Football.

Mais le parfait travail que constitue ces catalogues a engendré deux effets : le premier c’est que la demande dépasse les visiteurs d’une exposition. Pourquoi ne pas se contenter d’acheter le catalogue au lieu de se déplacer, d’attendre et de payer ses places. Pour lutter contre ce premier effet la solution trouvée a été d’augmenter le prix des catalogues. Et ceci dans des proportions inimaginables. Je tiens mes sources de la boutique en ligne des musées nationaux (ici).

Prenez l’exposition du moment Turner au Grand Palais. Prix d’entrée 11 euros, prix du catalogue 39 euros. Exposition 1810, la politique de l’Amour à Compiègne. Prix d’entrée 8,50 euros, prix du catalogue 45 euros. Exposition Lucian Freud au Centre Pompidou. Prix d’entrée 12 euros, prix du catalogue 44,90 euros. Entre 250 et 300 francs pour ces livres qui sont des livres d’art, je l’admets et le conçois, je trouve cela très cher. Surtout que pour Turner ou 1810, il y a bien longtemps que les reproductions sont libres de droit. Alors que reste-t-il au visiteur pauvre pour pousser un peu plus loin ses recherches ? Ce blog ! Et en plus on ferme bientôt.

Tableau du jour : En effet, pour clore cette seconde saison de Mission au Louvre, voici La bataille de San Romano, la contre-attaque de Micheletto da Cotignola de Paolo di Dono dit Uccello (vers 1435-1440).

Paolo est un des peintres du Quattrocento italien qui se caractérise par sa maîtrise des nouvelles règles de la perspective. La perspective sera son truc, sa lubie, son obsession et lui vaudra son surnom de Uccello (« oiseau ») en raison de son étourderie. D’après Gigogio Vasari, il meurt en 1475 « seul, excentrique, mélancolique et pauvre ». Pour remettre les choses dans leur contexte historique au moment de sa mort on n’imagine même pas l’existence de l’Amérique. Cela en fait un des doyens du Louvre, section peinture.

Le tableau La bataille de San Romano se compose de trois panneaux de trois mètres sur deux : Niccolo Mauruzi da Tolentino à la tête de ses troupes, La contre-attaque décisive de Micheletto Attendolo da Cotignola et La défaite du camp siennois illustrée par la mise hors du combat de Bernardino della Ciarda. Pour faire simple et dans l’ordre, les panneaux sont visibles à la National Gallery, au Musée du Louvre et à la Galerie des Offices. Prévus pour les murs d’une même pièce, ces panneaux étaient exposés en tenant compte de la lumière extérieure.

Le 1er juin 1432 à la Torre San Romano, le florentin da Tolentino défait le siennois della Ciarda suite à une chute de cheval de ce dernier et l’arrivée, c’est notre tableau, des renforts de da Cotignola. Uccello, dans ce tableau de genre, use et abuse de tous les artifices possibles pour exalter l’action militaire et la personnalité du condottiere. On le voit porter le mazzocchio, chapeau florentin en bois et osier. Et vous me direz que tout est dit et fini. Au revoir et bonsoir. Ne serait-ce pas trop facile ?

Séance de pose : Je sais très bien qu’une question vous brûle les lèvres, pourquoi se faisaient-ils la guerre ? Par ce que c’est vous, je vais tenter d’y répondre. Est-ce que Guelfes et Gibelins vous parlent ? Non. Vous pensez qu’il s’agit de personnages magiques dans Harry Potter ? Nous allons partir de très, très loin. Cela va revenir à expliquer les sources du conflit israélo-palestinien en quelques lignes.

A l’origine il faut savoir à qui va revenir le trône du Saint-Empire romain germanique. Soit au Pape et à ses partisans les Guelfes ; soit à la dynastie des Hohenstaufen et ses partisans les Gibelins. C’est la lutte entre le pouvoir temporelle, les Gibelins et le pouvoir spirituel, les Guelfes. Ce conflit va pourrir le centre de l’Europe pendant des siècles en touchant particulièrement les riches villes italiennes (Florence, Sienne, Gênes). C’est Florence la Guelfe contre Sienne la Gibeline et au milieu Dante qui compte les points. Enfin Dante comptait de travers c’était un guelfe notoire.

Vous me direz que tout cela est bien lointain, je vous l’accorde. Mais il reste des traces architecturales de ces combats. A l’occasion d’un voyage en Toscane, regardez mieux les créneaux des tours. Créneaux crénelés pour les tours Guelfes et créneaux à queue d’hirondelle pour les Gibelins.

Vous allez me répondre que les queues-de-pie vous préférez les voir au bal de la Rose à Monaco. Et bien soit, mais sachez juste que les Grimaldi sont des Guelfes qui ont pris Monte-Carlo à des Gibelins. Que l’expression « Aller à Canossa » date des origines du conflit Guelfes/Gibelins.

Pour les plus romantiques, la guerre qui oppose les Capulet aux Montaigu, empêchant l’union de Juliette et Roméo, cette guerre a pour source l’opposition des Capulet/Gibelins contre les Montaigu/Guelfes.

Si les querelles entre Guelfes et Gibelins se tassèrent avec le temps, elle réapparut sous d’étrange forme puisqu’au moment de la Réforme les Gibelins devinrent les garants de la cause catholique face à des Guelfes devenus protestants.

Pour les plus philosophes, c’est cette opposition Guelfes/Gibelins qui inspirera aux philosophes allemands la définition de ce qui est à gauche ou à droite, de ce qui est libéral ou conservateur. Et je ne vois pas d’autre explication.

Vénus dans un paysage

2010-04-15T07:00:00.011+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Si j’ai salué l’ouverture du Louvre à des artistes contemporains que dire de l’entrée prochaine de Pàl Sarkozy dans les salons dorés du saint des saints des musées français. Cette rumeur qui courait dans le Landerneau culturel a été confirmée début avril. C’est donc officiel. Henri Loyrette, qui est à la tête du Louvre, a annoncé son choix en précisant que ce dernier n’était dicté par aucun impératif politique. On va le croire !!! Son prédécesseur au poste, Pierre Rosenberg s’est montré surpris avant d’ajouter « On retrouve la grande tradition décorative française. Il y a du Vouet en lui, il y a même du Poussin ». Mais que fera-t-il au Louvre, ce Pàl ? De la bouillie pour chien ? Non, il aura pour tâche de réaliser une fresque historique pour le plafond de l’escalier Daru (C'est-à-dire au dessus de la Victoire de Samothrace). Je tiens cette information du site La Tribune de l’Art (ici). Une inauguration en fanfare est prévue d’ici un an. Et quand je dis fanfare il est prévu que la raie publique pousse la chansonnette pour l’occasion. Ceci nous fait donc une inauguration le 01 avril 2011, vous l’aurez compris, il s’agissait d’un poisson d’avril. 15 jours après c’est plus drôle je trouve.

Par contre en voici une autre qui souhaite exposer au Louvre le 1 avril mais aussi tous les autres jours. Il s’agit de Lady GaGa. La jeune chanteuse veut que ses œuvres (des créations de mode et technologique) soient présentées au Louvre dans le cadre d’une exposition. Il ne s’agirait pas d’une simple garde robe présentée mais d’un véritable travail sur ses sources et influences. Elle souhaite aussi se mettre à la réalisation de films et de clips. C’est vrai que Lady GaGa est un brin exubérante, je ne suis pas certain que le Louvre soit le meilleur des musées pour ses œuvres, peut-être faudrait-il commencer par le musée Galliera consacré à la mode. Cette dernière information n’était pas un poisson d’avril.

Tableau du jour : Tout est presque identique entre la starlette d’aujourd’hui et la Vénus d’il y a cinq cents ans. C’est ce que prouve cette Vénus dans un paysage de Lucas Cranach l’Ancien (1509).

Ce qui peut, parfois, tenir éloigner l’artiste du monde, c’est sa tour d’ivoire. Lucas Müller dit Cranach fut tout au contraire extrêmement impliqué dans sa ville. Il naît à Kronach (dont il prendra le nom). Quant à son surnom il est Lucas Cranach l’Ancien, le Jeune étant son fils. Si vous voulez crâner en comité, indiquez qu’il est de la Renaissance allemande, peintre et graveur. Ceci explique son style assez proche d’un Dürer.

Artistiquement son travail s’articule sur trois périodes : Les tableaux d’inspiration religieuse, des décors d’intérieurs avec des corps plus souples, proche du maniérisme et enfin la création de l’iconographie protestante en raison de ses sympathies avec Martin Luther.

Ces tableaux sont légions sur le net. Je vous laisse piocher ce que vous souhaiteriez y trouver. Les décors maniéristes et l’iconographie protestante sont plus intéressants. Les corps deviennent plus souples et leur place est bien plus grande. Le paysage est alors relégué en fond de toile.

On ne mène pas une telle vie sans un puissant allié. Celui de Lucas Cranach est Frédéric le Sage, électeur de Saxe, auprès de qui il obtient la charge de peintre de cour. Les princes-électeurs allemands sont un concept difficile à concevoir pour un français dont la royauté remontait à Hugues Capet. En effet la charge de prince-électeur est tantôt viagère, tantôt héréditaire. Il s’agissait des Grands d’Allemagne à une époque où le fédéralisme germain était inexistant. On comptait comme prince-électeur : l'archevêque de Mayence, l'archevêque de Trèves, l'archevêque de Cologne, le roi de Bohême, archi-échanson, le comte palatin du Rhin ou « électeur palatin », le duc de Saxe ou « électeur de Saxe », le margrave de Brandebourg ou « électeur de Brandebourg ». Par peur d’une interprétation hasardeuse je ne m’étendrai pas plus sur le corps électoral outre-Rhin.

Mais je vous prie de noter la loyauté de Lucas Cranach qui accompagnera son protecteur en captivité après sa défaite à la bataille de Mühlberg. Jamais David n’a suivi Napoléon à Sainte-Hélène. Je parlais aussi d’un artiste impliqué dans sa cité, il fut trois fois bourgmestre de Wittenberg, mais aussi propriétaire d’une pharmacie et d’une imprimerie.

Séance de pose : Assez parlé du peintre, passons à la meuf !!! Voici une trace de sa première période avec des décors de couleurs fastes, un paysage surréaliste et un personnage à l’harmonie énigmatique.

De sa seconde période nous retrouvons ces canons physiques anticlassiques et ces déformations onduleuses que l’Académie considère comme une persistance gothique et une forme de maniérisme.

Quant à la Vénus à proprement parlé, je ne suis pas archi fan. Certes elle est nue, comme se doit d’être une Vénus, mais elle est pré-pubère, assez éloignée des standards de nos habitudes ? Assez loin d’une opulente germaine ou d’une matrone latine.

En dehors de l’aspect enfantin du modèle il y a une impudeur troublante dans cette représentation. Les autres Vénus masquent un tant soit peu leur féminité. Ici, juste une fine gaze transparente qui ne cache rien.

Mais regardez mieux ce regard aguicheur qu’elle vous lance ! Et notez ce que pointe son doigt. Ajouter à cela un collier digne d’une courtisane et vous comprendrez mieux, ce que cette Vénus a de troublant.

Et je ne parle pas de la forme de ses pieds dont aurait rêvé Laure Manaudou pour battre des records de natation. Voici comment en 1529, un sujet déjà très classique est réinterprété. Splendeur de la peinture et je ne vois pas d’autre explication.

Souvenir de Mortefontaine

2010-04-14T07:00:00.004+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Tout le monde sait que quand il est mort le poète, tous ses amis pleuraient. Et qu’on enterra son étoile dans un grand champ de blé. Mais qu’en est-il à la mort d’un tableau.

Un début de réponse a été apporté par l’artiste franco-chinois Yan Pei-Ming qui a exposé, dans le Louvre sa version des Funérailles de Mona Lisa. L’artiste s’est rendu célèbre pour sa vision de l’élection américaine en peignant Obama vs McCain.

C’est Marie-Laure Bernadac, qu’il faut remercier pour cette initiative. Elle est chargée de l’art contemporain au Louvre et ouvre de plus en plus le musée sur la ville et la vie. Cela fait courant d’air et permet de dépoussiérer un peu l’image vieillotte du musée. C’est très bien.

Le choix de la peinture en gris et blanc se justifie selon Yan Pei-Ming pour éviter de tomber dans le piège de la rivalité entre peinture moderne et ancienne. Exposer, au Louvre, les funérailles de La Joconde c’est la façon qu’à trouver l’artiste pour prolonger cette éternité.

Tableau du jour : C’est idiot les a priori. C’est la remarque que je me faisais en préparant ce billet. Oui car au risque d’en surprendre plus d’un je prépare quand même un peu mes billets. Donc avant ce billet, Corot n’était pour moi qu’un peintre de la campagne, un peintre des chemins de hallage, comme dans son Souvenir de Mortefontaine (1864).

Jean-Baptiste Corot, peintre avec le cul entre deux musées, le Louvre et Orsay. De sa formation romaine il a gardé un classicisme dont la place est toute trouvée au Louvre. Mais il est aussi celui qui quittera son atelier pour peindre, in situ, la campagne et la nature et en cela il est directement rattaché à l’impressionnisme et au musée d’Orsay.

Corot est un gamin de Paris où ses parents tiennent commerce de tissus, il est pensionnaire à Rouen et c’est là qu’il apprend à aimer la peinture. Il n’aura de cesse, par la suite, de ne peindre que des paysages idylliques agrémentés de quelques personnages selon les règles du paysage classique.

Michallon, Bertin, ses maîtres lui donnent une formation néo-classique et le poussent à travailler en extérieur. Corot peint alors dans la forêt de Fontainebleau, à Barbizon, sur les plages normandes ou encore dans la vallée de la Seine. En cela il est le « père » géographique des Impressionnistes.

Les paysages de Corot que nous connaissons ne sont en fait que des études qu’il réalise en prévision de tableaux mythologiques, historique ou religieux. Et l’on retrouve là, sa formation classique. Les thèmes classiques vont le lasser. Il souhaite s’orienter vers une peinture du « souvenir » dans laquelle les réminiscences et les émotions passées sont retraduites selon son propre talent, celui d’un travail sur la nature et la lumière.

Là où j’admire Corot c’est dans sa vie, plus que dans sa peinture. Comme Caillebotte, plus tard, Corot a de l’argent et une renommée. Il va mettre les deux au service de ses amis. 20 000 francs pour les pauvre de Paris pendant le siège prussien de 1871. Il achète, à Auvers-sur-Oise une maison pour Honoré Daumier devenu aveugle et démuni. Il offre 10 000 francs à la veuve de Millet alors sans ressource. Qu’un ami peintre ne puisse vendre ses œuvres et Corot signait de son nom le tableau, offrant du même coup des revenus conséquents pour le peintre débutant, mais aussi une quantité de tableaux impressionnante attribuée au maître.

Séance de pose : Bref, une bien belle âme. Vous comprendrez que mon ironie légendaire épargne l’artiste plus que les œuvres. C’est vrai que cela fait un peu pompier, mais double-cliquer sur le tableau, prenez cinq minutes et regardez ce paysage. C’est reposant, calme et agréable. Vous conviendrez que cela n’a pas de prix et qu’il serait dommage de tout gâcher.

Alors ma conclusion je la tire des Paysagistes d’Émile Zola : « Corot est un peintre de race, très personnel, très savant, et on doit le reconnaître comme le doyen des naturalistes (...) la fermeté et le gras de sa touche, le sentiment vrai qu’il a de la nature, la compréhension large des ensembles, surtout la justesse et l’harmonie des valeurs en font un des maîtres du naturalisme moderne. » Et après Zola, vous concevrez assez logiquement que je ne souhaite pas accuser et que je vois pas d’autre explication.

Denis Diderot

2010-04-13T07:00:00.013+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Chéreau hébergé au Louvre, Besson (Luc, on est maintenant obligé de préciser) organisant des visites ; si la valeur n’attend pas le nombre des années ; elle n’est pas le sésame pour accéder au Louvre et vivre de son art.

Fort de ce constat, Mathias Duran-Reynaldo (nom d’artiste Coccinella) a décidé qu’au lieu d’attendre les visiteurs devant ses tableaux, il allait aller à leur rencontre. Et comme fer de lance de la Reality Painting il s’est promené dans les rues de la capitale avec une toile de deux mètres de haut représentant l’empereur-président du Sarkozysthan.

Pour se faire il a parodié un portrait de Bonaparte de David. Les Ray-Ban remplacent la Légion d’Honneur ; un souvenir du parc Disneyland pend à sa ceinture ; pour assurer la paix civile il est armé d’un nettoyeur à haute pression et dans un coin la raie publique pouffe.

Le portrait dans sa déambulation parisienne s’est arrêté dans la cour carrée du Louvre avant de passer sous les fenêtres de l’Elysée.

Tableau du jour : Un bon gars sympa avec une bonne bouille. C’est un peu comme cela que tout le monde voit Denis Diderot et notamment dans le tableau de Louis-Michel van Loo (1767).

Van Loo c’est avant tout une grande famille de peintre d’origine flamande, fondée par Jacob van Loo, peintre de scènes bibliques, puis son fils Abraham Louis van Loo, peintre d’histoire. A la génération suivante Jean-Baptiste van Loo, peintre et père de Louis, François et Charles-Amédée-Philippe van Loo ; tous peintres. Charles-André van Loo, frère de Jean-Baptiste et fils d’Abraham, lui-même père de Jules-César-Denis van Loo dernier de la dynastie van Loo. Il faut bien savoir s’arrêter un moment.

Mais celui qui nous intéresse, ce jour, c’est Louis-Michel. Il apprend la peinture avec papa Jean-Baptiste, à Turin et à Rome. Médaille d’or de l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1725. Il continue ses gammes avec tonton Charles-André à Rome.

Tout seul, comme un grand, il devient peintre officiel de la cour de Philippe V d’Espagne à Madrid. Louis-Michel est aussi membre fondateur de l’Académie de Madrid avant de rentrer en France peindre des portraits de Louis XV. Il succèdera à tonton Charles-André comme directeur de l’Ecole Royale des élèves protégés. Cette école était une espèce de centre de formation sis au sein du Louvre. Cela sent quand même un peu la planque.

Je sens que je vais choquer mais il va me falloir m’attaquer à Diderot. Vous savez tout de lui, L’Encyclopédie, Jacques le fataliste, Catherine II de Russie. Je précise aussi que je ne souhaite pas m’étendre sur les écrits de Diderot, je laisse cela aux premières en train de réviser le bac français.

Diderot a une chouette tête, c’est d’ailleurs impressionnant de voir le nombre de portraits qui seront fait de lui. Pour être casanier, il n’en est pas moins sauvage, comme Rousseau ou faisant sous lui comme Voltaire. Car voici les drames de Diderot : Voltaire & Rousseau. Quand la Révolution éclate les deux derniers portent les attentes du peuple. Pas Diderot. Je ne remets pas en cause son influence sur Les Lumières mais il n’a pas la rouerie d’un Voltaire ou le talent d’écriture d’un Rousseau. Il fuit les polémiques et déteste les conventions sociales.

Diderot est un peureux. Peureux depuis son séjour en prison suite à la publication de sa Lettre sur les aveugles à l’usage de ceux qui voient. Résultat, trois mois à Vincennes. Il va donc craindre, à vie, la censure. Il limitera donc les publications réservant ses écrits les moins « politiquement correct » à la postérité.

L’autre gros souci de Diderot c’est les femmes et particulièrement sa fille et Catherine II. Pour doter sa fille il veut vendre sa bibliothèque que Catherine II achète en viager. De cet instant s’il est soulagé pour sa fille et lui-même, il est aussi l’obligé de la tsarine. Pour elle, il sera marchand de tableau, ce qui a valu dans beaucoup de billets sur ce blog des citations de Diderot sur la peinture de son temps. Très vieux il ira voir sa Cathoche à Saint-Pétersbourg. Et très vieux aussi il meurt. La bibliothèque est alors envoyée en Russie cela ayant pour effet de ne pas diffuser l’œuvre de Diderot en France.

En 1796 parait L’abdication d’un roi de la fève ou Les éleuthéromanes, le public considère que des passages entiers du livre sont responsables des pires heures de la Révolution Française. Sa sépulture de l'église Saint Roch a été profanée, donc pas de Panthéon comme Voltaire & Rousseau. Et là black out total, Diderot n’existe plus. Le XIXème siècle se déroule sans que personne ne se penche sur lui. Il faudra attendre 1913 et le bicentenaire de sa naissance pour que l’on s’attarde de nouveau sur ses livres et que l’on redécouvre Denis.

Séance de pose : L’amateur de musée peut se demander qu’elle a été la véritable part de travail de Diderot dans la rédaction de l’Encyclopédie. En effet, ce mec a passé sa vie à poser pour des artistes et je pense que s’il n’a pas sombré définitivement dans les limbes de la littérature c’est en raison de la multiplicité de portraits faits de lui.

En vrac : Un portrait de Jean-Baptiste Garand, un autre de Claude Bornet, un buste d’Etienne Maurice Falconet, un autre de Marie-Anne Collot, le Van Loo que nous venons de voir, un dessin de Greuze, un quasi-nu d’Anna Dorothea Therbusch, encore un buste de Jean Antoine Houdon, une participation au Dîner de philosophes de Jean Huber (il est assis à droite de profil).

Mais aussi des œuvres de Dmitri Levitsky, Jean-Baptiste Pigalle, Gabriel-Jacques de Saint Aubin. Et le portrait de Fragonard ! Mais la certitude qu’il s’agisse de Diderot n’est pas du tout attestée, en raison de la couleur des yeux. Dédé avait les yeux marron et non bleu.

Alors pour finir voici un texte de Diderot qui se nomme La servante de l’auberge du « Pied Fourchu » à Riga. Vous allez constater la haute teneur philosophique du texte. On dirait du Botul ou du BHL.

« Elle est jolie et très jolie, de tout Riga c’est la jolie la servante du Pied Fourchu. Pour une obole, un jour, je levai son fichu ? Pour un double teston… - Pour ce double teston eh bien que fîtes-vous ? – Je lui pris un téton. Pour un écu… - Pour votre écu après que fîtes-vous ? – Après je vis son cu. Pour deux écus… - Que fîtes vous ? Je lui pris le con, je la fous ; Et pour mes trois écus, deux testons, une obole j’eus un téton, un cu, le con et la vérole, le tout en un instant, notez bien ce point-là ; car son maître, fort galant homme y mit dix fois la même somme et six mois de soupirs pour n’avoir que cela. » Je vous laisse philosopher, je ne vois pas d’autre explication.

Marius prisonnier à Minturnes

2010-04-12T07:00:00.015+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Dans ce billet il me faudra faire tenir la bêtise, le talent et la gloire. Pas en une seule personne, rassurez-vous.

Pour la bêtise je suis allé piocher dans une dépêche de l’AFP. La femme du Président-roi du Sarkozysthan était à Washington. Sa visite prévoyait de rencontrer des enfants en difficulté. Ces enfants sont en train de réaliser un petit guide sur Paris dans le cadre de leur projet d’école. A la question d’une élève qui souhaitait compléter son guide en lui demandant son restaurant préféré à Paris, notre première cruchonne en chef a répondu : « L’Elysée ! » Avant d’ajouter que « ce n’était pas un restaurant mais que le chef était très bon ». Voici une petite qui n’aura pas sa réponse mais qui peut s’estimer heureuse de ne pas s’être entendu répondre : « L’Opéra Garnier où le chef est aussi très, très bon surtout dans le quatrième mouvement et dans la confection de ses gâteaux ».

Dans une autre classe notre raie publique nationale a vanté les mérites artistiques de la Joconde et du Louvre. Cela fait peur ! J’aimerai savoir quels mérites la Joconde a eu sur elle. Mais elle a promis aux enfants de les accompagner au Louvre quand ils viendront à Paris. La dame patronnesse visitait les quartiers défavorisés de la capitale étasunienne. Mémorable, pathétique. Étonnez-vous que la presse américaine n'en ait rien dit.

Tableau du jour : Après la bêtise, voici le talent. Celui qui a trente ans n’a pas réalisé sa grande œuvre peut se consacrer à tout autre chose, à condition de lâcher l’art. Mozart, Rimbaud, Hugo, David. Passé trente ans il n’y a plus d’art ; il n’y a que du recopiage. Alors imaginez un artiste mort à 25 ans et que l’on considérait comme le talent le plus prometteur de sa génération. Je veux parler de Jean-Germain Drouais et de son tableau Marius prisonnier à Minturnes (1786).

Fils d’un peintre portraitiste, Jean-Germain est le plus doué et le préféré des élèves de David. Il est en cours avec Gros, Girodet, Gérard. A sa mort on a cru à "la décapitation de l’école française". En pleine Révolution Française, le mot de décapitation ne manquait pas d'humour. Il était prometteur, prix de Rome à 20 ans, il participe à l’élaboration du Serment des Horaces de son maître. Et il meurt de la petite vérole. Pour les docteurs House en herbe la petite vérole c’est la variole. La syphilis c’est la grande vérole.

Tout dans ce tableau transpire les leçons du maître. Le sujet est classique, le style néo-classique. Et l’on sent l’influence du Serment auquel il participa deux ans auparavant. La présentation de ce tableau entraina un enthousiasme universel. Goethe était en admiration et il inspira, sur le même sujet, une tragédie à Antoire-Vincent Arnault.

Car voici la gloire évoquée plus haut, en la personne de Marius. Caius Marius, le général romain. Marius a tout été, tribun de la plèbe, questeur, préteur, consul, général. Il bat les Cimbres et les Teutons, réforme l’armée mais s’oppose à Sylla. Et comme la roche Tarpéienne n’est pas loin du Capitole. Marius doit fuir, se cacher dans des marais en Campanie où il est emprisonnée à Minturnes. Le Sénat vote alors sa mort.

Normalement à ce stade des biographies vous pouvez souffler, la fin est proche. Sauf que personne ne veut tuer le grand général Marius. On envoie alors un esclave Cimbre à qui Marius demande « Oses-tu bien tuer Marius ? », l’esclave panique et s’enfuit en hurlant « Je ne pourrais jamais tuer Marius ». C’est ainsi que Plutarque le raconte dans les Vies parallèles ou Vies des hommes illustres.

Je finis vite, on permet à Marius de s’échapper pour l’Afrique en échange de son calme. De là-bas il envoie un messager à Rome pour prévenir le Sénat « Va dire à ton maître que tu as vu Marius, errant et proscrit, assis sur les ruines de Carthage ». Puis la roue tourne et rejoint par Cinna, ils reviennent à Rome, s’en prennent aux soutiens de Sylla et déclarent ce dernier ennemi public. Ce n’est pas grand-chose pour vous, mais Marius, par ses souhaits incessants de ruptures a ébranlé la République romaine qui débouchera par la suite sur l’Empire. Il faut toujours ce méfier des gens qui veulent la rupture à tout prix.

Séance de pose : Ce que Drouais présente dans son tableau c’est la fidélité et le serment face au courage et à la force morale. La même émotion que dans le tableau de David. Le Cimbre soumis qui par respect pour le général, vainqueur de son peuple, ne peut le tuer.

Décor cubique, personnages grandeur nature sur un même plan, les corps ne sont qu’un ensemble de droites. La ligne horizontale du bras de Marius prouvant sa détermination. Contrairement à son maître, Drouais travaille beaucoup sur les contrastes de lumière qui ressortent de façon violente.

Et pour finir, l’explication qui mettra tout le monde d’accord. Marius s’ennuie dans sa prison. La personne qui l’accompagne doit le divertir. On sait, par la tenue du général, qu’ils ont déjà joué au strip poker et que Marius a perdu. Maintenant l’adjoint doit trouver un autre jeu. Ce que représente Drouais c’est en fait une partie de cache-cache. Soit Marius est très fort, soit l’esclave très mauvais mais le général est exaspéré par la piètre cachette de son compagnon.

Pourquoi une épée s’il s’agit d’un simple cache-cache ? Je ne sais pas. Peut-être ont-ils prévu de jouer ensuite à pique et pique et coller gramme. Et je ne vois pas d’autre explication.

Le jugement de Saint Georges

2010-04-09T07:00:00.014+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Qu’apprends-je ! Patrice Chéreau va venir s’installer au Louvre ! Plusieurs salles lui sont réservées pour qu’à partir du mois de novembre prochain il puisse monter la pièce Rêve d’automne de Jon Fosse. N’est-ce pas une bonne nouvelle ! Patrice Chéreau au Louvre, je vais pouvoir faire la sieste au Louvre. C’est génial.

Je rigole, j’aime beaucoup Chéreau cinéaste. Au théâtre c’est un peu sec, austère et un poil chiant. Par contre je trouve très bien qu’après Besson en guide, le Louvre libère de la place pour Chéreau. Vous me direz que les risques sont calculés avec ces deux là, mais rouvrir le Louvre aux artistes contemporains, les mélanger au public, montrer l’art en création, ces initiatives se doivent d’être saluées et encouragées.

Quant à Jon Fosse et son Draum om hausten, ce sera l’occasion de se familiariser avec le théâtre norvégien.
Tableau du jour : Après l’âpreté théâtrale, voici venir des montagnes arides espagnoles notre peintre du jour. Bernardo Martorell et son Jugement de Saint Georges (entre 1434 et 1437).

Très influencé par le style flamand, Bernardo ou Bernat (c’est selon) a vécu à Barcelone. C’est un des artistes catalans majeurs et ses spécialités sont les retables, les enluminures, les vitraux et les livre d’heures (sorte de missels avec pleins d’images, des comics avant l'heure avec des Supers Héros qui marchent sur l'eau). Les députés de la Generalidad à Barcelone auraient passé commande auprès de Bernat pour la réalisation d’un retable pour leur chapelle dédiée à Saint Georges. Car ce panneau est issu d’un retable dont les autres parties sont conservées à l’Art Institute de Chicago.

Saint-Georges, sa vie, son œuvre. Georgy est soldat dans l’armée de Dioclétien. Il n’aura pas de chance ce pauvre empereur son armée compte aussi le prétorien Sébastien lui aussi Saint en devenir. Donc notre Georgy traverse la ville de Beyrouth et apprend qu’un dragon terrorise la région et mange deux personnes par jour. Et bien juste le jour de son passage c’est la fille du roi qui doit être livrée en pâture au monstre. Admirez le saint timing, 24 heures après et c’était fichu.

Donc Saint Georges sauve la princesse, avec l’aide de Dieu et de Jésus et donne à la belle, une laisse pour ramener le dragon qui la suit comme un toutou. Normalement, après, ils se marient et ont beaucoup d’enfant et fin de l’histoire. Mais au même moment les édits impériaux condamne les chrétiens. Dacius, le proconsul romain fait arrêter Georges, le juge, le torture et lui coupe la tête. A ce moment, le feu s’abat sur Dacius et sa suite. Quelle idée de brandir des épées à décapiter quand il y a de l’orage. Dacius c’est un peu le Cloclo romano-palestinien.

Si vous souhaitez vous faire une idée du combat entre Saint-Georges et son Dragon, allez à Mons sur la Grand’place le dimanche de la Trinité, pour assister à La Ducasse de Mons. Il s’agit d’une reconstitution du combat, précédée d’une procession et cela depuis le XIVème siècle. La Ducasse est inscrite au patrimoine immatériel de l’humanité par l’UNESCO.

Quant à Saint Georges il est patron de Beyrouth, vénéré en Israël, en Russie un ordre militaire porte son nom, Saint patron de l’armée bulgare et des gendarmes à cheval belges, Saint patron de Géorgie, d’Angleterre, d’Ethiopie, de Gênes, de Venise, de Barcelone. Il est aussi le saint patron protecteur des scouts, de la Bourgogne, des chevaliers, des ordres du Temple et Teutonique et de l’armée blindée-cavalerie française.

Séance de pose : D’abord une petite astuce. Michel a, aussi, terrassé un dragon-diable. Comment les distinguer sans se tromper ? Georges est toujours sur son cheval et Michel a des ailes. Michel est archange et a droit à la panoplie complète (ailes, auréole et supers pouvoirs). L’archange est ailé et les saints sont zélés.

Ensuite une remarque. Dais gothique ouvragé, capes, chapeaux rigolos et surtout dragon dont la légende ne nous dit pas ce qu’il est devenu. Vous l’avez compris. Ce n’est pas le Jugement de Saint Georges mais la séquence du Choixpeau Magique dans Harry Potter. Pour les moldus qui n’auraient pas lu les livres, chaque nouvel arrivant dans l’école de sorcellerie Poudlard se voit coiffé un chapeau magique qui lit les pensées du chef qu'il couvre. Ce Choixpeau Magique doit ainsi déterminer la personnalité du nouvel élève et l’orienté vers la maison correspondant le mieux à sa personnalité.

C’est exactement ce que propose ce tableau. Au fond en majesté le Professeur Dumbledore, directeur de l’école. A sa droite un élève qui vient de mettre le Choixpeau et de son autre main il désigne le prochain. Derrière lui l’ensemble des professeurs de l’école et au premier plan les élèves.

Je conçois que cette explication vous laisse perplexe mais où, à part dans le parc de Poudlard, pourrait se cacher un dragon ? Vous imaginez un dragon se promenant au Liban ? Israël au sud, la Syrie à l’est, le Hezbollah à l’intérieur, il faut espérer que la SPA a pu extrader l’animal et le mettre en sécurité chez les sorciers. Sinon je ne donne pas cher de sa peau et je ne vois pas d’autre explication.

Prisme du roi d’Assyrie Assurbanipal relatant ses campagnes contre l’Élam et le pillage de Suse

2010-04-08T07:00:00.015+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Je viens de recevoir la missive trimestrielle des amis du Louvre. En plus des informations et programmes sur les animations à venir, le mail était accompagné d’une invitation à assister à l’avant première du film « Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec ». Le film sera suivi par une visite privée du musée en compagnie du réalisateur Luc Besson.

Lequel Luc Besson est le parrain du programme pédagogique à l’intention des ZEP « Viens lire au Louvre ». Tout ceci est plein de bonnes intentions. Pour le péquin de base qui aime le cinéma, le Louvre et peut trouver, si ce n’est transcendant, du moins intéressant d’avoir Luc Besson comme guide au Louvre. et bien pour cette personne, il faudra débourser 200 euros pour participer à la soirée.

Je sais que cet argent est pour les ZEP mais quand même. Surtout que les gamins des ZEP, ils préféreraient voir un taxi déraper dans les couloirs du musée ou des tueurs à gage perforer de balles traçantes les tableaux. Je ne sais pas si Besson en train de leur lire des histoires au Louvre les amusera. Ce sera toujours mieux que d’écouter l’autre Besson leur lire leurs droits sur la passerelle d’un avion en partance pour Kaboul.

Sculpture du jour : La quantité importante, tout en restant raisonnable, d’œuvres sur ce blog permet de les relier les unes entre les autres. C’est le cas aujourd’hui avec le Prisme du roi d’Assyrie Assurbanipal relatant ses campagnes contre l’Élam et le pillage de Suse (668-627 avant JC).

Si pour vous Suse n’est qu’une boisson, un peu vieille France, vous risquez d’être rapidement saoulés. Suse et non Suze se situait en Mésopotamie, l’actuelle Iran. Suse est dans les plaines fertiles du Tigre. La ville était déjà mentionnée dans la Bible, ce n’est, certes, pas une référence mais la preuve de l’ancienneté de la cité. Elle abriterait le tombeau de Daniel et fut une des capitales de Darius où ce dernier avait sa salle du trône (Apadâna). C’est dans cette même ville, lors des fouilles organisées en 1901, que l’on retrouva une stèle : Le code d’Hammourabi.

Alors notre prisme qu’est-ce ? Un cœur en terre cuite recouvert d’argile pour une meilleure précision d’écriture. Le centre est évidé, ainsi monté sur un axe, le scribe pouvait faire tourner l’objet quand il souhaitait passer « à la page suivante ».

Ecrit en cunéiforme, le texte raconte les campagnes militaires d’Assurbanipal. Pour comparaison, quand Assurbanipal était au sommet de sa puissance Rome fêtait son centenaire. Entre la campagne en Égypte et la restauration du palais de Ninive, force détails sont donnés sur les expéditions en Élam, la prise de Suse, les cadavres amoncelés sur la place centrale, la mise à sac de la ville. Et comme le veulent les usages, l’auteur finit par bénir celui qui continuera la rédaction de la stèle et maudire celui qui la brisera.

Le plus étrange, c’est que cette stèle n’était pas destinée à la lecture des hommes mais celle des dieux. En effet de semblables ont été retrouvées dans les fondations des temples. Assurbanipal faisait la guerre par respect pour le dieu de la dynastie Assur (Banipal voulant dire : celui qui donne un héritier). Ces stèles étaient l’occasion de prouver que le souverain faisait correctement son travail vis-à-vis des dieux. Ses devoirs de vacances un peu.

Mais je vous vois trépigner, vous voulez savoir qui est Assurbanipal ? Et si je vous disais que vous le connaissez déjà, mais sous un autre nom ! Si je vous parle d’un tableau de Delacroix décrivant la fin d’un roi : La mort de Sardanapale. Et bien Assurbanipal ou Sardanapale c’est une seule et même personne. Le second étant son pseudo sur MSN.

Si je devais le comparer à un roi de France, ce serait François Ier. Connu comme étant un des rares rois sachant lire et écrire (Je parle d’Assurbanipal), la renommée assyrienne est à son pinacle sous son règne. Puissance militaire mais aussi culturelle. Création de bibliothèque, uniformisation et développement de la littérature cunéiforme, traités d’astronomie. Mais je veux modérer mon propos, ce n’est pas un doux rêveur, façon Louis XVI. Il détruit Babylone, écrase des insurrections, fait à guerre à son frère, met à sac Suse, la Phénicie, l’Arménie et une grande partie de l’Arabie.

D’ailleurs le mythe accompagne la légende. Ainsi pour les grecs il est le roi de la luxure. Voici le portrait qu’en dresse Ctésias de Cnides, médecin à la cour des rois perses : « Sardanapale surpassa tous ses prédécesseurs en débauches et paresse. Car non seulement il ne se montrait jamais au monde extérieur, mais il menait la vie d'une femme (...). Il s'efforçait même de rendre sa voix féminine et (...) il cherchait aussi les joies de l'amour des deux sexes (...). Pour ne pas tomber aux mains des ennemis, il fit édifier un immense bûcher dans son palais, y amassa tout son or et tout son argent ainsi que ses vêtements royaux. Il enferma dans une chambre construite au milieu du bûcher ses concubines et ses eunuques, se joignit à eux tous et mit le feu à l'ensemble du palais. » Sous Alexandre le Grand on racontait que son tombeau était frappé de l’inscription « Passant, mange, bois, divertis-toi, tout le reste n’est rien ».

Séance de pose : Les Perses ont mis de sacrés déculottés aux grecs qui se sont vengés comme ils pouvaient, en rabaissant les grands rois. Comme dans le code d’Hammourabi il y a une idée géniale dans ces stèles. Imaginez que la troisième guerre mondiale se déchaîne, que les serveurs informatiques soient détruits, les archives brûlées, les hommes morts. Imaginez que 5 000 années passent. Quelles traces restera-t-il de nos civilisations ?

Vous voyez où je veux en venir. Achetez du marbre et des burins et faites votre panégyrique. Par exemple : « Jean-Sébastien dit Le Génie. Immense amateur d’art, il construisit de ses mains le musée du Louvre. Le soir, après avoir travaillé à la maçonnerie, il peignit, dans différents styles, les tableaux qu’il conservait par la suite dans son musée. La Joconde est un de ses plus célèbres tableaux et l’on venait du monde entier pour l’admirer. Bénit, cent fois bénit ce nom illustre et que mille maux frappent sur mille générations ses détracteurs ». Et dans cinq mille ans quand un archéologue péruvien trouvera cela dans les ruines d’un Paris rasé il rapportera la stèle dans le New Pinacothèca de Lima où les gens viendront lire ma légende.

Il faut juste que d’ici là je me méfie des médecins grecs et que je me mette à la sculpture. Je ne vois pas d’autre explication.

Buste du Cardinal Richelieu

2010-04-07T07:00:00.015+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Il y a des gens qui écrivent à la Joconde ! Vous imaginez-vous devant votre page blanche en train de réfléchir au courrier à adresser à Mona Lisa ? Admettons que vous soyez fou d’amour pour cette femme, de plus de 500 ans, mais de là à lui écrire. Est-ce que ces mêmes admirateurs attendent, inquiets, une réponse de leur dulcinée ?

C’est authentique, Mona Lisa reçoit du courrier. Et ne pensez pas qu’il s’agit d’un phénomène lié à la solitude de notre monde interconnecté mais inhumain. Pas du tout, de tout temps elle a reçu des missives. D’ailleurs cette correspondance est archivée et conservée. Par contre je ne sais pas si une réponse automatique est adressée. Après tout c’est la Joconde, pas le Père Noël.

Ceci a donné l’idée à quelques auteurs de rédiger 45 lettres de réponse, en lieu et place de ce qu’aurait pu écrire la Joconde. Cela va de « Oubliez-moi, j’ai passé l’âge » à « Aucun jamais ne volera ma place. Sourira bien qui sourira la dernière ».

Sculpture du jour : Rarement sujet et artiste auront été aussi glorieux que dans cette sculpture. Il s’agit du Cardinal Richelieu par Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin (1641).

Il faut être un touriste de retour de Rome pour comprendre pleinement le talent et l’importance du Bernin. Cette compétence est beaucoup moins visible en France. Mais celui qui revient de la capitale italienne sait que la colonnade de la place Saint-Pierre, le baldaquin du Vatican, les statues de la place Navone, du pont Saint-Ange (pour les plus célèbres), sont l’œuvre du Bernin.

Né à Naples, ses parents vont vivre à Rome où le père travaille comme sculpteur pour le cardinal Scipion Borghèse. Le Louvre et ce blog regorgent d’œuvres issues de cette illustre collection. Aidant son papa, il est très vite remarqué par le pape Paul V qui en fait l’architecte de la basilique Saint Pierre. Il faut dire qu’il travaillera avec et pour tous les papes : Paul V, Grégoire XV, Urbain VIII, Innocent X, Alexandre VII.

Dans une Rome en reconstruction, le goût du Bernin pour le baroque permet de donner l’illusion du mouvement et du spectaculaire, permet de mettre en valeur l’église catholique dans cette période de Contre-Réforme avec une esthétique communicante, persuasive et festive. En plus de ses statues, colonnes, dais et autres sculptures, il réalise aussi les monuments funéraires de ses employés de papes, se frottant pour l’occasion à la concurrence de Michel-Ange.

Avec sa réputation internationale, Le Bernin est invité en France par Colbert pour le compte de Louis XIV. Le monarque français devra faire pression sur Pape pour qu’il permette une escapade transalpine à son architecte. L’idée du quatorzième Louis et de le faire travailler à la restructuration du Louvre.

Il est reçu comme un seigneur ; meilleures tables, meilleures filles, meilleurs vins. J’aurai envi de dire qu’il est reçu comme un pape (j’ai un peu peur de choquer !!!). Malheureusement son projet ne sera pas retenu. On lui préférera celui de Claude Perrault, frère de Charles. Et comme je n’aurai plus l’occasion de reparler de Claude Perrault, sachez juste qu’il est mort d’une infection après avoir disséqué un chameau au Jardin des Plantes. On ne se méfie jamais assez du chameau.

Le déclin du Bernin commence avec son échec français. Même sa statue équestre du roi a été reléguée au fond du parc de Versailles. Le Bernin retourne à Rome et meurt.

Au cours de son passage parisien et pour ne pas perdre la main, Le Bernin sculpte un buste d’Armand du Plessis cardinal de Richelieu.

Pour tout le monde Richelieu c’est ce prélat dans les bottes de Francis Lalanne lors du siège de La Rochelle. Pour certaines, Richelieu reste associé à un modèle de chaussure.

Pour moi, Richelieu est l’ignoble chef d’une garde qui s’oppose à d’Artagnan et aux mousquetaires du roi. Je ne m’attarderai pas trop sur la politique menée par Richelieu.

Séance de pose : Samy Frey, je vois Samy Frey comme acteur jouer un Cardinal Richelieu vieillissant. La sculpture est assez éloignée du baroque du Berlin, tout y est dans la sobriété.

Cela correspond tellement au Cardinal. J’aurais aimé pouvoir raconté cette phrase de l’homme de robe s’approchant d’une jolie fille pour lui dire « Madame, si ma toge était en bronze, vous entendriez sonner le tocsin » mais la phrase est de Mazarin, son successeur.

J’aurais aimé citer cette réponse à la question « Où passerez-vous votre au-delà ? – Au paradis pour la douceur du climat et en enfer pour la saveur des fréquentations », mais elle est du cardinal de Bernis. Malheureusement les citations de Richelieu sont moins drôles « Il faut écouter beaucoup et parler peu pour bien agir au gouvernement d’un État ». Rock 'n Roll !!!

La grande œuvre de Richelieu reste la fondation de l’Académie française mais aussi la création de la Compagnie des Cent-Associés qui permit à Champlain de renforcer la présence française au Québec.

Et parce que je connais des personnes toujours en quête de nom pour leurs chats voici ceux des quatorze félins du cardinal : Félimare, Lucifer, Ludovic-le-Cruel, Ludoviska, Mimi-Piaillon, Mounard-Le-Fougueux, Perruque, Rubis-sur-l'ongle, Serpolet, Pyrame, Thisbe, Racan, Soumise et Gazette. Et je ne vois pas d’autre explication.

Louis-François Bertin

2010-04-06T07:00:00.022+02:00

Aujourd’hui au Louvre : La lecture n’est pas votre fort, mais alors pas du tout. La lecture quotidienne d’un billet sur ce blog constitue le summum de vos compétences en la matière. Vos préférences vont plutôt vers les bandes dessinées.

Cela tombe très bien, le Louvre a aussi pensé à vous. On invite la bande dessinée au Louvre, mais le Louvre est aussi un sujet de BD. S’il n’est qu’un décor dans le Paris de Tardi, il devient le sujet d’un livre a paraître Le ciel au-dessus du Louvre : dans la tourmente révolutionnaire.

Il s’agit de la collaboration de Jean-Claude Carrière au scénario et de Bernard Yslaire au dessin. Ils situent leur histoire au moment de la Révolution Française.

Pour les amateurs de BD signalons aussi que vous retrouvez le Louvre dans Période glaciaire de Nicolas de Crécy mais aussi dans Aux heures impaires de Eric Liberge.

Tableau du jour : L’introduction évoque la Révolution Française et le tableau qui suit à trait à cette période. Ce n’est plus du talent, c’est le génie de la transition. Un billet de rattrapage sur Jean-Dominique Ingres dont j’avais très sérieusement égratigné La baigneuse (ici). Pas d’excuse, de regret ou de remord. Je tirerai encore une fois sur la corde à violon d’Ingres avec son portrait de Louis-François Bertin (1832).

Résumons-nous, l’œuvre d’Ingres se découpe en trois parties, la peinture historique (ridiculement pompeuse) copiée sur ce que fait son maître David. Les portraits et les nus féminins (déjà vus avec sa Baigneuse). Avant de gloser sur ses portraits, voici un aperçu de sa peinture dite « historique ». Vous constaterez qu’il a eu raison de passer à autre chose.

Le drame de Jean-Do est là, dans un style très « pompier », ce qui le déçoit, mais aussi dans une parfaite réussite de ses portraits, ce qui le déçoit plus encore en raison du peu d’importance qu’il accorde à ce genre. Là où Hyacinte Rigaud peignait la cour, Ingres va peindre les bourgeois. Et le symbole de ses portraits de bourgeois c’est Louis-François Bertin.

Bertin est le directeur du Journal des débats. Il a acheté ce journal au lendemain du 18 brumaire pour défendre les idées conservatrices. Une des plumes du journal est François-René de Chateaubriand. Bertin passera sa vie à s’opposer au tyran corse. Suspecté de royalisme il est emprisonné au Temple, contraint à l’exil. A son retour il est dépouillé de tous ces biens par décret impérial. Obligé de suivre Louis XVIII en Belgique, il soutiendra activement à la fin de sa vie, Louis-Philippe.

Séance de pose : Réalisé en 1832 et exposé au salon de 1833, ce tableau est une des œuvres les plus connues d’Ingres. Et grâce à lui nous avons une idée très précise du bourgeois sous Louis Philippe.

Au passage, je ne salue pas Madame Bertin mère. Mais où a-t-elle élevé ses enfants ? Est-ce une façon de se tenir, en vrac, sur sa chaise ? Pourquoi pas les pieds contre le mur et la chaise en équilibre. Par la même occasion, je rassure les décorateurs d’intérieur qui seraient déçus de trouver un graffiti sur le mur du bureau de Monsieur Bertin, cela a été fait ultérieurement par l’artiste.

Par contre je suis impressionné par les mains du Bertin. Elles semblent, à l’image du personnage énorme, gigantesque, gargantuesque. Et vous vous dites que seul Gérard Depardieu pourrait jouer Bertin. Depardieu il peut tout jouer, c'est vrai. Mais je vois aussi Arestrup ou Weber. Après, la liste est un peu limitée. Catherine Deneuve peut-être !

Pour moi Bertin c’est un crapaud. J’ai entamé ce billet par la bande dessiné et je veux de clore de la même façon. Bertin c’est Crapaud dans Le vent dans les saules. Même assurance, même certitude, même ridicule, presque la même tête et je ne vois pas d’autre explication.

Phaëton sollicitant d’Apollon la conduite du Soleil

2010-04-05T07:00:00.012+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Le musée Maillol propose actuellement une exposition sur les vanités, intitulée C’est la vie.

Une vanité, en peinture est une catégorie de nature morte où le vide, la vacuité, la précarité de l’existence terrestre sont représentés de façon allégorique. Symbole de la période baroque, les vanités sont devenues les faire-valoir de la Vanité en tant qu’elle est la représentation du caractère futile, d’une forme d’inutilité, de fatuité et de fierté excessive. Une vanité se caractérise par la présence d'un crane sur la toile.

Comme dans ce tableau de Georges de La Tour, le Louvre possède de belles vanités. Et c’est très bien que toutes les meilleures expositions ne soient pas au Louvre. En outre le musée Maillol peut élargir son spectre au-delà des seules périodes baroque et classique (périodes de prédilection pour la peinture du Louvre).

Tableau du jour : J’avais promis de vous parler de ce peintre américain exposé au Louvre. Ce sera le cas ce jour, avec Benjamin West et son Phaëton sollicitant d’Apollon la conduite du Soleil (1804).

Benjamin West est né en Amérique (Pennsylvanie exactement) mais en 1738, à une époque où cette région du monde n’était qu’une colonie anglaise de plus. Cependant cette naissance au Nouveau Monde en fait le père de la peinture américaine. Même si rapidement il part étudier et travailler en Europe. Circuit classique Rome, Londres, Paris.

Sa spécialisation dans la peinture d’Histoire, à l’époque où le genre est tendance lui permet de se faire un nom et une réputation. Et cela quinze ans avant notre David national. Contrairement à son homologue français il ne dépeint pas que l’Histoire Antique il s’attaque aussi à l’Histoire contemporaine (La mort du général Wolfe).

Il obtiendra du roi George III la charge de Peintre d’histoire. Il réalisera des décorations pour le château de Windsor avant de prendre en 1792 le poste de président de la Royal Academy, dont il était membre fondateur.

Ici West dépeint Phaéton. Mais qui est-il ? Moitié femme, moitié thon ? Pas vraiment, il est le fils d’Helios et de Clymène. Papa c’est le soleil et le grand père maternel c’est l’Océan. Cela provoque respect et admiration dans les cours de récré.

Et d’ailleurs il se la raconte pas mal au sujet de ses origines divines. Il fait jurer sur le Styx à son père d’exaucer un de ses vœux. Hélios accepte et voilà notre Phaéton qui va voir papa pour lui demander de conduire le char du soleil. Il faut savoir que pour les grecs la course du soleil était en fait Hélios conduisant de fougueux chevaux. Lié par sa promesse, Hélios accepte tout en sachant qu’un mortel ne peut maîtriser et conduire le char.

Vous devinez la suite. Phaéton s’élance mais effrayé par les animaux du zodiaque, il perd le contrôle, le char part dans tous les sens, sème la discorde. Seule solution pour arrêter le char et son conducteur, Zeus qui foudroye le jeune homme sur place.

On raconte qu’à force de pleurer sa mort, ses sœurs, les Héliades, se transformèrent en peupliers et que son frère de sang, Cycnos fut métamorphosé en cygne.

Séance de pose : Première remarque sur l’état du tableau présenté ce jour. Il a été restauré depuis et les « trous » qui perforaient la toile ne sont plus visibles.

Par contre il y a un trou à signaler c’est celui de la mémoire de West qui prête la conduite du char à Apollon alors que cette dernière revient à Hélios. Vous me direz qu’à voir l’état de peur des chevaux, Hélios, en bon cavalier aurait dû refuser de voir son fils conduire son char. Le fait de basculer d’Hélios à Apollon modifie aussi le fond du tableau. Il n’y a pas cette notion de sacrifice filiale. Apollon est assez serein. Cela permet à West d’orienter son travail sur les chevaux.

Ceci me permet d’introduire la notion de promesse faite sur le Styx. Le Styx est un des fleuves des Enfers. Celui là même où Thétis plongea Achille. Faire une promesse sur le Styx impliquait s’y tenir. Le cas échéant il fallait boire une coupe d'eau du fleuve ce qui avait pour effet de rendre muet pendant neuf ans et de priver d’Olympe pendant 18 ans. Aucun dieu n’aurait pu se passer du nectar et de l’ambroisie. Ceci explique pourquoi Hélios accepte. On dit que les Aloades ayant brisé un serment fait par le Styx, furent attachés dos à dos à tout jamais dans le vent et les ténèbres.

Quant aux romains, pour leur promesse, ils plaçaient une fleur au dessus de leur tête et parlaient sub rosa. Des promesses faites sub rosa devaient être tenues. Et je ne vois pas d’autre explication.

Jacques-Bénigne Bossuet

2010-04-02T07:00:00.013+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Ainsi donc, le Louvre a faillit avoir à sa tête un perdant des régionales. Entre l’ambassade de France en Italie et le château de Versailles, Monsieur Darcos a refusé de prendre la tête du Louvre. Grand bien pour le musée.

Je ne connais pas le niveau d’italien de l’ancien maire de Périgueux mais je sais que son choix à Versailles pose problème. En effet la place est occupée par Monsieur Aillagon, en remerciement de service rendu à la Culture. Elle était, avant, tenue par Madame Albanel. A la question de savoir pourquoi 55% des personnes ne se déplacent plus, peut-être que cette historiette apporte un début de réponse.

Vous, moi, nous tous qui travaillons, quand nous échouons nous sommes virés. Nous ne sommes pas déplacés vers de plus hautes fonctions. Un sportif qui finit au pied du podium ne se voit pas offrir une médaille en argent bis sur un autre podium. Je ne remets pas en compte les compétences de Monsieur Darcos pour gérer le domaine de Versailles, je veux juste comprendre où se situe la rupture annoncée et promise !!! L’histoire dans l’histoire retiendra que Monsieur Darcos ne voulait pas se présenter aux régionales mais que son président l’a assuré de son soutient et que sous sa coupe il allait tout rafler dès le premier tour.

Tableau du jour : Attention billet choquant. Je préfère avertir le lecteur sensible car vont être confrontés un sujet détestable et un grand peintre oublié : Hyacinthe Rigaud. Est-ce que ce nom évoque quelque chose à l’un d’entre vous ? Je vais vous aider avec ce tableau (qui n’est pas mon tableau du jour) peint par Hyacinthe.

Vous ne connaissiez pas le nom mais vous voyez le genre. Je n’ai pas choisi Louis XIV mais Jacques-Bénigne Bossuet (1702). Rigaud comme Bossuet vont vivre dans le sillage des Bourbons, compter, calculer, saluer, faire des visites, des courbettes à Versailles, à Fontainebleau, à Paris.

Hyacinthe Rigaud (Jyacintho Rigau avant francisation de son nom) est originaire de Perpignan où un musée porte son nom. Il est un peu le Studio Harcourt de Versailles. Tout ce qui compte de têtes couronnées, de nobles, de grands bourgeois, de prélats ou de ministres posera pour lui. Ceci permet à son œuvre de se lire comme une galerie des dirigeants de la France et même de l’Europe sur une période allant de 1680 à 1740.

Cette soumission aux monarques lui offre fortune et gloire, puisqu’il devient Chevalier de l’ordre de Saint-Michel. Par coquetterie il apposera son titre à sa signature. Vanité des vanités… Voici une autre personne qui aurait pu discourir sur la Vanité. Jacques-Bénigne Bossuet, celui qui ne mordit jamais la main qui le nourrissait. Il donnait plutôt le sentiment de la lécher vigoureusement.

Bossuet est le Jean-Claude Brially de la période Classique. Qu’une personne vienne à rendre l’âme et voici notre Jacky montant en chaire pour son oraison. La plus célèbre est celle de Madame, Henriette d’Angleterre qui commence par « …Madame, se meurt, Madame est morte… » et qui s’achève par « Veuillez agréer chère Madame, l’expression de mes sentiments distingués ». C’est vrai que la fin est moins connue, elle possède pourtant un certain charme.

Bossuet c’est l’ascension professionnelle au service de l’église. D’abord sous-diacre à Langres, puis archidiacre à Sarrebourg, puis à Metz, évêque de Condoms (Je serai peut-être choquant mais pas vulgaire, pas un mot sur condom), précepteur du Dauphin et enfin évêque de Meaux, qui lui vaudra le surnom d’Aigle de Meaux. Brie de Meaux étant déjà pris.

Imaginez-vous fils de roi, donc futur roi, avec, comme professeur Bossuet. Vous avez dix ans et face à vous le vieux qui vous fait réciter « Madame virgule se meurt, se meurTE virgule madame est morte point à la ligne ». Au final le Dauphin racontera que les cours du bon Bossuet l’ont à jamais dégoûté de tout effort intellectuel.
Non, le vrai truc qui motive Bossuet c’est la chasse aux parpaillots. Persuadé que par la seule force de son discours il a permit à Turenne de regagner le droit chemin religieux (Je pense Turenne assez malin pour comprendre où se situait sa carrière et son intérêt), Bossuet rédige le panégyrique du catholicisme : Exposition de la doctrine de l’Eglise, Histoire des variations des églises protestantes. Ce dernier recueil vaudra de vifs échanges avec Pierre Jurieu, ministre protestant. Le plus beau de ces échanges étant le suivant : « De condamner l’esclavage, ce serait non seulement condamner le droit des gens, où la servitude est admise, comme il paraît par toutes les lois; mais ce serait condamner le Saint-Esprit, qui ordonne aux esclaves, par la bouche de saint Paul, de demeurer en leur état, et n'oblige point leurs maîtres à les affranchir ». Un tel degré de bêtise sera relevé par Flaubert qui fera figurer la phrase dans son Sottisier.

Et puis Bossuet est mauvais joueur, que Fénelon lui face de l’ombre et l’aigle dépliât ses ailes et recouvrit l’évêque de Cambrai de toute sa haine. Le condamnant à l’exil par le roi, mais aussi par le pape. Je vous passe la source de la querelle qui était fondée sur le quiétisme.

Séance de pose : Considéré comme le Van Dick français, on trouve à Rigaud des points communs avec le peinture flamand dans la noblesse des attitudes de ses sujets et dans la grâce de ses contrastes. Seule différence l’usage, un peu abusif à mon goût, de la draperie. Draperie et effets en fond de tableau ; draperie et excès dans les tenus des poseurs.

Est-ce dans le grand livre sur lequel il s’appuie que Bossuet rédigea quelques une de ses plus belles citations : « Une épouse de Jésus-Christ ne lui apporte pour dot que son néant » ou « Les femmes n'ont qu'à se souvenir de leur origine, et sans trop vanter leur délicatesse, songer après tout qu'elles viennent d'un os surnuméraire où il n'y avait de beauté que celle que Dieu y voulut mettre. » La femme issue d’un os surnuméraire, c’est magistral. « Toutes nos pensées qui n'ont pas Dieu pour objet sont du domaine de la mort. » et pour finir« Lorsqu'il n'y a plus de maître, tous deviennent maîtres. Lorsque tout le monde est maître ; tout le monde est esclave. » Un homme moderne ce Bossuet.

Pour finir, une autre citation de Jacques Thuillier, professeur au Collège de France sur Hyacinthe Rigaud : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance surprenante de l’œuvre et par sa constante perfection ». Et je ne vois pas d’autre explication.

La cruche brisée

2010-04-01T07:00:00.022+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Il va de soit que ce qui suit est authentique et en cas de doute je tiens ma source du site 20 Minutes, qui a publié cet article le 09 mars 2010 à 03h33. En titre : « Cette semaine, le Louvre s’ouvre aux femmes » et en dessous « Le Louvre a une image élitiste. Il nous faut réparer ce défaut d’accès ». Le découpage du Louvre est donc assez simple, en haut l’élite, les hommes et en dessous la femme. A l’occasion de la journée de la femme, le constat est des plus plaisants.

Je continue donc la lecture de mon article « Fabienne Martet, chargée de la fidélisation des publics, organise toute l'année des visites gratuites à destination des personnes précaires, des réfugiés, des jeunes sous protection judiciaire, des SDF… Cette semaine, à l'occasion de la Journée de la femme, des parcours à travers les collections du Louvre ont été spécialement pensés pour un public féminin. » Et oui femme, tu ne représentes pas la moitié de l’humanité, tu es juste une CSP-, une catégorie à fidéliser, car les musée c’est compliqué pour une femme. Bien plus que l’utilisation d’un fer à repasser. Bon j’arrête de vous taquiner, je sens les soutiens-gorge brûlés.

Pour être tout à fait honnête, cette visite était faite pour les femmes voilées et pour leur montrer comment dans la peinture elles avaient toujours eu leur place.

Tableau du jour : C’est à se demander comment j’ai pu passer à côté de ce peintre ? Il s’agit de Jean-Baptiste Greuze et de La cruche brisée (1772 ou 1773). Vous constatez avec quel talent je lie les paragraphes entre eux, après une introduction sur la femme, un développement sur la cruche. Vivement la conclusion.

Comme Watteau, il est fils de couvreur. Voici, vous en conviendrez, une similitude assez limitée. Jean-Baptiste Greuze est un peintre portraitiste qui fit ses armes et sa popularité sur des tableaux plus mélodramatiques : Père de famille expliquant la Bible à ses enfants / La piété filiale / Le paralytique. Diderot apprécie en lui la moralité de ses sujets. Il s’essaie aussi aux œuvres plus coquines, plus religieuses et plus mythologiques. Pas en même temps ! N'imaginez pas une religieuse lubrique face à Hercule.

La grande histoire de Jean-Baptiste se passe en 1792 quand il croise aux Tuileries un jeune capitaine dont il peint le portrait. Il s’agira du premier portrait de Napoléon Bonaparte. Le peintre conservera toute sa vie et dans sa chambre son tableau de l’Empereur. Et ce portrait servira de base pour un tableau commandé en 1803.

Face à des David ou des Gros, les portraits de Greuze passent pour très conventionnels, un peu trop classiques. Franc-maçon, membre de la loge des Neuf Sœurs, Greuze se fera une spécialité de la perte de la virginité dans la peinture. Thème symbolique que l’on retrouve dans La cruche cassée, Le malheur imprévu, Les œufs cassés ou encore L’oiseau mort.

Séance de pose : Voici donc une jeune fille qui revient des champs les bras plein de fleurs. A la fontaine, elle ne peut remplir sa cruche qui est brisée. L’ensemble est peint dans un classicisme de rigueur.

Puisque dans le pénultième paragraphe je vous indiquais sous quel angle regarder ce tableau, étonnons-nous de la tenue de la pauvrette. Son corsage a été butiné, ses cheveux s’échappent de sa coiffure, le rouge est monté à ses joues, un téton dépasse de sa voilette et une fleur a même glissé dans son corsage.

Cette interprétation de la défloraison est confirmée par la position des mains de la jeune fille qui semblent cacher son sexe. Notons au passage que des doigts font un peu boudinés. La cruche, réceptacle est brisée, comme l'intimité de cette jeune fille qui revient des champs.

Pourquoi aurais-je une tendresse pour Greuze ? Peut-être son portrait d’un jeune garçon, visible à Saint-Pétersbourg, et qui ressemble beaucoup à mon fils. Peut-être que cet homme qui peignit avec sa fille pour assistante me touche.

Peut-être enfin, parce que contrairement au David et au Gros, il ne vendit pas son âme et fini sa vie dans la plus grande pauvreté.

Enterré au cimetière de Montmartre, sa tombe permet de voir un tableau en trois dimensions puisqu’elle est surmontée d’une sculpture de la cruche brisée, réalisée par Ernest Dagonet. Je ne connais que Le radeau de la Méduse au musée Grévin qui bénéficie d’un passage du 2 au 3D. Et je ne vois pas d’autre explication.

Les chefs de la confrérie des arbalétriers de saint Sébastien, appartenant à la Garde civique d’Amsterdam

2010-03-31T07:00:00.011+02:00

Aujourd’hui au Louvre : « Dire qu'un livre est moral ou immoral n'a pas de sens, un livre est bien ou mal écrit c'est tout ». Ceci est extrait de la préface de Dorian Gray que rédigea Oscar Wilde. Remplacez livre par blog et vous obtenez la réponse que je peux formuler aux reproches que je reçois sur ce blog.

Reproches auxquels j'avais déjà répondu dans un billet au mois de novembre (ici). A l’occasion d’une fête familiale, j’appris que j’avais choqué un des membres de ma famille dans un de mes billets. « Je suis catholique, pas pratiquante, mais catholique et j’ai été choquée par ce que tu avais écrit sur Saint Jean-Baptiste ». Je ne connais pas mes billets par cœur et de retour chez moi j’ai relu le billet à la recherche de choses choquantes.

« C’est grâce à lui [Jean-Baptiste] que deux mille ans après on trouve scandaleux qu’un prêtre vive avec une femme mais moins scandaleux que le même prêtre sodomise des enfants de chœur ». Ce billet datait du 18 décembre 2009. Au regard de l’actualité de la semaine ce billet ne me semble pas choquant. Prémonitoire, d'actualité mais pas choquant. J’accepterai que l’on soit choqué par mes fautes d’orthographe, de frappe ou de grammaire ; mais que l’on soit choqué par cela me semble bien dommage.

« Tout art est à la fois surface et symbole. Ceux qui cherchent sous la surface le font à leurs risques et périls. Ceux-là aussi qui tentent de pénétrer le symbole. C’est le spectateur, et non la vie, que l’Art reflète réellement ». Suite de préface d’Oscar.

Tableau du jour : Et si je vous disais que nous allons parler d’un peintre né à Harlem. Soit vous vous demandez si ma santé mentale va pour le mieux, soit vous vous surprenez à apprendre la présence d’un peintre américain au Louvre (il y en a, j’en reparlerai), soit vous avez corrigé mon erreur. C’est Haarlem, dans la banlieue d’Amsterdam et non le Harlem au nord de Central Park. Aujourd’hui donc Notre Haarlem Globe Painter sera Bartholomeus van der Helst et son tableau Les chefs de la confrérie des arbalétriers de saint Sébastien, appartenant à la Garde civique d’Amsterdam (1653).

Fils d’aubergiste, il quitte sa ville natale pour Amsterdam. Et là, à la même époque, se côtoient van der Helst, Rembrandt, van Dyck. Tout comme La Fontaine, Boileau et Racine seront copains de taverne, nous avons trois grands noms de la peinture hollandaise qui se « partagent » le marché.

A main droite, le radical, l’intransigeant : Monsieur Rembrandt. A main gauche, le commercial, le rond : Monsieur van Dyck. Et au centre ou plutôt oscillant entre les deux, Bartholomeus. Barthy opte pour des portraits flatteurs contrairement à ceux de Rembrandt qui sont sombres et pensifs ou à ceux de van Dyck qui sont vils. Ce talent augmente sa réputation au point de les voir confier, ce qui sera son grand œuvre : Le Banquet de la garde civile d’Amsterdam fêtant la Paix de Münster.

S’il peint bien, il faut lui reconnaître une certaine faiblesse pour trouver des titres. Ce très grand tableau (visible au Rijksmuseum) est bien sûr à rapprocher de La compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenbuch de Rembrandt, injustement nommée La Ronde de nuit. Barthy peindra aussi des tableaux historiques, bibliques et mythologiques.

Dans notre tableau Barthy retrouve une scène d’intérieur. Autour d’une table quatre hommes gras et repus discutent. Il faut reconnaître au tableau de faire dans le discret. En général l’évocation de Saint Sébastien s’accompagne de poses lascives, d’hommes nus et pénétrés. Là il faut le chercher le rappel de Saint Sébastien. Il est caché dans la sculpture du dos de la chaise. Et l’on aperçoit au fond à droite quelques archers.

Séance de pose : Sur Saint Sébastien, je vous renvoie (ici) à un excellent blog qui évoqué l’iconographie de Saint Sébastien dans la peinture du Moyen Age à nos jours. Pour ceux qui ne savent pas cliquer au bon endroit, sachez que Saint Sébastien est un Saint auxiliaire de peau lisse, ou un des intercesseurs. Vous avez un petit souci, vous savez qu’il vaut mieux s’adresser au bon Dieu qu’à ses saints, mais vous ne souhaitez pas le déranger alors vous avez à votre disposition 14 intercesseurs.

Spécialisé dans la dératisation et la lutte contre la peste. Il tient cela d’Apollon, lui aussi représenté avec un arc (mais cliquez donc vers le lien). Si la peste fit beaucoup plus de ravages dans le sud de l’Europe que dans le nord, cela s’explique par un climat détestable, même pour des rats, au nord de la Seine. Par un goût particulier des rongeurs pour la cuisine à l’huile plus qu’au beurre. Et enfin en raison d’un mode de dératisation particulièrement efficace dans ces provinces alémaniques : le joueur de flûte.

Mais, cela n’empêche nullement un petit détachement de se mettre au service de la population, c’est notre fameuse confrérie des arbalétriers. Il était ainsi, dans ces temps lointains, l’armée était privée.

Voici donc notre confrérie rassemblée en ses murs. Cela respire une certaine opulence : riche vaisselle, teinture de qualité, bijoux et tenus de belle facture. Nos chefs de la confrérie font leurs comptes comme l’indique l’ardoise. Par contre, ce que je ne comprends pas bien c’est la forme du bâtiment qu’ils occupent donnant sur une forêt, avec des ouvertures à pans de bois amovibles. Et je ne vois pas d’autre explication.

Cavalier Rampin

2010-03-30T07:00:00.013+02:00

Aujourd’hui au Louvre : L’information qui suit va faire grincer bien des dents. Mc Do va s’installer au Louvre. Et déjà vous imaginer la baraque à frite sous le nez de La Joconde. Attention, tout ceci est à pondérer. Mc Do va s’installer … dans la galerie commerciale du Carrousel du Louvre. Mais cette explication ne rassure et réjouit personne. Bien au contraire.

Les garants du Louvre s’étonnent de voir dans un tel lieu, le symbole de la mal bouffe, de la mondialisation, du nivellement par le bas. Si Mc Do est l’image de la standardisation alimentaire que dire des autres boutiques de la galerie ? Virgin (standardisation culturelle), Apple (standardisation informatique), Nature & Découverts (standardisation écolo-bobo), Swatch (standardisation horaire), Agatha (standardisation bijoutière). De grâce, le Carrousel n’est pas le représentant de la finesse culturelle française. C’est un nom, une marque, un faire-valoir, il faut l’accepter et le considérer que comme cela.

Personne ne s’est offusqué de l’espace repas qui propose couscous, pizzas et sushis. Assez loin de la fameuse gastronomie française. Qu’ont donc à craindre les pères-la-pudeur ? Je crois que ce qui dérange chez Mc Do ce n’est pas la nourriture, que personne n’est obligé de consommer, c’est la « faune » qui gravite autour. Dites-le que vous craigniez de voir des racailles venir déposer leurs tags sur vos tableaux. Prenez plutôt cela comme une chance et l’ouverture du Louvre à de nouveaux publics.

Dernier point, le Mc Do est dans une galerie commerciale, éloigné du musée et il me choque beaucoup moins que cette partie d’une aile du musée qui a été « vendue » à la famille Coste et où, pour très cher, vous pouvez boire un café « entre gens de chez nous ».

Sculpture du jour : Parmi les œuvres grecques, nous avons vu des sculptures féminines : La Vénus de Milo, La Victoire de Samothrace ; des sculptures de dieux : Pan, Hercule (je sais qu’il n’est que demi-dieu) ; mais la sculpture du péquin de base était assez rare. L’affront est maintenant réparé avec cette tête de cavalier, dite le Cavalier Rampin (vers 550 avant JC).

Mélange de richesse et finesse décorative et de sobriété, cette tête a été trouvée sur l’Acropole en 1877 et daterait de 550 avant JC. Elle symbolise une forme, dite, archaïque de la sculpture avec un visage triangulaire délimité par des pommettes et un menton saillants. La physionomie est avenante avec des yeux en amande grands ouverts et un léger sourire. Elle fut acquise par Georges Rampin qui la léguera au musée en 1896. D’où le nom de cavalier Rampin.

En 480 avant JC, les Perses mettent à sac la ville d’Athènes et brisent des centaines de statues dont celle-ci. En 1886, dans une fosse, on découvre des fragments d’un buste et d’un cheval. Ce n’est qu’en 1936 que l’archéologue Humphry Payne rapproche le torse de la tête. Mais la tête reste au Louvre et le reste de la statue est au musée de l’Acropole à Athènes. Tous deux les exposent avec une copie de la partie manquante.

Quant à l’identité du cavalier, elle permet toutes les hypothèses. Est-ce un membre de l’aristocratie athénienne, la couronne de fleurs traduit-elle un vainqueur de jeux helléniques ? S’agit-il d’un des fils du tyran Pisistrate : Hippias ou Hipparque (nom prédestiné pour un cavalier). S’agit-il de Castor ou Pollux, fréquemment représentés à cheval ? Les dernières études concluraient à la représentation d’un champion des jeux de l’Isthme ou des jeux de Némée. Ceci expliquerait alors la couronne d’ache dans ses cheveux. En dehors de vous sortir d’un mauvais pas au Scrabble, sachez que l’ache est une sorte de céleri sauvage.

Séance de pose : Vous savez que pour les œuvres qui me touchent, je suis moins affable et moins propice à user du vitriol. Le cavalier Rampin entre dans cette catégorie. J’avais accompagné mon père à l’Odéon pour une représentation d’un Ajax extrêmement ennuyeux. Au bout de dix minutes, nous quittions la salle pour nous promener dans le quartier. Juste à côté, rue Racine, se trouvait une boutique de moulages. La boutique, mais plus encore l’arrière-boutique, était une caverne aux trésors. On pouvait penser se trouver dans l’annexe de Samson à la belle époque de la cravate à Capet, devant toutes ces têtes sans âme.

Mon choix s’est porté sur ce cavalier. Depuis il trône toujours chez moi, coiffé d’une chéchia. Et c’est même le premier objet que je dépose dans chaque nouvel appartement où nous emménageons. Je sens d’un seul coup que cette plongée dans mon intimité vous a passionné et je ne vois pas d’autre explication.

Les 4 éléments

2010-03-29T07:00:00.008+02:00

Aujourd’hui au Louvre : Vous comprendrez que ne fréquentant pas le Louvre de façon quotidienne je ne serai pas en mesure de renseigner régulièrement ce chapitre.

Tableau du jour : Nous parlions, il y a peu des Noces de Thétis et Pélée de Hendrick van Balen qui s’était fait aidé pour la réalisation d’une partie de son tableau de Jan I Brueghel. Van Balen avait accueilli Brueghel dans son atelier, alors spécialisé dans la gravure. Mais il collabora aussi avec Pierre-Paul Rubens.

Dans la famille Brueghel, je veux le père : Pieter Brueghel dit l’Ancien, le Brueghel le plus connu. Celui de la Tour de Babel, des scènes de vie communales, des repas de noce. Celui qui dépeint les Flandres sous la neige, peuplés de personnages mi-hommes, mi-monstres. Je veux le frère : Pieter Brueghel dit le Jeune. Je veux le fils : Jan Brueghel dit le Jeune. Je veux le beau-père : Gérard de Jode. Je veux le gendre : Jan van Kessel.

Voici donc une grande famille de peintres. Et au milieu Jan dit Brueghel de Velours. Pourquoi de Velours ? Je n’ai pas trouvé de réponse. Peut-être par opposition aux sujets de fer traités par son père. En effet Jan préfère peindre des fleurs. Il s’est initié au miniaturiste auprès de sa grand-mère.

A tous ceux qui pensent qu'avant c'était bien mieux, que les jeunes sont moins bons que leurs ancêtres, que le talent se perd un peu plus à chaque génération; je n'ai comme unique réponse la mise en perspective du travail d'un père et de son fils. Force est de remarquer qu'à l'endroit où le père talochait sa peinture, le fils applique avec grâce et talent la sienne.

Nous verrons aujourd’hui un ensemble sur les éléments qui comprend L’Air, La Terre, Le Feu et L’Eau (entre 1607 et 1621). Ils traduisent assez bien le style de Velours. Qui se compose d’un fond sombre de végétations ou de pierres, un premier plan qui regorge d’éléments en lien direct avec le tableau et entre les deux une présence humaine qui semble dérisoire et presque déplacée.

La Terre ou le Paradis Terrestre est composé d’un chemin débouchant sur deux clairières. A cette intersection une multitude d’animaux vivent en parfaite harmonie. Il faut aller chercher dans le font d’une des clairières, un couple, qui doit être Adam et Ève, guidés par Dieu devant l’arbre de la connaissance.

L’Air ou l’Optique est composé d’une butte sur laquelle se sont rassemblés tout ce qui vole et qui était connu à l’époque. De l’ange au flamant rose, en passant par le perroquet ou le paon. Au fond le char d’Apollon qui guide la course du soleil.

L’Eau se situe au bas d’une cascade et à l’embouchure d’une rivière. Toute la faune des mers et rivières est présente. De la pieuvre au canard, en passant par la sole ou les bigorneaux.

Enfin Le Feu, qui fait presque figure d’exception. En lieu et place de la nature, une grotte taillée dans la terre. Les cieux sont devenus très sombres. Il n’y a plus d’angelots et d’animaux. A la place, l’inventaire détaillé des travaux réalisés par les forgerons (armures, cloches, vaisselles).

Séance de pose : On ne se rend pas bien compte du temps nécessaire pour un tel tableau. Je ne parle pas tant de l’artiste dont c’est le métier, mais plus précisément de ses assistants. De tous ces vétérinaires qui supervisaient l’arrivée, le traitement, les soins et l’agencement des animaux. De toutes ces petites mains qui durent sortir toutes les productions de la forge puis tout ranger par la suite.

En dehors d’un esprit un peu moqueur j’aime beaucoup ces tableaux qui, en plus, sont de très petite taille (0,65m x 0,45m), d’un souci du détail exquis et présentent une maîtrise de la perspective, des formes et de la profondeur de champs.

Mais la vraie particularité de cette série de tableaux sur les éléments de Jan I Brueghel, c’est l’accumulation et la justesse de la représentation des animaux, végétaux et objets. Et puis Jan sera le précurseur d’une mode qui consiste à glisser dans ce fouillis, un personnage à retrouver. Sous le nom de Waar is Karl ? ("Où est Charlie ?" en français), il va développer une mode qui, cinq siècle après, n’est toujours pas passée. Regardez mieux les tableaux, je ne vois pas d’autre explication.

Christ au tombeau

2010-03-26T07:00:00.005+01:00

Aujourd’hui au Louvre : Imaginez-vous à Versailles le jour de l’inauguration des plafonds de Le Brun et Mansart. Vous allez me dire qu’il faut raison garder et que l’inauguration du nouveau plafond de la salle des Bronzes ne mérite peut-être pas un tel enthousiasme.

D’abord ce bleu entre cobalt et lapis-lazuli traduit le souhait de l’artiste, Cy Twombly, de rappeler les couleurs de la Grèce. Au plafond il crée une ouverture en trompe-l’œil, renforcée par des dessins de planètes. D’autre part, un peu de respect me semble nécessaire pour cet homme de 82 ans qui vient de barbouiller 400 m² de plafond.

Par contre je m’étonne de ne pas avoir reçu mon invitation, aux côtés de Frédéric Mitterrand qui fit l’artiste Chevalier des Arts & Lettres, de Janet Wolfson de Botton, mécène de ce plafond, ou de Glenn D. Lowry, directeur du MoMA.

Au-delà de la peinture et des réactions qu’elle provoquera il faut notre qu’il s’agit du troisième artiste contemporain à œuvrer pour le Musée depuis bien longtemps. Avant lui, en 2008, Anselm Kiefer avec une peinture et deux sculptures. En janvier c’était François Morellet qui retravaillait les vitraux de l’escalier Lefuel. On ne peut que saluer ce renouveau.

Sculpture du Louvre : Voici un Christ au tombeau (seconde moitié du XVIe siècle), en pierre polychrome issue des ateliers de Germain Pilon. Nous avons vu, il y a peu, Germain, sa vie, son œuvre. Le fait que cette sculpture vienne de ses ateliers nous permet juste d’avoir une idée de sa datation. Pour le reste il n’a dû que la superviser. La petite histoire est celle d’un fils de charpentier qui passe son temps à exacerber les envahisseurs romains en se faisant passer pour le fils de Dieu.

Spécialiste des tours de magie, il arrive à faire marcher les gens sur l’eau, rend la vue aux aveugles, relève des paralytiques, fait disparaître une cigarette de sa main avant de la faire réapparaître derrière l’oreille de sa mère.

S’il s’en était tenu aux tours de magie, les romains n’auraient rien dit. Ce qui inquiète plus les romains c’est de le voir uniquement avec des garçons, à la maison, dans le désert, toujours avec des garçons. Quand une femme est présente ce n’est que pour lui laver les pieds. En plus derrière il y a sa mère qui pousse aussi beaucoup. Elle raconte qu’il y avait une étoile au dessus de son lieu de naissance. Confidence pour confidence, il y en avait des millions aux dessus des lieux de naissance de mes enfants. Elle raconte que des mages sont venus avec des cadeaux. Pareil pour nous. M et Mme Maje sont venus avec une boîte de Monchéri et un bouquet d’anémones. Ils sont repartis rapidement, ils s’étaient trompés de chambre. Pour ma part, je n’en fait pas toute une histoire.

Donc M Christ prend un peu le melon. Il gagne au jeu du « Mais non, mais si » ce qui lui vaut son titre de Messie. Il part glandouiller dans le désert en racontant qu’il a combattu le diable. Et pourquoi pas Dark Vador ou Casimir ? Et puis sans être totalement antisémite, on ne peut lui reconnaître de s’être très bien tenu avec les grands prêtres d’Israël. Ponce Pilate est chargé du ménage. Déjà survivant de deux épidémies de peste H1N1, il avait une certaine obsession pour le lavage des mains à la pierre … ponce.

Monsieur Christ est donc condamné à mort. Il en fait encore des tonnes, au lieu d’être discret, modeste, non il faut qu’il harangue le ciel « Pardonnez leur mon père ils ne savent pas ce qu’ils font ». Je connais un peu la Rome Antique et quand ils avaient décidé de crucifier une personne il savaient exactement ce qu’ils faisaient.

Après son agonie il est décroché et placé dans un tombeau. La suite vous la connaissez, c’est la pierre qui roule, le « Mais il est où ? » suivit du « Coucou le revoilou ! ».

Séance de pose : Vous avez tous reconnu ce corps qui a servit de modèle pour ce Christ au tombeau ? Non ? C’est Michael Jackson ! Regardez mieux. Cette dépigmentation sur son corps n’est pas naturelle. Elle est le fruit des opérations chirurgicales qu’il a suivi.

Sur le visage c’est encore plus criant, le menton et le nez ont été refaits mais la qualité de l’opération n’a pas survécu à un séjour prolongé sur la croix et dans l’humidité du tombeau.

C’est un peu court, c’est vrai mais je ne vois pas d’autre explication.

Les noces de Thétis et de Pélée

2010-03-25T22:10:00.006+01:00

Aujourd’hui au Louvre : Le progrès a de l’avenir. Depuis le mois de novembre 2009, le Louvre a réalisé et mis à disposition des possesseurs d’iPhone et iPod touch une application. Une appli comme on dit chez la firme à la pomme.

Gratuite, en français, elle permet d’avoir sous la main un guide très bien construit du musée. D’ailleurs près d’un million et demi d’utilisateurs ne s’y sont pas trompés et l’ont téléchargée. Elle propose 7 vidéos, comme sept types de visites à réaliser. Un emplacement des œuvres sur un plan du musée, une notice, des zooms sur les œuvres. Et bien entendu, les inévitables informations sur les tarifs, horaires, accès.

La seule limite actuellement est le nombre d’œuvres proposées. Ces dernières sont limitées à 80, nombre qui a été augmenté dans la nouvelle version disponible début 2010. On peut donc espérer des mises à jour et de nouvelles œuvres.

Dans le détail, vous retrouverez beaucoup des œuvres présentées sur ce blog ou son ancêtre (La Joconde, Milon de Crotone, La Liberté guidant le peuple, Le radeau de la Méduse, Le sacre de l’Empereur, La mort de Sardanapale, le tombeau de Philippe Pot). Il y a même le coffret de Pierre Mangot.

Une idée d’amélioration : la présentation audio des œuvres qui permettrait de regarder tout en écoutant le tableau. La lecture des explications sur un si petit écran étant parfois difficile. Mais cela donne des idées.

Tableau du jour : Les gens du Nord ont dans leur peinture le soleil qui ne brille pas dehors. Vous aurez deviné que nous allons faire un tour dans les Flandres et plus précisément sur les traces de Hendrick van Balen et des Noces de Thétis et de Pélée ou Le festin des dieux (à dater vers 1618). J’attribue ce tableau à van Balen alors qu’il n’a réalisé que les personnages. La forêt, qui sert de décor, serait l’œuvre de Jan I Brueghel, dont j’ai l’intention de vous reparler sous peu.

Hendrick est vitrailler de formation. Il n’est pas spécialiste de la fécondation in vitro. Vitrailler cela veut dire qu’il travaille à la conception de vitraux. Il fut le maître d’Antoine Van Dyck et de Snyders. Il est issu d’une famille de boutiquiers, aura 5 fils dont trois seront peintres : Jan van Balen, Gaspard van Balen et Hendrick van Balen II. Sa fille épousera le peintre Théodore van Thulden.

Quand il ne peint pas des scènes religieuses, il se spécialise dans la mythologie à décor idyllique. Cette inspiration lui vient de son séjour en Italie. J’évoquais la participation de Jan I Brueghel à son tableau ; Hendrick lui ouvrit son atelier de gravure à Anvers.

Voici donc du mythologique et pas des moindres puisqu’il s’agit du mariage de Thétis et Pélée. Jupiter et Neptune (Zeus et Poséidon, selon vos préférences latino-helléniques) sont amoureux de Thétis, mais on prédit que cette femme engendrera un fils à la force si puissante qu’il surpassera son père. Les deux dieux se dépêchent de refiler la drôlesse à un mortel : Pélée. Pélée, c’est le looser de la Grèce antique. Il tue accidentellement son demi-frère, il est banni. Il tue accidentellement le participant d’une chasse au sanglier, il est banni. Il lutte avec Atalante, il est vaincu. Sa seule chance, être ami avec le centaure Chiron.

A ce stade de l’histoire voyez-vous où nous allons arriver ? Si je vous précise qu’un fils naîtra de l’union de Thétis et Pélée. Que Thétis s’illustrera dans l’art de tenter de noyer ses enfants. Vous ne voyez toujours pas ? Dernier indice : « Déesse chante-nous la colère d'Achille, de ce fils de Pélée, colère détestable qui valut aux Argiens d'innombrables malheurs, et jeta dans l'Hadès tant d'âmes de héros, livrant leurs corps en proie aux oiseaux comme aux chiens : ainsi s'accomplissait la volonté de Zeus ». Il s’agit du premier chant de l’Iliade. Thétis est la maman d’Achille, c’est elle qui tenait son petit talon au moment de plonger dans le Styx. Et c’est d’ailleurs Chiron qui se chargera de l’éducation du petit Achille.

Vous trouverez cette introduction un peu longue et fastidieuse. Mauvaise nouvelle je n’ai pas fini. Achille c’est la guerre de Troie. Mais le repas des noces de ses parents est le déclencheur de cette guerre. C’est au cours de ce repas que tous les dieux, demi-dieux et quarterons sont rassemblés et qu’intervient Discorde qui lance une pomme à destination de la plus belle des femmes présentes. Entre la noce et la guerre il y a l’épisode de Pâris (déjà présenté sur le blog). Donc ce repas de noce c’est un peu la fin du début ou le début de la fin. L’unanimité divine ne se retrouvera plus par la suite.

Séance de pose : Demain vous êtes de mariage. Vous vous habillez comment ? Vous me répondrez qu’il faut tenir compte de l’endroit où se déroulera le mariage. Petite précision, ce mariage a lieu en Grèce, mais dans la montagne. En fait je me fiche de savoir comment vous allez vous habiller. Ce dont je suis certain c’est que personne ne viendrait à poil avec juste un casque ou une étole.

Je n’ai, certes, pas reçu le bristol d’invitation avec le dressing code, mais venir tout nu à un mariage cela ne me traverse même pas l’esprit. On s’étonnera ensuite de la perte d’influence du divin dans la vie de tous les jours. Essayez, demain, présentez-vous nu au travail. Merci de me faire parvenir les réactions que cela déclenchera.

L’autre réponse que vous allez me donnez, c’est qu’il ne s’agit là que du délire de l’artiste et qu’il va bien au-delà de la réalité. Vous sous-entendez donc, que Hendrick van Balen était un peu dérangé côté cul. C’est recevable. Mais dans la même salle, du même musée, on trouve un tableau qui se nomme Les noces de Thétis et de Pélée de Hendrick de Clerk et force est de constater que la redingote n’était pas non plus de rigueur dans cet autre tableau.

Et je vous arrête tout de suite, il ne s’agit pas d’une obsession franco-louvresque. Au Birmingham Museums & Art Gallery, vous pouvez admirez le tableau de Burne Jones Mariage de Thétis et Pélée.

Alors entre les dieux qui viennent nus à des mariages et ceux qui font les marioles à faire des tours de magie et à servir du vin à volonté, je vous conseille d’éviter tout divin pour une noce réussit et je ne vois pas d’autre explication.

Moïse sauvé des eaux

2010-03-24T22:09:00.006+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Quelle musique ? Et si je devais prévoir une bande-son adéquate pour une visite du Louvre. Que faudrait-il ? Le baroque de Bach ou de Purcell pour accompagner les ors de la bâtisse ? Le classicisme d’un Mozart ou d’un Beethoven pour se caler avec les œuvres ? Le romantisme d’un Chopin pour ressentir la profondeur des tableaux ? La fougue d’un Berlioz pour s’adapter à l’enthousiasme de périodes créatrices ?

Et si la musique variait en fonction des œuvres. Si cette variation acceptait et jouait sur l’anachronisme ! Je placerai face à La barque de Dante de Delacroix le Hightway to Hell d’AC/DC. Devant les tableaux de la Sainte Famille, Tes parents de Vincent Delerm ou Je hais les dimanches de Juliette Gréco. Pour accompagner les peintres français du XVIIIème les chansons de Brassens, Les vieux, Ces gens là, Le plat pays de Brel pour les écoles Flamande et Hollandaise. Léo Ferré et Jolie môme face à La Liberté guidant le peuple. Serge Gainsbourg pour Le Caravage. Santiano, Le port de Tacoma d’Hugues Auffray dans les ports du Lorrain. Une spéciale dédicace à Patrick Topaloff pour Les Noces de Cana dont on ressort avec la peau du ventre bien tendue. Stone et Charden, Made in Normandie pour les tableaux ruraux de Huet. Stewball, Le petit âne gris d’Auffray et La Cavalerie de Julien Clerc pour les tableaux équestres de Géricault. Le Loir-et-Cher, Les oies sauvages de Michel Delpech pour les scènes paysannes des Le Nain. Et bien sûr Le menuet de la Joconde, mais la version de Barbara.

Mais l’on pourrait aussi rendre les choses plus drôles. Maman les petits bateaux devant Le radeau de la Méduse ; La mama d’Aznavour pour Le Sacre de l’Empereur ; Les jolies colonies de vacances de Pierre Perret pour Léonidas aux Thermopyles ; Comme ils disent, toujours d’Aznavour pour L’hermaphrodite ; Fernande de Brassens pour Pan ; Mes mains de Bécaud pour la Vénus de Milo ; Suzette de Dany Brillant pour la Victoire de Samothrace.

Pour des questions de droits à la SACEM je ne peux vous faire écouter les morceaux ou simplement les extraits qui me semblent parfaitement correspondre aux tableaux. Constituez votre playlist, mettez vos écouteurs et sillonnez le Louvre.

Tableau du jour : Testons vos réflexes. Si je dis peinture italienne, vous me répondez : religion. Parfait vos automatismes sont toujours là. Donc un tableau italien de Nicolo dell’Abbate, Moïse sauvé des eaux (1509 ou 1512). Plus religieux il n’y avait pas.

1509-1571, Nicolo est un peintre de la Renaissance tardive, italien de naissance et français de mort puisqu’il calencha à Fontainebleau. Son travail est initialement concentré sur le barbouillage de vastes structures (fresques, plafonds, salles, palais). Il s’oriente après vers le portrait et la scène mythologique. En 1552 il est invité en France et ne rentrera jamais chez lui.

Vous noterez que c’est toujours la même chose, on invite les gens et après ils oublient de rentrer. Ensuite ils font venir leur famille, saigne le cochon dans leur baignoire, cuisine des plats exotiques. Ajouter à cela le bruit et l’odeur et le pauvre peintre français se retrouve désavantagé face à ces « invités » qui vivent grassement des subsides royaux. C’est une blague, je rigole.

D’autant que le Nicolo, avec ses paysages et ses personnages de la mythologie, influença des bons peintres français bien de chez nous : Nicolas Poussin ou encore le Lorrain. Et pour rassurez les plus extrémistes, sachez que sa famille est restée à Modène exercer son art. Son père Jean, son frère Pierre-Paul, son fils Jules-Camille, son petit-fils Hercule et même son arrière petit-fils Pierre-Paul.

L’histoire de Moïse ? Petit résumé pour vos automatismes ? Avant de faire des barbecues sauvages sur le mont Sinaï, Moïse a été un petit enfant. C’est sur cet épisode que l’on va s’arrêter. Il est le fils d’Amram et Jocabed. Craignant pour sa couronne, le Pharaon ordonne que tous les nouveaux né mâles soient tués. Notons la clairvoyance du roi des rois.

Sa mère cache son fils pendant trois mois puis l’abandonne dans une corbeille sur le Nil. La fille de pharaon, Bithiah, trouve l’enfant, l’adopte et le confie à une nourrice juive : Myriam, qui n’est autre que la grande sœur de Moïse. Que le monde est bien fait non ? Moïse voulant dire Sauvé des eaux, mais je ne sais plus en quel dialecte. Il grandit ensuite dans l’entourage de Pharaon, sympathise avec Jethro, le grand prêtre, qui lui donne sa fille en mariage, Séphora. Séphora lui donnera des enfants mais aussi des échantillons de parfums.

Séance de pose : Sur ce tableau on peu s’interroger sur le fait que la fille d’un roi patauge dans la fange du Nil. D’autant plus que nous avons tous vu les publicités pour le savon Cléopâtra et nous savons tous que le palais possède de belles baignoires. Mais peut-être que l’ancêtre des Pyjamas Parties était des Nil’s swimming ?

Ensuite c’est dommage quand on sait construire d’aussi belles villes de n’avoir légué à l’humanité que des pyramides. Même remarque sur les physiques, je croyais les égyptiens victimes congénitales d’un problème aux cervicales, leur donnant toujours l'impression de marcher en biais. En fait il n’en était rien.

Mon vrai souci vient du nombre d’enfants. Personnellement j’en compte quatre qui apprennent la brasse coulée dans les bras du Nil. Et si Bithiah s’était trompée ? En effet qui pouvait être dans ce couffin autre que Moïse ? Admettons qu’elle a bien récupérée Moïse, que deviennent les trois autres ? Nous avons donc quatre suspects : Moïse, Mowgli, Rémus et Romulus. Et ne me dites pas Boudu ! Bien que sauvé des eaux il n’avait plus la taille d’un nourrisson.

Et oui, le drame de toutes les religions vient du fait qu’au lieu de sauver Moïse elle en a sauvé un autre. Qui peu faire du feu pour éloigner Sher Kan ? Qui déteste le veau dont la charrue a tracé le sillon ? Qui souhaitait abattre toutes les rivales de Rome ? Le vrai scoop de ce tableau est là et je ne vois pas d’autre explication

Portrait d’Assheton, premier vicomte Curzon

2010-03-23T22:07:00.007+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Ils sont en groupe, n’écoutent rien, font du bruit, parfois sentent mauvais, portent de temps en temps leur galure à l’envers, fument des trucs qui ont de drôle d’odeurs (gitane maïs). Il n’y a rien de pire que de se retrouver derrière un groupe de vieux. C’est ce que j’ai toujours crains et fuis lors de mes visites. Les bandes de vieux cela se croient toutes permises. Demandez leur de se décaler et l’on vous reprochera de ne pas respecter les anciens, de se moquer du monde, d’avoir du temps faute de respect.

Par politesse vous laissez faire, vous disant qu’il faut du courage à leur âge pour s’attaquer à un tel bâtiment. Au regard de leurs âges certains doivent certainement venir voir des tableaux pour lesquels ils ont fait de la figuration dans leur jeunesse.

Donc le vieux en groupe c’est la plaie. Mais le vieux seul, ce n’est pas terrible non plus. Cela se positionne au milieu de l’escalator, vous condamnant à monter à son rythme. Il vous fonce dessus pour lire l’affichette vers laquelle vous vous penchiez. Il reste des heures devant le tableau que vous vouliez voir. Il accapare les gardiens avec des histoires antédiluviennes. Il sait plus et mieux que tout le monde.

Mais les beaux jours reviennent. Le vieux va aller retrouver son terrain de boule et la vieille son banc pour nourrir les pigeons. Et puis, il reste toujours une heure magique au Louvre entre 13h30 et 14h30. Le vieux est devant Les feux de l’amour, le Louvre est alors aux jeunes.

Tableau du jour : Il fallait corriger, cet oubli au plus vite. La peinture anglaise au Louvre. Ils ne sont pas nombreux mais ils existent. Dans le premier blog je ne l’avais que citée, cette peinture si … anglaise. Voici donc le plus albionesque de ses représentants : George Stubbs et son portrait d’Assheton, premier vicomte Curzon, et de sa jument Maria devant le château d'Hagley Hall (troisième quart du XVIIIème siècle).

Stubbs ou le Géricault britannique. Il est surnommé le « peintre des chevaux ». C’est un peintre animalier autant que naturaliste du XVIIIème siècle. S’il a peint des portraits et des peintures historiques, c’est dans la nature, la faune et la flore qu’il s’exprime le mieux. Il y travaille avec minutie. Mais son vrai plaisir reste le canasson. Son dada, c’est le cheval.

Son amour et sa parfaite connaissance de l’équidé vont le pousser à un rendu au plus juste, même si ceci implique de passer 18 mois à disséquer l’animal pour connaître ses muscles, ses nerfs, sa morphologie. Cette maîtrise lui permettra même de publier en 1766 une Anatomie du cheval.

La composition traduit toute cette Angleterre du XVIIIème : un ciel gris, un gentilhomme trop guindé, une nature sans intérêt et trônant au milieu de la toile cette jument, dont la selle, comme la forme de la queue font plus anglais qu’une cup of tea à Wimbledon.

Séance de pose : C’est à peine si l’on peut être critique sur la jambe arrière droite qui semble se déporter sous le ventre de l’animal. Cela donne un aspect humain à l’animal quand son maître semble figé, rigide, tel une statue.

Pour cette séance de pose, le premier vicomte Curzon devait occuper le centre du tableau et sa jument ne devait apparaître qu’en laissant dépasser un bout de bouche à l’extrême droite du tableau. Profitant d’une éclaircie, George Stubb c’est écrié « Sun ». Et le cheval a compris qu’elle allait jouer à One, two, three, sun ; jeu très en vogue dans les publics schools anglaises et qui traversa la Manche sous la traduction approximative suivante : « Un, deux, trois, soleil ».

Alors, petit à petit, elle s’est approchée du dos de son propriétaire. A la grande joie de Stubb qui préférait les animaux aux hommes. Il décala donc son cadrage pour avoir le moment exact où le cheval criera Sun en touchant le dos de son cavalier. Malheureusement le ciel se couvrit de nouveau et Stubb n’eut que le temps de figer la pose à quelques centimètres du dos du vicomte.

On ne sait si au final le cheval a gagné. Mais l’amour des chevaux resta dans la famille Assheton des générations après. Puisque dans les années trente Edward Richard Asseton, vicomte de Curzon et plus connu sous le nom de Lord Earl Howe possédait encore une fort belle écurie mais ses chevaux étaient fiscaux et se nommaient Bugatti. Et je ne vois pas d’autre explication.

Dalle de Jeanne de Bourbon-Vendôme

2010-03-22T22:05:00.005+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Imaginez un tableau, un tableau que vous regardez. C’est jusque là un postulat de départ assez classique dans un musée. Imaginez maintenant que derrière vous se tienne un photographe. Le talent du photographe est de capter l’instant où vous admirez une œuvre. Mais se talent se double d’une connaissance du tableau qui fait que la photo n’est prise qu’à un certain moment. Celui où votre position face au tableau vient en changer l’interprétation.

C’est l’idée d’une photographe dont j’ai aperçu le travail et qui expose en ce moment. Son nom ? Je ne l’ai pas noté. Le titre de son exposition ? Je ne l’ai pas noté. La galerie où ses clichés sont visibles ? Je ne l’ai pas notée. Mauvaise habitude louvresque que d’avoir un site relativement complet pour retrouver ses informations et des panneaux à côté de chaque œuvre.

L’idée du spectateur, part entière d’une œuvre, a toujours existée. Vous êtes un des invités du Sacre de l’Empereur, c’est vous que le petit Horace regarde dans les yeux, vous prenant à témoin.

Voici, avec l’aide de Photoshop et de mes souvenirs, ce que cela peut donner. Si vous avez plus d’information sur cette exposition, je suis preneur.

Sculpture du jour : A la fin de ce billet vous interpréterez différemment la bénédiction du fruit de vos entrailles, si chère à Marie, mère de Jésus. La dernière sculpture était le monument funéraire de Valentine Balbiani, j’ai trainé mes guêtres dans cette partie du musée et voici donc une autre œuvre funéraire, il s’agit de la dalle de Jeanne de Bourbon-Vendôme (premier quart du XVIème siècle) Elle se trouvait dans l’église des Cordeliers de Vic-le-Comte, en Auvergne.

Positionnée de façon verticale cette dalle, pour être au Louvre n’est plus dans l’église. Est-ce à dire que les restes de Jeannette prennent la poussière et/ou sont exposés au regard de tous ? Je pense que la dalle a été arrachée lors de la Révolution Française. Quant aux restes de Jeanne, je m’en fiche un peu. Surtout qu’à l’origine elle ne respirait pas trop la joie de vivre.

Je ne sais pas trop à quel moment de sa vie la sculpture a été faite mais son visage est effrayant. Les yeux sont clos, le visage émacié, la face cadavérique. Je parierai donc pour une sculpture post mortem. Voici donc tout ce qui reste de cette fille de Jean VIII de Bourbon.

Les Bourbon, avant d’être roi par l’entremise d’Henri IV et le manque de fertilité des Valois, était une grande famille de province. Jean VIII combattit pour et avec Charles VII, il bouta les anglais hors de Normandie et de Guyenne ; batailla à Monthléry et se retourna dans son fief de Vendôme élever ses enfants. Sa portée lui donnera un compte de Vendôme, un prince de La Roche-sur-Yon, une femme de sénéchal du Limousin, une abbesse de Fontevrault, une autre à la Trinité de Caen et enfin la Jeanne qui nous intéresse.

Jeanne épouse Jean II de Bourbon, ami de son père. A cet instant je dois préciser que je ne rentrerai pas dans les détails généalogiques de la famille Bourbon. Le père et le mari de Jeanne doivent être de vagues cousins mais cela n’a pas une grande importance pour la suite. Jean II, mari de Jeanne, participa au siège de Metz, à la campagne de Normandie, à la conquête de la Guyenne. Il devient membre de la Ligue du Bien public, gouverneur du Languedoc, chevalier de l’Ordre de Saint-Michel, grand chambrier de France, avant de finir Connétable de France. Jenne était sa troisième femme et à sa mort, elle épousa Jean III de La Tour-d’Auvergne. Bourbon, Vendôme, Auvergne, tout se combine.

Séance de pose : Vous noterez que si mon intérêt s’est porté sur le père et le mari de Jeanne c’est en raison de la pauvreté de sa biographie. Et là vous vous demandez comment, et par quelle pirouette linguistique ou jeux de mots lourdauds, je vais pouvoir rebondir sur ce vide pour évoquer enfin le fruit de ses entrailles.

En fait, je ne vais pas rebondir, je vais faire un pas en retrait. Un peu plus haut je détaillais la tristesse de ce visage sans grâce que la vie semble avoir quittée depuis longtemps. En reculant, j’augmente mon champ visuel et j’ai une plus large vision de cette sculpture. Âmes sensibles il est encore temps de partir. Ce qui suit n’est guère reluisant et va nous plonger dans les cours les plus obscurs de l’anatomie humaine. Dernière limite pour quitter ce billet.

Nous voici donc devant la représentation d’une femme, nous avons vu que le visage n’était pas à son avantage. Alors je ne comprends pas le souci du détail qui a conduit le sculpteur à nous faire part de l’état de décomposition avancée de son modèle.

Si j’essaie de rester pragmatique, Jeanne est morte. Le sculpteur a rabaissé la guimpe qui lui couvrait le cou et les poumons et nous présente le ventre. Les seins étant adroitement cachés sous les cheveux. Je ne comprends pas le besoin de sculpter ces vers issus de la chair et bien peu ragoutants. Ils semblent, en plus, faire une taille assez surprenante.

Je ne comprends pas non plus la boule qui est en dessous. S’agit-il d’une extraction des intestins ? Ou bien une espèce de furoncle géant ? Une autopsie a-t-elle été réalisée ? S’agit-il d’un rejet des organes internes, cause de mortalité ? Quelle chance de ne pas être médecin.

Je crois que la vérité est pire que cela. Imaginez-vous, sculpteur : on vient de vous commander un travail. A votre arrivée et les salutations terminées, on vous laisse seul avec Jeanne. Vous prenez les mesures, taillez les burins. Vous êtes prêts à travailler quand, tout à coup, vous remarquez que le ventre de la morte gigote. Avec courage dans une main et burin dans l’autre (pour vous protéger), vous arrachez la guimpe et découvrez les vers au travail.

Le sculpteur est allé voir la famille pour demander un supplément qu’il n’a jamais obtenu, alors, par vengeance il a sculpté Jeanne dans une représentation, la plus horrible et la plus réaliste qui soit. Comme la dalle fait plus d’un mètre quatre-vingt, la famille l’a cachée dans une église du Puy de Dôme. Et je ne vois pas d’autre explication.

Portrait d’un flûtiste borgne

2010-03-19T22:04:00.005+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Alstom, Société Générale, BNP, GDF Suez, Lafarge, Vinci, Total, Thales, Véolia, Safran. Je sais ce que vous vous dites : « Il a bien changé, depuis qu’il donne des interviews pour l’Agefi » (ici), « Il a pris le melon et a transformé ce blog en annexe des Echos, des pages saumon du Figaro ou de la Tribune ». Même pas vrai.

La liste de sociétés que je viens de vous dresser est issue de l’immense bannière tendue sur le mur du Louvre. Il s’agit des partenaires d’une exposition sur la Russie. Nous avons évoqué à plusieurs reprises le mécénat, et tout le monde sait l’intérêt économique qu’il revêt pour une entreprise. Car ne nous voilons pas la face, sans abattements fiscaux pas de mécénat.

Il est amusant de voir tout le gratin du CAC40 participer à une exposition sur la Russie. La précédente était consacrée aux Caftans à Istanbul et avait provoqué un engouement moindre chez les partenaires. Mais la Russie est un marché important à conquérir et tous se poussent du col pour être sur la bannière à côté du géant russe GazProm. La vignette de Géo fait presque figure d’erreur dans cette liste.

L’archipel du Goulag, la Tchétchénie, Anna Politkovskaïa, tout cela n’est rien face à des parts de marché. En visiteur impliqué dans la vie de la cité, j’ai décidé de boycotter cette exposition. Et je ne suis pas très fier qu’un conservateur ait eu besoin de tels soutiens/partenaires/mécènes pour organiser cette exposition. Cela traduit autant la misère des finances du ministère de la Culture que le manque de morale des entreprises française.

Tableau du jour : C’est une petite pièce carrée et sombre dans laquelle sont exposés des portraits du XVIème siècle. Elle semble un havre de calme dans les grandes salles du deuxième étage. Des accoudoirs, un peu hauts, permettent de se poser et d’admirer ces tableaux. Tous sont de taille modeste et représentent des anonymes ou des illustres, des musiciens ou des rois. Nous sommes alors à un tournant dans le mode de peinture, les portraits sont ressemblants tout en conservant un aspect un peu naïf. Parmi eux le portrait d’un flûtiste borgne (1566) dont le nom de l’artiste n’a pas traversé les siècles. Il fut longtemps attribué à François Clouet (Le peintre de François Ier).

Il rejoint la longue liste des tableaux d’infirmes, de mendiants cul-de-jatte à la Brueghel, de sourds sauvés par le Christ, de Bélissaire aveugle, de paralytique à la piscine de Siloë. La peinture se réjouit de représenter les souffrances de l'homme. Elle transcende l'homme par la souffrance. Et comme, pendant longtemps, ces drames ne furent que la punition divine d'une vie dissolue, il fallait, prévenir les masses, instruire les peuples. Nous avons donc une iconographie des maux assez dense et variée. Iconographie assez sérieuse pour qu’aujourd’hui si vous saisissez flûtiste borgne sur les moteurs de recherche, le premier site traite d’ophtalmologie et le second des instruments de musique. Dans les deux cas, ce portrait est une référence.

Dans ce tableau notre musicien a une certaine rigueur parpaillote dans la tenue et le port. La fraise est discrète et n'apparait qu'en simple liseré sur le haut du col. L'homme pose, ses doigts et sa personne. Il est un peu guindé et semble pourtant prêt à emboucher son instrument.

Vous me direz que l'engin a une taille impressionnante. Je dois avouer que je ne maîtrise pas du tout l'évolution, dans le temps, du modèle de la flûte à bec. Je suis resté sur un souvenir affreux de trente mômes massacrants "Au clair de la Lune" en classe de musique. Je ne sais si nous avons crevé des yeux, mais j'aurai donné cher pour avoir les oreilles défoncées et ne pas entendre la cacophonie.

Séance de pose : Nous avons tous eu la même remarque. Le flutiste s'est-il fichu son embout dans l'œil ? Et dans ce cas n'est-il pas préférable de garder ... un l'œil sur son instrument afin d'éviter de recommencer ? Flutiste borgne cela peut encore aller. C’est mieux que pianiste manchot.

Il a rejoint la triste liste des musiciens maudits du Rocky Horror Artist Band :
- Mauricette Raoul Follereau, lépreuse qui jouait de la harpe et offrait aux spectateurs des premiers rangs des bouts de steak haché à chaque glissement de ses mains sur les cordes,
- Park Itson, qui fit une fantastique carrière de joueur de maracas,
- Jeanne d’Arc, cantatrice sans parolier, dont l’air le plus connu est « Ce soir, on vous met le feu »,
- Dy Abeth, trop proche des feux de la rampe il caramélisait à cause de son diabète,
- Jésus Christ qui entre deux planches pu interpréter une partie du Concerto pour main gauche de Maurice Ravel, il cloua tout le monde sur place, y comprit lui,
- Al Zeimer, chef d’orchestre spécialiste de la Sonate de l’oubli.
Et, vous vous en doutez, je ne vois pas d'autre explication.

Tombeau de Valentine Balbiani

2010-03-18T22:04:00.005+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Alors que je parcours de nouveaux salles et salons et je dois constater qu’en un mois d’absence, le Louvre a varié ses accrochages. Je découvre de nouveaux tableaux, soit qu’ils étaient cachés dans la réserve ; soit qu’ils étaient dans les hauteurs des murs et donc éloignés de notre regard.

Ce véritable brassage des œuvres pourrait être lassant et fatigant. En effet toutes mes marques ont été effacées, je ne retrouve plus, là où je l’attendais tel ou tel tableau. Mais cela permet de passer plus de temps dans des salles que je ne faisais que traverser auparavant, de découvrir de nouvelles œuvres, de nouveaux artistes. On s’amuserait presque à partir à la recherche de ses anciens « chouchous », relégués ailleurs.

On regretterait presque que ces changements ne s’appliquent pas plus souvent aux statues. Elles semblent un peu figées … dans le marbre.

Sculpture du jour : Me revoici au rayon des sculptures. De la sculpture française, de la sculpture morte mais française. En effet il s’agit du tombeau de Valentine Balbiani (1573) réalisé par Germain Pilon.

Germain Pilon c’est une marque de fabrique, un style. Fils de sculpteur, sculpteur, père de sculpteurs, c’est une gage de qualité, de savoir-faire à la française, la renommée d’une maison sérieuse. Au départ il est nommé par le roi, contrôleur des Poinçons et Monnaies. Il se lassera du titre et de la fonction comme le prouve cette lettre adressée à son père resté dans le 9-3 « Je suis l’Poinçonneur des Lilas, le gars qu’on croise et qu’on ne regarde pas. Pour tuer l'ennui, j'ai dans ma veste, les extraits du Mercure de France et dans ce bouquin y a écrit que des gars se la coulent douce à Napoli ».

Avant d’être mis dans un grand trou et de ne plus entendre parler de trous, il opère une reconversion vers la sculpture de monuments funéraires. C’est un peu la planque de la sculpture. Le client revient rarement se plaindre. Il fait dans le monument mais aussi dans le gisant (François Ier, Henri II, Catherine de Médicis). C’est plutôt du hight level, il ne fait pas dans le paysan du coin. Sa niche professionnelle c’est la Couronne et l’aristocratie française.

Je reviendrai sur Valentine mais c’est son mari qui m’intéresse d’abord de part son titre : Cardinal. Cardinal René de Birague. Un cardinal marié, jusque là tout va bien. Notez qu’aujourd’hui ils sont en plus pédophile (Et l’on voudrait croire que nous vivons une époque moderne !!!). Donc notre cardinal est un Talleyrand italien avant l’heure. Prêt à toutes les bassesses ; soupçonné de plusieurs empoisonnements. Conseiller au Parlement de Paris, Gouverneur du Lyonnais, Surintendant des finances, Garde des sceaux et, last but not least, un des inspirateurs de la Saint-Barthélémy ; avant d’être récompensé du titre de Chancelier de France. Saint-Simon disait de lui qu’il était « homme sans aucun savoir, sans justice et peut-être sans religion, vendu à la fortune ». Nous parlons bien de René de Birague, je ne voudrais pas qu’un internaute découvrant le texte imagine un portrait dressé du Président du Sarkosysthan.

Le monument en lui-même. Ce n’est pas un gisant, c’est la mode de l’époque où le sujet est représenté « à la romaine » étendu sur une couche. Je ne m’attarderai pas sur le duo d’angelots entourant la belle. Elle y feuille un livre tout en laissant un toutou s’agitait près d’elle. Il faut admirer la finesse dont Piron fit preuve pour faire ressortir la texture de la robe, les mouvements de la fraise, même les poils du chien. J’avais déjà évoqué la difficulté du poil en sculpture. Pour ceux qui se souviennent de Maria Barberini Duglioli, il y a du Finelli dans ce travail.

Séance de pose : Nous savons que pour réaliser ce monument funéraire René de Birague passa un premier contrat et un second marché avec l’artiste. Mais nous ne connaissons pas le contenu de ces accords. Autre information, René vécut dix années de plus que sa chère et tendre.

Avant d’aller plus loin il est important de savoir que le monument est représenté tel qu’il a été réalisé. Vous avez donc Valentine et ses petits petons qui sont posés sur le haut du monument funéraire. Sur les côtés la paire d’anges mais ce que j’ai, volontairement masque c’est la face latérale qui est composé d’un panneau représentant la pauvre Valentine, non plus au temps de sa splendeur mais le jour de sa mort. « On m’a vu ce que vous êtes vous serez ce que je suis ».

Les affirmations qui suivent ne sont que supputations mais au vue du caractère de notre cardinal, j’aime assez l’idée d’un homme qui fait plaisir à sa femme encore vivante (elle a posé) pour la réalisation de son monument funéraire (C’est le premier contrat). Il achète alors le respect de sa moitié. Toutes les femmes sont pareilles et trouveraient magnifique une si belle représentation pour l’éternité.

Puis, une fois la mort passée, il effectue un second marché avec une représentation de la pauvre femme qu’elle était vraiment. Plus de réprimandes possibles de la défunte. Et lui il gagne une sorte de respect. En effet il ne devient plus le vieux barbon vivant avec une splendide femme mais au contraire le courageux homme de Foi s’étant coltiner cette vieille peau aux seins qui tombaient.

Je suis presque sûr que c’est ainsi que les choses se sont déroulées et je ne vois pas d’autre explication.

Intérieur de l'Oude Kerk à Delft

2010-03-17T22:03:00.005+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Voici le premier vrai article depuis ma rechute. J’ai revisité le Louvre ! Et puis j’ai replongé pour du lourd, pas de la frivolité française époque Régence, de la légèreté italienne ou du sérieux espagnol. Non je me suis fait de la lourdeur hollandaise. Du très, très lourd. De la vue d’intérieure d’église. Normalement cela devrait être interdit mais le Louvre en conserve encore quelques une.

C’est vrai que pour un amateur d’art français, la peinture d’église c’est plutôt les extérieures (les vues de la cathédrale de Rouen par Monet), on a bien un Corot perdu dans son église, mais chez nous, fille aînée de l’église, on ne s’amuse pas trop avec les lieux sacrés et consacrés.

Tableau du jour : Chez les bataves c’est une autre histoire. Il semble une figure de style, un exercice obligatoire à tout peintre. Elle réside dans sa vue Intérieure d’une église. Qui n’a pas peint cette vue là, n’a pas acquis sa peintritude, selon une poitevine célèbre. J’ai arrêté mon choix sur l’Intérieur de l'Oude Kerk à Delft de Hendrick Cornelisz. van der Vliet (à dater vers 1660/1670).

J’avais l’embarras du choix entre les Pieter Neefs (Le Jeune et le Vieux), de Witte, van Steenwyck. Mais pourquoi tant de peintures sur ces églises immenses, aux voûtes semblants tutoyer Dieu ? Pourquoi ne pas les peindre de l’extérieur ? La réponse venait de Brel « Avec des cathédrales pour uniques montagnes / et de noirs clochers comme mâts de cocagne ». Une église dans un paysage flamand, cela ressemble à un derrick en plein milieu du Texas, ce n’est pas beau, c’est seul et triste. Mais cela reste bien utile pour trouver sa route.

En outre l’intérieure d'une église présente l’avantage de proposer une perspective, inexistante dans le plat pays. Pas de gorge, de montagne, de ravin, de colline. Alors pour travailler la profondeur de champ, l’église est la meilleure alternative. Ajoutez à cela un temps de chien et vous comprendrez qu’il vaut mieux poser ses toiles et pinceaux, au sec, même si ce n’est qu’une église.

Sur Hendrick van der Vliet, nous indiquerons qu’il vécut au XVIIème et à Delft dont il rejoint la guilde des peintres en 1632. C’était un 22 avril, mais à confirmer. Il commence par les portraits. Mais des vrais portraits à la hollandaise, secs, sombres, sévères, avec des flamandes à bonne tête de flamande. Assez éloignés des délires néerlandais des mois précédents.

Vers 1651, un 7 octobre je crois, il s’oriente vers la peinture architecturale. C'est-à-dire d’église et plus précisément, l’intérieur d’église, et plus spécialement de la vieille église de Delft (la Oude Kerk). Il ne va plus peindre qu’elle. Il mourra en 1675. Mais sans causalité avérée avec ses peintures d’église.

S’il est inconnu sur Wikipédia vous pouvez admirer ses œuvre au Rijksmuseum, au Met, au Louvre et à Delft.

Séance de pose : Nous sommes aux Pays Bas, plus d’un siècle après le début de la Réforme. Je conçois le besoin de perspectives, il se traduit parfois par des dimensions surprenantes dans les rendus. Mais j’admire cette facilité à travailler dans une église catholique pour des peintres protestants. Il faudra attendre le début du XXIème siècle pour retrouver un tel prosélytisme puisqu’aujourd’hui les juifs sont prêts à s’installer chez les arabes de Jérusalem est.

Et puis je me suis rendu compte que derrière cet aspect très sobre, après tout une église reste très sobre, il y a en fait le désir de sacrilège. Aucun respect du sacré. Dans un premier lieu, la règle est la même pour un temple ou une église : les hommes se découvrent la tête, ici ils portent tous leur chapeau. Et puis que veulent dire ces messes basses en plein milieu de la Nef ? Préparation de messes noires, complots pour renverser les couronnes espagnoles et françaises avec l’appui de l’Angleterre et des Princes Alémaniques ? Ou simple discussion entre brasseurs et marchands de tissus ?

Mais vous en conviendrez, le pire ne réside pas dans ces salamalecs pseudo liturgiques ou protocolaires. Ce qui me surprend dans ce tableau c’est le trou qui est en train d’être creusé à l’intérieur de la nef.

J’aimerai avoir une réponse très drôle et toute faite, mais ce n’est pas le cas. Je n’ai que des bribes à vous proposer :
- On prépare une inhumation, ce n’est pas très malin car nous avons évoqué la pluie qui rend cet effort plus facile dans la terre du cimetière que sur la pierre de la nef,
- On prépare une exhumation. Là c’est vraiment sacrilège,
- On installe le tout à l’égout, le téléphone, l’électricité ou le câble. J’ai un doute sur le fait de n’avoir pas pu contourner le monument et devoir passer en plein milieu,
- On creuse une piscine.
C’est la meilleure des explications. En effet, la pluie empêche de pratiquer cette activité en extérieur. Luther et ses amis ont chassés les curés et les fonds baptismaux sont trop petits pour le dos crawlé. L’église vide devient alors un endroit idéal pour ce type d'infrastructure. Et je ne vois pas d’autre explication.

La rechute

2010-03-16T01:00:00.005+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Je sais ce que vous allez dire : « Cochon qui s’en dédit », « Il ne faut pas dire fontaine… ». Et moi, j’ai craqué. Bêtement, simplement mais j’ai craqué, j’ai fait une rechute. Je pensais être guéri et j’ai replongé à la première occasion.

J’aurais tenu un mois. Il faut dire que j’avais opté pour une méthode assez radicale. J’ai tout arrêté d’un coup. Je ne suis passé ni par les patchs, ni par une diminution progressive. Alors que j’étais assez accro. J’ai stoppé d’un seul coup, plus de Louvre, ni de billet.

J’en ai vu plusieurs, rire, dans mon entourage : « Tu ne tiendras pas trois jours », « Tu changes de boulot, tu penses vraiment que c’est le moment d’arrêter ? », « Attends les vacances ». J’ai fait le fier et j’ai craqué.

Une heure à perdre, un froid de gueux et pour me réchauffer le Louvre, à proximité. Comme tous les anciens, j’avais dans ma poche, la carte de membre que je retournais régulièrement, compulsivement. Et puis vous savez ce que c’est, on se promet de rester dans le carrousel et progressivement on s’avance vers les escalators pour tester sa résistance. Puis on tente deux, trois marches, on approche juste son nez d’une salle pour sentir la térébenthine et après c’est fini. On repart comme en 14, on retrouve les gestes, l’attitude, le regard des autres, la stature que cela donne. Bref, c’est reparti.

J’ai donc ressorti mon calepin, griffonné des noms, des œuvres, des remarques. Automatiquement mon œil est passé en mode « regard critique ». Rien ne pouvait m’arrêter, je retrouvais mes salles, mes marques, mes habitudes.

Tout de suite après, j’étais un peu honteux, alors je suis allé consulter. Le seul traitement c’est l’éloignement. Vous comprendrez donc que si ce second blog reprend la forme du premier, le rythme sera beaucoup moins soutenu. Je ne m’impose aucune règle de mise à jour. Venez quand vous le souhaitez, si c’est mis à jour tant mieux, sinon, revenez plus tard. Et je ne vois pas d’autre explication.

This is the end...

2010-02-15T07:00:00.044+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Maintenant vous pouvez vous promener au Louvre sans risque entre midi et deux, je n'y suis plus. Le billet de ce jour est juste pour moi, ma façon de remercier tous les lecteurs de ce blog. Ce dernier a été l’occasion de prouver que même le plus béotien des novices en matière d’art pouvait s’attaquer au Saint des Saints, le Louvre.

Dumas disait que l’« on peut violer l’Histoire à condition de lui faire de beaux enfants », ce fut ma ligne directrice tout au long de ces lignes. Je les reconnais tous et n’en renie aucun. Les pires doivent tenir de leur mère : la France. Puisque depuis Joachim du Bellay tout le monde sait que La France est mère des arts, des armes et des lois.

Merci à Wikipédia et Google d’avoir pallié mon inculture ou mes trous de mémoire. D’avoir mis à ma disposition une base documentaire et iconographique de qualité. Une seule fois, j’ai été induit en erreur par votre faute. Et encore, cela aurait pu passer inaperçu, si ce n’était la conscience professionnelle (ici).
Merci, surtout à toi, Lecteur, d’avoir consacré ton temps à lire mes carabistouilles artistiques, à rire, pouffer, jurer, maudire, haïr, contredire ou simplement admirer (je sais que vous êtes nombreux) mes explications et commentaires.

Tableau du jour : Voici en quelques vignettes le résumé chronologique de toutes les œuvres présentées sur ce blog et pour plus de détail un sommaire est à votre disposition (ici).

Au final cela fait tellement de peintures et de sculptures et tellement peu à la fois en comparaison avec la quantité disponible. Je rappelle que le Louvre bénéficie d’un fond de 450 000 œuvres et n’en expose « que » 35 000. Pour traiter l’ensemble des œuvres présentées (je n’envisage même pas la réserve) il me faudrait plus de 150 ans. En voici une petite centaine, je vous laisse compléter.

Séance de pause : Pendant cinq mois j'ai eu l'occasion de découvrir le Louvre. Ai-je vraiment tout vu de ce musée que l’on dit impossible à visiter en une seule journée ? Je ne pense pas mais je pense avoir présenté une vision des plus justes de la richesse du lieu (exception faite des antiquités égyptiennes, mais depuis Les 7 boules de cristal, je n’aime pas beaucoup les momies).

Que vais-je faire à présent ? Plus de blog pour le moment. Quant aux musées je vais m'accorder une petite pause. A la façon d'un Fabrice Luchini dans le film de Jean-Michel Ribes Musée Haut Musée Bas :

A rebours, je me rends compte que mes tableaux préférés ont donné lieu aux plus mauvais billets et qu'à l'inverse je me suis surpassé sur des œuvres avec lesquelles je n'avais pas beaucoup d'affinité. J'aurai aimé dire mieux la puissance des Géricault, la beauté des tableaux italiens et la lourdeur flamande. C'est tout le contraire qui en est ressorti. La conclusion c'est que la fréquentation du musée a modifié ma vision, mon interprétation, alors pourquoi pas la vôtre ? L’autre conclusion serait que je suis un mauvais critique d’art.

Oubliez vos visites familiales et/ou scolaires et venez revisiter ce splendide endroit et ses magnifiques collections. C’est encore mieux que ce que j’ai pu écrire, plus beau, plus grand, plus Louvre et je vois cent autres explications.

La Joconde

2010-02-12T07:00:00.013+01:00

Aujourd’hui au Louvre : C’est fini ! Voici la dernière chronique, le dernier billet de ce blog. Dans cette rubrique je veux évoquer toutes les œuvres que j’avais noté mais que faute de temps je ne traiterai pas et que je vous invite à aller admirer car elles valent celles évoquées.

Dans les sculptures : Le règlement des joueurs de cor de la IIIème légion Augusta, L’enfant et l’oie, Oreste et Pylade, le Mercure volant de Jean Boulogne, Le tombeau de Valentine Balbiani de Germain Pilon, le Retable des 14 intercesseurs, le Christ en croix, Apollon vainqueur du serpent python, Guerrier combattant, Centaure marin portant un silène, un silène ivre, Gaulois blessé, Pupien, et quelques autres.

Dans les peintures : Nature morte aux homards de Delacroix, Scène de la Saint Barthélémy de Robert-Fleury, Le derby de Géricault, Bélissaire demandant l’aumône de David, Le lion de Florence de Monsiau, L’air ou l’optique et La terre ou le paradis de Jan I Brueghel, Translation des corps de Saint Gervais et Saint Protais de Philippe de Champaigne, La bataille d’Arbelles par Le Brun, Vénus et l’amour épiés par un satyre de Goltzius, Le calvaire de David I Teniers, tous les tableaux de Giovanni Paolo Pannini, Singe peintre de Chardin et beaucoup d'autres.

Tableau du jour : Pour clore cette série de visites au Louvre, un seul tableau s’imposait, celui que j’ai contourné pendant six mois, évité, critiqué, détesté. THE tableau du Louvre, la seule raison d’une visite pour beaucoup de gens, je veux bien entendu parlé de La Joconde de Léonard de Vinci (vers 1503 - 1506).

Présentation de la Joconde extrait de La Joconde film d'Henri Gruel et Jean Suyeux :

tilidom.com

Je vous fais grâce d'une bio de Léonardo, du découpage et de la composition du tableau et de l’énigmatique sourire de Mona Lisa. Je préfère conserver quelques anecdotes qui participent certainement à la légende du tableau :

La première, c’est l’histoire d’un barbouilleur invité par le roi de France et qui va de Florence à Amboise paré et bâté à dos d’âne emportant avec lui le minimum, dont ce tableau qu’il considère, déjà, comme son chef d’œuvre et que Louis XIV aimait tant qu’il l’exposa dans le cabinet du Roi à la vue de tous. La Joconde sourit, blasée de ces visiteurs qui la shootent, elle qui s'est régalée pendant longtemps des saillies régaliennes sur la Montespan, la Maintenon ou la Fontanges.

La seconde anecdote date du début du siècle (1911) quand un italien (Vincenzo Perugia) voulant restituer le tableau à son pays d’origine, le vole, de nuit, en s’enfermant dans un réduit, au moment où les visiteurs quittent le musée. On soupçonnera Guillaume Apollinaire ou même Pablo Picasso d’être les auteurs de ce vol. Pendant deux ans, Vincenzo a le tableau caché dans une valise sous son lit. De retour en Italie il le propose à un brocanteur florentin qui donne l’alarme et restitue le tableau au Louvre.

La troisième anecdote prouve que La Joconde était destinée à rester sous les lits pendant ce XXème siècle. En effet le conservateur du Louvre quittera Paris, devant les armées allemandes, en emportant ce tableau, qu’il conservera (c’est son métier) sous son lit d’exil du château de Montal jusqu’en 1945.

La dernière anecdote concerne la renommée du tableau. 77 cm sur 53 cm, il s’agit d’une huile peinte sur un panneau de bois de peuplier (et non sur une toile), protégée comme un pape derrière une vitre blindée, accueillie comme une rock star lors de ses rares escapades (Washington, New York, Moscou, etc). Aujourd’hui le drame de la Joconde c’est qu’elle ne peut pas être enlevée avec un panneau « La Joconde est en réfection », renommée oblige. Le tableau s’assombrit donc, faute de traitement. Et je dis que quand 6 millions de personnes se déplaceront en France pour admirer une femme toute noire nous aurons définitivement réglé le problème de l’identité nationale.

Séance de pause : Je n’ai aucun atome crochu avec ce tableau, je ne comprends pas l’engouement qu’elle provoque. Je ne comprends pas qu’une femme puisse, comme en août 2009 jeter une tasse de thé vide à sa face. Il s’agissait d’une moscovite dont on peut dire qu’elle n’avait pas du thé russe. La pauvre.
Extrait de Musée Haut musée bas de Jean-Michel Ribes :

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Plus sérieusement ce tableau me gonfle et si ce blog ne devait avoir qu’une seule raison, c’est de montrer que tous les tableaux ont une histoire, une explication, une force et une beauté parfois moins facile d’accès que chez la grosse italienne mais souvent bien plus riche. Et puis rassurez-vous, cela fait plus de quatre cent ans que personne n'a compris le mystère de son sourire, alors ce n'est pas vous qui allez apporter la réponse. Cela se saurait.

Au lieu d’être poussé par un flot de touristes moutonniers, écartez-vous et regardez tous les autres tableaux. Vous serez seul, au calme, vous pourrez vraiment vous en approcher sans craindre un reflet désagréable ou le flash des appareils photo.

Et puisqu'en France tout finit toujours en musique, sur des paroles de Paul Braffort, repris par Barbara, le menuet de la Joconde :

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Ne vous inquiétez pas pour les multiples représentations qui suivent. Elles sont vulgaires, de mauvais goût et ne traduisent qu’une mode et le fait que l’utilisation de ce tableau est libre de droit. Je ne vois pas d’autre explication.

Ami lecteur tu as déroulé toute la page alors toi seul saura que je ne vais pas clore ces visites du Louvre sur des parodies de La Joconde. Dernier billet lundi et on parlera de toi.

La Minute nécessaire de Monsieur Cyclopède de Pierre Desproges :

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Départ de Jacob en Mésopotamie

2010-02-11T07:00:00.014+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Hier je notais la présence de nos doubles dans les musées (enfin je notais surtout la présence des miens, les vôtres je m’en fiche un peu). Aujourd’hui je reçois une lettre du conservateur en chef du Louvre « Monsieur, afin d’honorer le travail de vulgaire vulgarisation de l’art que vous avez opéré à cœur ouvert pendant six mois, le Louvre souhaite vous rendre hommage. Plusieurs possibilités sont envisageables : portrait ou sculpture réalisé par nos services, plaque commémorative, réception en présence de ministres (à choisir par vos soins). Je reste à votre disposition, [bla, bla, bla]. Veuillez agréer Monsieur, [bla, bla, bla] ».

Évacuons tout de suite les ministres. J’ai bien sûr pensé à une peinture et je me suis souvenu de Gabriel d’Estrées reléguée dans son angle. Peut-être que mon portrait n’atteindrait même pas un angle du 2ème étage et serait relégué d’office au fond du Louvre. Une sculpture présentait les mêmes inconvénient et risque. Et dans le cas contraire, où me mettre (Ce n'est une invitation pour personne ! Juste un problème d'agencement). Si c’est pour me retrouver tout nu, cour Puget, c’est des coups à choper une pneumonie. Il y avait bien la plaque commémorative, mais sauf à ce qu’elle soit posée sur une des faces de la Pyramide, cela fait mesquin.

Heureusement qu’il me restait une solution : La rue de Rivoli. En effet, le long de la rue de Rivoli, nous avons immortalisé les plus grands boulevards et avenues de Paris (Kléber, Lannes, Masséna, Périphérique, etc). En plus, au bout du bout, il reste de la place (au niveau des Arts Décoratifs), il y a des niches vides. Une sculpture de moi serait parfaite à cet endroit. J’ai donc envoyé des croquis à Monsieur le Conservateur. Dans l'attente d'une réponse de sa part.

Par contre je veux un système d’infra sons, Il est hors de question que les pigeons me fassent caca dessus. Je ne voudrais pas que l’on touche à un poil de mes cheveux.

Tableau du jour : Oui, je sais, je reviens toujours à mes premières amours hollandaises, c’est plus fort que moi. Mais peut-on vraiment se passer de Pieter Boel et de son Départ de Jacob en Mésopotamie (entre 1660 et 1665) ? Oui on peut largement s'en passer. Mais pour les besoins du billet nous dirons que non.

Boel travaille sous Louis XIV à la Manufacture des Gobelins. Quand je dis sous Louis XIV, il ne faut pas l’imaginer avec une charge de Premier Paillasson du Royaume. Il est juste en France au moment où Louis XIV règne. Ses peintures d’animaux (celles de Boel pas de Louis XIV, vous le faites exprès où quoi ?) servent de modèle aux tapisseries exécutées sous la direction de Charles Le Brun. Ses représentations animales sont basées sur l’étude de la Ménagerie du Roy à Versailles. Il est amusant de penser que deux bonshommes regardaient ensemble des perroquets se grimper dessus. Le premier c’était Pieter Boel, le second Jean de La Fontaine. De cette observation ressort son goût pour la nature et la nature vivante. Au siècle de l’omniprésent Louis XIV, il s’affranchit des règles de la représentation humaine pour se consacrer à la faune et à la flore. Même remarque pour un autre batave (Vincent Van Gogh) qui au lieu de peindre les cabarets impressionnistes parisiens préférera toujours les tournesols auversois. Je ne sais pas ce qu’ils ont ces néerlandais mais ils doivent fumer de la tulipe dès le berceau.

Si je vous demande dans quel livre un homme se tape sa femme, la sœur de cette dernière, leurs bonnes, voit sa fille se faire violer et arnaque son frère, vous allez me citer les bas fonds américains d’un Ellroy. Le priapisme d’un bourgeois de Zola. Les boyards arriérés de Tolstoï. Et bien non ! C’est dans la Bible (Gn°27 et suivants).

Le seul moyen pour Pieter Boel de s’affranchir du profil boubonnais, c’est une vague évocation biblique avec ce départ de Jacob en Mésopotamie. Alors je vous vois déjà râler « Quoi Jacob ! Il veut nous faire remonter à Mathusalem ? Et puis Exopotamie, je connais, j’y suis allé le week end dernier, acheter des meubles en rotin ! » Vous avez presque raison. Jacob est le fils d’Isaac, petit-fils d’Abraham. Vous voyez que nous nous arrêtons bien avant Mathusalem. Mais si vous ne saviez pas déjà cela, je vais vous expliquer pourquoi il part en Irak.

Jacob a un frère jumeau Ésaü à qui il échange son droit d’aînesse contre un plat de lentilles. Avant de mourir, leur père, aveugle (le Isaac qui a failli être poignardé par son père), veut rétablir Ésaü dans ses droits, mais dupé par sa femme (Rebecca), il donne sa bénédiction à Jacob. A ce stade vous imaginez comment Ésaü est vénère. Pour mémoire Romulus a zigouillé Rémus qui jouait à saute-mouton au-dessus de son sillon. Donc Ésaü, il va le transformer en petit salé le Jacob. Ce dernier est donc contraint à la fuite vers … la Mésopotamie. C’est ce départ que représente Boel.

Séance de pose : Il faut bien admettre que l’histoire des Patriarches, l’Échelle, le combat contre l’ange, Pieter Boel s’en fiche royalement. Ce qu’il veut c’est qu’on le laisse tranquille, lui, ses fleurs et ses animaux. Mais il cherche un peu les reproches avec ce tableau.

Vous trouvez franchement que nous avons là, le matériel nécessaire pour faire Israël-Irak ? Pensez-vous vraiment que le bouleau soit l’arbre qui symbolise le mieux le pays de Canaan ? J’ai déjà organisé quelques voyages et je me permets de donner des conseils à Jacob.

A garder pour son voyage : les ânes mais à condition qu’ils soient bâtés pour porter les malles. A quelques minutes du départ est-il bien raisonnable que toute la vaisselle soit toujours en vrac ? Que le tapis ne soit pas plié ? Que la tente ne soit pas roulée ?

Est-il vraiment nécessaire de prendre ces colliers de fleurs ? Un voyage dans le désert c’est un peu long et dur. Il faut voyager léger. Ces lourds caquelons de cuivre, d’argent et de bronze sont-ils utiles ? Surtout qu’entre temps les volatiles auront déféqués dedans. Vous me direz que ventre affamé n'a point d'oreille et que cet apport de protéine sera très utile en plein désert.

D’ailleurs dans les animaux un tri est aussi à opérer. Que faire de canards ? de tortue ? de lapin ? Les chiens, chèvres et oies on les attache. Quant aux paons, au risque de décevoir, ils dégagent. C’est la fuite d’un frère poursuivi par son aîné, pas la Grande Parade du Cirque Zavatta.

Le reste de la vie de Jacob n’est pas mal du tout. Il se réfugie chez Laban et doit travailler 7 ans pour ce dernier avant d’espérer pouvoir épouser sa fille Rachel. Puis il retravaille 7 ans par Laban lui a fait épousé Léa à la place de Rachel (il est un peu con Jacob). Rachel est stérile alors il se tape la bonne de Rachel et même la bonne de Léa (Bilha et Zilpa). Et le tout sans avoir divorcé des deux autres. Oui c’est la partie très sexe de la Bible. Celle où Noé se balade ivre et nu, celle du Cantique des Cantiques (Il me baisera des baisers de sa bouche; oui, tes étreintes sont meilleures que le vin. À l'odeur, tes huiles sont bonnes, ton nom est une huile jaillissante; aussi, les nubiles t'aiment.), où tout le monde baise à couilles rebattues pour peupler la Terre de bons petits chrétiens.

Et voilà notre Jacob qui rentre au pays 20 ans après, avec 4 femmes et 12 enfants, fruits de ses coucheries et amours ancillaires (Depuis le temps que j’essayais de placer ce mot !). Jacob change de nom est devient Israël, il se réconcilie avec son frère. Les 12 enfants (Ruben, Siméon, Lévi, Juda, Dan, Nephtali, Gad, Aser, Issachar, Zabulon, Dinah, Joseph et Benjamin) vous voyez ce qu’ils vont donner ? Les 12 tribus d’Israël. En recomptant vous arriverez à 13. Il y a sa fille Dinah dans le lot, mais elle se fait violer, enfin du très classique dans la Bible et c’est assez secondaire, dans son traitement biblique j'entends (Peine pour le violeur : La circoncision). Et je ne vois pas d’autre explication.

La mort de Saphire

2010-02-10T07:00:00.018+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Il va de soit que l’histoire qui suit est totalement vraie. Je me promenais dans les étages du Louvre quand une américaine se retourne vers moi et me montre un tableau : Is it you ? Je lui fais signe que non et je continue ma promenade. Non mon américaine n'était pas Scarlett Johansson mais plutôt sa grand-mère. C'est pour cela que j'ai continué ma promenade.

J’étais donc cela ? Léon Riesener peint par Delacroix ! Devais-je être flatté ou affecté ? Je ne trouvais aucune ressemblance entre le cousin d’Eugène et moi (Delacroix et lui étaient cousins germains). Pourquoi personne ne trouve que je ressemble à un Hercule tout en muscles ? ou mieux, une Diane chasseresse ?

A moi le peintre neurasthénique qui passe son temps à peindre la Normandie. Mes pinceaux ne sont que numériques mais je ne suis pas convaincu du résultat.

Comme nous avons des sosies, nous aurions aussi nos doubles dans les musées. Et je découvre cela à trois jours de partir. Je n’aurai jamais le temps de vérifier tous les tableaux pour m’en assurer.

Tableau du jour : Que devient-on quand sa jeunesse n’a été qu’une suite de quolibets « En avant poupoule », « Ça roule ma poule », « Tu as des mollets de coq ! ». Dur, très dur de s’appeler Nicolas Poussin dont nous verrons, ce jour, La mort de Saphire (vers 1652). Un de moins, je suis certain de ne pas trouver mon image sur ce tableau. Plus que 34 999 oeuvres à vérifier.

Que dire sur Nico ? Il quitte ses parents, fait des allers-retours entre Rome et Paris, rencontre Philippe de Champaigne, décore avec lui le Luxembourg, ne suit aucun cours académique mais travaille en autodidacte. Revisite l'Italie et à son retour en France il devient Premier peintre du Roi et Directeur général des embellissements des maisons royales.

Richelieu le charge des travaux du Louvre, Poussin se spécialise dans la finition des plinthes et des moulures sur les portes. Cette promotion lui attire les foudres de Simon Vouet qui ne fait rien qu’à faire pipi dans sa peinture. Nico repart à Rome avec la promesse faite à Richelieu et Louis XIII de revenir. Les deux derniers meurent, Poussin considère l’engagement rompu, il reste à Rome où il meurt à son tour. C’est idiot car tout le monde sait qu'avant de mourir c’est Naples qu’il faut voir et non Rome. Bref Nicolas Poussin, un peintre sympa mais il ne fallait pas trop l’embêter, sinon il partait bouder en Italie.

Tous ces peintres avaient une charge ronflante (Premier peintre du Roi, de la Reine, du Cardinal de MesBoules, Directeur des embellissements, Premier porteur de Bourdaloue), mais en plus un petit surnom. Nico c’est Le peintre des gens d’esprit. En clair si vous ne comprenez pas Poussin c’est que vous avez un Q.I. de poule.

La peinture de Nicolas c’est toute l’influence italienne, le travail sur les perspectives, les scènes religieuses, le goût pour l’architecture, le détail de l’anatomie. Tout est ici concentré dans la mort de Saphire. Mais qui est donc cette Saphire ??? Je suis assez surpris que vous ne connaissiez pas mieux que cela les Actes des Apôtres dont elle est un des personnages. Saphire est la femme d’Ananie, ils habitent Damas et c’est Ananie qui conférera le baptême à Saint Paul. Il est célébré le 25 janvier (Ananie, pas le baptême). Et comme il était très fort on l'appelait Super Ananie. Mais pourquoi donc consacrer un tableau et Saphire et non à Saint Ananie ? Nicolas Poussin peint Saphire qui est convaincue par Saint Pierre de mensonge par avarice et qui tombe raide morte à ses pieds. Je n'ai pas trouvé plus d'information sur la mort de cette pauvrette et sur son mensonge.

Séance de pose : Un petit coup de lignes de fuite pour que vous compreniez bien ce principe dans les tableaux fin Renaissance début classicisme.

Attention derrière l’aspect morbide de cette scène il ne s’agit en fait que de théâtre. Regardez la composition du tableau. La balustrade forme en fait le fond de la scène, le reste n’est que décor. Un peu comme dans les ports du Lorrain.

Vous doutez ? Regardez les acteurs qui dans un style pagnolesque en font des tonnes. Regardez cette femme qui porte son enfant à bout de bras. Est-ce vraiment un spectacle pour des enfants ? Oui, si c’est du théâtre.

Car si ce n’est pas du théâtre c’est flippant. Vous imaginez le super pouvoir de Super-Saint-Pierre : Tu as menti alors meurs de suite. Et vlan ! On meurt. D’abord notons qu’il existe une graduation du mensonge dont le pire de tous, est un mensonge par avarice. Est-ce pire qu’un mensonge par orgueil, par paresse ou par luxure ? Tous sont pourtant des péchés capitaux.

Pour quelles raisons le concierge du Paradise foudroie-t-il les gens ? M’dame Saphire avait encore oubliées ses clés ? Peut-être que Saint Pierre lui a dit « T’as pas cent balles ? », elle a répondu non et hop morte sur le coup. Alors qu'en fait elle avait cent balles. Il est un peu tendu le Saint Pierre.

Que tous les menteurs se rassurent, il y a beaucoup d’esbroufe derrière tout cela. Regardez mieux la pauvre Saphire, elle doit avoir 75 ans, elle est déjà toute verte, je pense qu’elle était malade avant et que Pierre fait du cinéma devant ses copains pour impressionner les filles. Filles qui préfèrent se détourner de lui.

Vous vous souvenez des cadavres en chaussette sur le radeau de la Méduse, car Géricault ne savait pas peindre les pieds. Vous vous souvenez du trait rougeâtre sur les portraits de Renoir, car il ne savait pas peindre les bouches. Vous vous souvenez de Walt Disney qui mettait des gants à Mickey, car il ne savait comment dessiner des griffes. Et bien avec Nicolas Poussin nous avons les billes noires. La notion de pupille et d’iris lui semble totalement inconnue et en guise d’œil il n’y a qu’un rond noir. Cela donne un aspect morbide à tous ses personnages. Et savez-vous pourquoi ?

Les femmes un peu légères, en regardant les tableaux de Nicolas avaient toujours un excès de sensibilité qui noyait leurs yeux de larmes. Et Poussin, les poules mouillées cela le gonflait depuis la maternelle. Je ne vois pas d’autre explication.

L'astronome

2010-02-09T07:00:00.016+01:00

Aujourd'hui au Louvre : Les chroniques restantes peuvent maintenant se compter sur les doigts d’une main (et normalement, pas une main de martien avec 45 doigts). Je souhaite profiter de celle-ci pour saluer tous les artistes. J’ai rarement été tendre dans les rapides biographies que j’ai dressées d’eux, raillant leur vie, réduisant leur influence à un mauvais jeu de mot, surexposant leur petitesse ou accointance avec les pouvoirs en place.

Cette chronique est donc pour tous ceux et celle qui ont décidé que leur vie serait l’occasion de présenter leur temps grâce à de l'huile, des pigments et des poils de blaireau. Ont-ils tous travaillé avec le souhait d’une éternité poussiéreuse dans un musée ? J’en doute. Chacun à sa manière a présenté les goûts de son époque dans le seul et unique but d’avoir de quoi manger le lendemain. C'est surtout ça l'art.

Voici donc un aperçu de quelques uns de ces artistes ; de haut en bas et de gauche à droite : Jean Siméon Chardin, Antoine Watteau, Eustache Le Sueur, Philippe de Champaigne, Le Carage, François Boucher, Jérôme Bosch, Giuseppe Arcimboldo, Andrea Mantega et Horace Vernet, Quentin-Latour, Pietro Perugino, Théodore Géricault, Claude Gellée dit Le Lorrain, Eugène Delacroix, Léonard de Vinci, Simon Vouet, Alexandre-Gabriel Decamps, Charles Le Brun, Jean-Honoré Fragonard, Antoon Van Dyck, Jean Auguste Dominique Ingres, Giotto di Bondone, Hubert Robert, Jacques-Louis David, Francisco de Zurbaran et Barend Van Orley.

Tableau du jour : J’avais promis d’arrêter les flamanderies et pourtant Mister Flamand devait être là. The Flaming Painter, je veux parler de Johannes Vermeer et de L’Astronome (1668), qui revient d’une exposition et que j’ai longtemps cru ne pas voir comme le Tricheur à l’as de carreau.

Sur Vermeer nous rappellerons sa vie à Delft durant le siècle d’or de la peinture baroque néerlandaise. Son truc c’est la scène de vie domestique dans un style raffiné. Vingt ans de carrière, une quarantaine de tableaux, il faut reconnaître qu’il ne s’est pas tué à la tâche. Si Paris valait bien une messe, Le Gouda vaut bien un mariage. En effet assez pauvre, Johannes épouse une fille de marchands de fromage. Il se convertir au catholicisme et au coïtus interruptus. Il aura onze enfants dont deux morts en bas âge (Maria, Elisabeth, Cornelia, Aleydis, Beatrix, Johannes, Gertruyd, Franciscus, Catharina et Ignatius). Non je n’ai pas trouvé ces informations sur la page Facebook du peintre mais juste dans les registres paroissiaux.

Si j’évoque ce détail c’est qu’il est déjà très difficile de rédiger des billets quotidiens avec deux enfants dans les jambes, alors peindre avec une équipe de foot à la maison c’est insupportable et cela explique certainement le rythme faible de sa production. Rien des nuisances familiales ne ressort pourtant dans ses tableaux où tout semble n’être que calme, luxe et volupté.

Puis Vermeer meurt et sombre dans l’oubli. C’est le journaliste parisien Thoré qui sortit Vermeer de l’oubli, lui attribuant au passage des œuvres qui n’étaient pas de lui. En raison du peu de lisibilité sur la vie de l’artiste il l’avait même surnommé le Sphinx de Delft. Cette redécouverte donne à Vermeer une place au Walhalla de la peinture. Sa Jeune fille à la perle étant même surnommée la Joconde du Nord. En raison du bleu de ses yeux qui manque à son décor.

Séance de pose : Je ne suis pas un spécialiste de l’agencement dans les maisons des Pay-Bas mais c’est à croire que toutes les fenêtres ne sont que sur la droite (donc la gauche sur les tableaux). Si cela est frappant chez Vermeer, on le retrouve aussi chez Le peseur d'or et sa femme de Quentin Metsys ou Les collecteurs d’impôt de Marinus van Reymerswaele. Quant à Vermeer il ne s’est pas trop embêté avec les intérieurs. Il avait deux variantes, un sol carrelé blanc et noir (gros carreaux) ou rouge et noir (petits carreaux). L’autre variante c’est une fenêtre simple ou une fenêtre décorée. A croire que l’architecture flamande est précurseur des maisons Merlin.

Voici donc L’Astronome ! Pour bien comprendre ce tableau je dois le mettre en perspective avec Le Géographe, du même peintre, qui est au Städel Museum de Francfort. Je vous rappelle aussi que Monsieur Johannes ne peignait que deux tableaux par an. Peignait mon cul ! Copiait-collait plutôt. Regardons plus en détail les deux œuvres.

Même monsieur,

Mêmes mains,

Même globe,

Même drap et même drapé,

Même meuble,

Et quand on croit que la décoration est originale, on la retrouve en fait dans un autre tableau de Vermeer.

Vous me direz que Vermeer a peint deux fois le même Monsieur, dans le même bureau et que ceci explique toutes les similitudes. Parfait, expliquez-moi comment on est Astronome en 1668 et Géographe en 1669, pourtant année érotique s'il en est. Je ne trouve pas très encourageant pour les jeunesses du monde entier de faire l’allégorie de personnes qui se présentent sous des titres qu’elles n’ont pas.

Je ne suis peut-être pas le mieux placé en la matière mais je voudrais bien que l’on m’explique ce que fait un astronome comme calculs et recherches en plein soleil. Il n’est pas évident que c’est en se caressant la ou les boules que Galilée a découvert la rondeur de la Terre. Cet astronome est un escroc et je ne vois pas d’autre explication.

Gabrielle d’Estrées et sa sœur la duchesse de Villars

2010-02-08T07:00:00.013+01:00

Aujourd’hui au Louvre : La Pyramide qui trône au milieu de la cour Napoléon. 20 mètres de haut, 35 de côté, la pyramide sert d’entrée principale au Musée du Louvre, de chapeau et de puits de lumière au Grand Hall d’accueil situé en dessous. Elle marque aussi le contraste entre ancien et moderne, sans dénaturer l’axe historique, puisque l’axe ne débute pas dans la Cour Carrée mais par la statue équestre de Louis XIV (entre les deux, un décalage de 6,3°, pour les puristes).

Mais la pyramide c’est aussi le pays des mythes et légendes urbaines. Évacuons l’idée d’un François Mitterrand se voyant en Sphinx et qui aurait fait ériger cette pyramide selon les modes et ses désirs pharaoniques. L’idée de la pyramide à cet endroit date de 1809. Elle est tirée d’un Mémoire de Monsieur Bernard Balssa qui propose de construire une pyramide en reconnaissance national à l’Empereur (et accessoirement en symbole maçonnique). Le fils de Monsieur Balssa laissera une trace plus profonde dans l’Histoire en modifiant son nom en Balzac.

Autre légende, les 666 vitres. Dans l’Apocalypse selon Saint Jean, 666 est le nombre de la bête, du Diable. Rapidement lors de sa construction on a évoqué les 666 vitres qui la constituent. Puis cela est un peu tombé en désuétude. Il a fallut attendre Dan Brown et son Da Vinci Code pour que l’idée revienne à la mode. Tout est beau mais faux. La Pyramide est constituée de 603 losanges et 70 triangles. Oui mais si j’ajoute 603+70 facettes+1 porte j’obtiens 674+112 facettes pour la pyramide inversée –120 facettes pour les petites pyramides je trouve 666. C’est limpide. Vade retro Satanas. Et si ma tente en avait, on l’appellerait mon oncle.

Tableau du jour : Un des grands chefs d’œuvre de l’École de Fontainebleau avec Gabrielle d’Estrées et sa sœur la duchesse de Villars (1594). Gabrielle est à droite et la duchesse de Villars à gauche.

Créée par François Ier pour occuper ses immigrants italiens, peu de chose à dire sur l’école de Fontainebleau, si ce n’est, un autre tableau, de la même usine, cité sur le blog (ici).

La femme au bain est un classique de la peinture de la Renaissance. Et puisque nous avions vu François Ier par Jean Clouet voici un tableau de son fils François (Fils de Jean pas du roi) assez proche de notre tableau du jour. Tout se suit, s’emboîte, se complète à la perfection sur ce blog, c’est merveilleux.

Voici du bel ouvrage européen. Peint en France, dans un style italien avec des aspirations flamandes et pour le roi de Navarre. Style italien pour la sensualité de ces corps qui partagent la même baignoire. La construction du tableau, un intérieur avec des lignes de fuite organisées vers le fond de la maison, est très proche des aspirations flamingantes. Quant au sujet, il s’agit de Gaby la « presque reine » de Henri IV.

Sur Gabrielle d’Estrées nous avons des descriptions d’époque très détaillées : « blonde, dorée, d’une taille admirable, d’un teint et d’une blancheur éclatante », « blonde aux yeux bleus, aux sourcils admirablement dessinés, avenante et potelée » ou encore « belle, mignonne, un peu fade et sans trop d’esprit ». Que des qualités !

Elle était la maîtresse du Grand Écuyer du roi, Roger de Bellegarde. Henri IV étant sous le charme, il éloigne Roger, par convention la marie à Nicolas Damerval de Liancourt, la fait divorcer, crée pour elle le duché de Beaufort et, enfin libre, la fait venir à cour pour en faire sa maîtresse et ainsi grimper à l’échelle ... de Beaufort. Des assauts du Vert Galant, naîtront quatre enfants, dont le futur duc apanagiste César de Vendôme. Apanagiste n'est pas le nom d'une tribu d'Amérique du nord mais vient du mot Apanage. Un apanage était un fief donné par le roi sur le domaine royal. De nos jours nous pourrions parler d'un MEDEF apanagiste, tant l'État donne au privé le domaine public. Attention cela ne concerne que l'État. Ne dîtes pas "Ben j'ai vu les sœurs machin, elles m'ont donné une culotte apanagiste". Même si les tas c'est elles.

Séance de pose : Je sais ce que vous pensez. Vous vous dîtes que ce geste d’affection de la jeune duchesse vers sa sœur en lui pinçant le téton et un symbole de la grossesse de Gabrielle. Idée renforcée par la vieille qui est en train de coudre une layette ! Et bien non, pas du tout il s’agit juste de deux lesbiennes en train de se récurer.

Mais vous êtes incroyables ! Voici un magnifique tableau en trompe-l’œil avec ces rideaux rouges et le drap du bain qui entourent l’œuvre et vous ne regardez qu’un bout de nichon tripoté par une autre fille. Personne pour s’interroger sur l’anneau que tient Gabrielle. C'est le roi qui lui a offert, accompagné de la dédicace suivante "Tu brûles mon esprit, ton amour étrangle ma vie. Et l'enfer, devient comme un espoir car dans tes mains je meurs chaque soir. Ton Riton".

Personne pour plaindre la pauvre servante qui se détruit les yeux à coudre. Personne pour s’étonner de la forme de la baignoire. Le positionnement des corps est problématique aussi. Elles sont trop proches du bord pour que les jambes puissent tenir. Personne pour s’interroger sur la date à laquelle ce tableau est entré dans les collections du Louvre (1937). Personne pour savoir si le tableau est correctement exposé.

Et bien non. Ce tableau est très, très mal exposé. Vous avez sous les yeux un des cents tableaux au monde les plus connus et il est relégué au deuxième étage, dans un angle, un passage. Mais surtout depuis plus de 5 mois un copiste travaille devant, rendant son examen de près trop difficile.

Hommes de peu de foi, vous doutez de l'importance de ce tableau ! Voici un petit aperçu des détournements que l'on trouve sur internet. N'est-ce pas là, une preuve d'importance et une forme de reconnaissance ? Je ne vois pas d'autre explication.

François Ier

2010-02-05T07:00:00.009+01:00

Aujourd’hui au Louvre : Dans la catégorie des petits métiers oubliés, nous avions vu le vétérinaire (ici), le cuisinier (là), il faudrait aussi parler du métier de maître d’arme. Quand le dernier visiteur quitte le musée les statues peuvent se reposer, les muscles se détendre, les bras se dégourdir, les vernis craquer, les toiles se déchirer. Des armées spartiates à celles de l’Empire, tout le monde quitte sa place pour continuer les combats dans les couloirs.

Notre homme observe cela de loin. Il prend des notes. Puis trois heures après il siffle la fin des hostilités. La règle est la même, les soldats se mettent alors au garde-à-vous et tel un impérator il effectue le passage en revue de ses troupes. Aucun rivet ne doit manquer aux armures ; aucun bouton aux guêtres.

Il réajuste une médaille, dépoussière un uniforme, rectifie l’angle d’une gibecière, lustre un bouclier, remoule une épée, taille un pilum, graisse un fusil, affute une hallebarde, vérifie une baïonnette, aiguise une pointe, remplit un carquois.

Avec lui des couturières pour reprendre les accros, des médecins pour prodiguer les soins aux malades, des filles de joies pour soulager les soldats. A la fin de la revue la troupe est rompue, direction le Mess. Là tout le monde se retrouve par compagnie, régiment, armée, cohorte ; lui désigne ceux qui seront de garde, de corvée ou d’exercice.

Après le repas son véritable travail de maître d’arme est en effet d’accompagner les moins habiles dans des exercices de perfectionnement. De s’assurer que les tours de garde sont bien tenus et de veiller au respect du couvre feu. Le branlebas est sonné à 8h00, passage en revue, dernières recommandations et dispersion vers les tableaux et sculptures. Si cette fonction est principalement honorifique, elle a aussi pour but d’éviter que les soldats dépenaillés ne pullulent sur les œuvres donnant une image dégradante de l’armée dans les musées français. Vive la France.

Tableau du jour : La flagornerie est une vertu fantastique. Mais à ce degré là, elle devient un art. Saluons donc Jean Clouet qui dans son portrait de François Ier (vers 1525) a excellé.

La biographie de Clouet aura eu moins de talent que ses œuvres pour traverser les siècles. A part une naissance dans le duché bourguignon et les portraits des proches de François Ier nous ne savons rien de lui.

François Ier, à part une naissance en Charente et une victoire contre les italiens, nous ne savons que peu de choses de lui. Nous savons qu’il aimait dormir dans des tentes en draps d’or et, son costume le prouve qu’il aimait beaucoup de qui brillait. Une sorte de roi bling bling. Mais bien sûr ! L’histoire se répète toujours deux fois, une première fois de façon tragique, une seconde de façon comique.

Le parallèle entre François Ier et le chef du Sarkozysthan est troublant. Tous d’eux n’ont eu qu’une victoire (Marignan et élection présidentiel). François était pour l’immigration (italienne de préférence) ; l’autre favorise l’émigration globale (mondialisation oblige). François a créé avec Guillaume de Budé la Bibliothèque Royale ; Nicolas crée Hadopi. François a passé sa vie dans l’opposition à Charles Quint, Nicolas dans l’opposition à Obama. Dans les deux cas ils furent ridicules. François reçut Charles sous une tente ; Nicolas reçoit la tente de Kadhafi. François était l’ami des artistes ; Nicolas connait très bien Clavier, Reno et Johnny. François épousa une Habsbourg ; Nicolas une italienne. François avait un physique d’athlète ; Nicolas fait du jogging. François était un fervent catholique ; Nicolas va voir le Pape avec Bigard. François est mort au château de Rambouillet ; Nicolas y vit. J’arrête après on va croire que je suis de gauche.

Voici donc François Ier en majesté. Quelle gueule de con ! Quelles proportions étranges ! Regardez et remarquez combien le roi est peu avenant, la tronche en biais fait ressortir son immense nez, ses yeux semblent à peine ouvert et sa tête semble minuscule dans ce décor.

Séance de pose : Vous vous souvenez de la remarque sur la robe de Madame de Pompadour par Quentin-Latour (sinon c’est là) ? Si Jean Clouet se concentre à ce point sur la garde-robe c’est que le roi ne doit pas l’inspirer plus que cela. A moins que le soin apporté à la chemise permette me mettre en valeur un sujet qui ne l’était pas naturellement.

Regardez avec quel soin Clouet retranscrit le détail du fil brodé et surpiqué d'or. En fait ce que le peintre adore c'est la fripe. C'est dans cette direction qu'il faut chercher. En effet les guerres calamiteuses avaient vidé les caisses du Trésor. Aussi pour les renflouer François Ier faisait des heures sup. comme mannequin. Ce que peint Clouet c'est en fait le catalogue automne-hiver 1530 des collections de Milan (déjà place très connue pour la mode). Il recommencera même l'année suivante pour la collection printemps-été avec cette saillante tenue de bain.

C'est une blague. En fait le roi l’inspire. Il l’inspire même beaucoup puisque la flagornerie dont je parlais de façon liminaire, se retrouve dans un second tableau de Jean Clouet : Saint Jean-Baptiste. Et oui, vous avez bien noté, JB à la même tête que François Ier. Même nez, même regard ovin. Normal, Clouet faisait le second tableau à -50% et livraison en 30 minutes chono.

Pauvre François, déjà ridicule dans sa chemise bouffante, il est tordant avec son agneau sur les genoux et sa croix en bambou. On nous a vendu un prince des Belles Lettres et l'on se retrouve avec un pâtre grec.

Notez que la comparaison peu continuer. Avec Nicolas, on nous avait vendu Kennedy et nous avons eu Giscard. L’être, le paraître et le ressentir, tout le drame des hommes d’état; et je ne vois pas d’autre explication.

La grande galerie

2010-02-04T07:00:00.015+01:00

Aujourd’hui au Louvre : Ce que le Louvre est, nous le devons à une série de monarques et de présidents mais aussi à des hommes moins connus et bien plus illustres. Je pense principalement à Vivant Denon, dont le nom a fusé régulièrement dans des billets précédents (ici, ici, ici, ici, ici, ici, ici et là).

Peut-on aimer cet homme qui louvoya, tel un Talleyrand, de l’Ancien Régime à la Restauration, qui volait aussi bien qu’il rampait ? Peut-on tout pardonner à ce Goebbels en perruque poudrée et chemise à jabot qui pilla les musées de l’Europe ? Oui, cent fois oui. Quelle trace de Talleyrand pouvez-vous admirer aujourd’hui ? A minima Denon nous a légué le Louvre. Il a eu la délicate mission de restituer les œuvres qu’il avait volé avec le Corse. Contre son gré, certes, car il ne voulait pas vider son musée. Le Louvre ne conservera qu’un tableau Les noces de Cana, tout le reste a été rendu.

Il avait le talent des carnets de voyages comme en témoigne ses croquis réalisés en Égypte lors de la campagne bonapartiste. Il fut pendant dix ans le directeur d’un musée qui changea trois fois de nom (musée centrale de la République, Musée Napoléon, Musée du Louvre). Mais à cette époque il avait déjà 50 ans passés.

C’est avant qu’il est encore plus grand. Vivant Denon c’est Ridicule de Patrice Leconte. Venu faire son Droit à Paris, il charme la Pompadour par son esprit. Il se retrouve secrétaire d’ambassade à Saint-Pétersbourg, en Suède, en Suisse, à Naples. Il instaure alors la mode de l’ambassadeur lettré comme Chateaubriand, Lamartine, Saint John Perse, François-Régis Bastide, Jean-Christophe Ruffin, rédigera un conte libertin Point de lendemain, d’une fraîcheur savoureuse.

Tableau du jour : Ou comment un jésuite vire peintre. Faible retour des choses quand on réfléchit bien à tous les peintres virés par les jésuites. Le père d’Hubert Robert travaillait pour le marquis de Choiseul et comme les robes n’attiraient pas son fils, il demanda au marquis de le prendre avec lui lors de sa nomination à l’ambassade de Rome. Et voici notre moinillon dans les ruines du forum. Onze années passées en Italie à l’époque où l’on redécouvre Pompéi et Herculanum, à l’époque où les adaptations de scènes homériques ou antiques, qui firent la gloire d’un Le Brun sont passées de mode. Hubert Robert peint des ruines, des paysages en ruines, des paysages de ruines, des paysages imaginaires avec des ruines, des ruines au milieu de paysages, au point d’être surnommé « Robert des ruines ».

A son retour en France il importe cette vision ruinesque du monde. La beauté d’un monde passé, mais une vision poétique. Il devient dessinateur des Jardins du Roi, garde des tableaux du Roi, membre de l’Académie. Il aménage le hameau de la Reine et survint la Révolution. Il va de prisons en prisons (Sainte-Pélagie, Saint-Lazare), il peint alors la vie carcérale sur des assiettes. Il peint notamment celle que le poète Jean-Antoine Roucher adressera à sa famille la veille de sa mort. Après la Révolution il retrouve sa notoriété et continue à peindre les affres du temps sur des monuments … en ruines.

La grande galerie du Louvre, quelle mise en perspective ! Quand ses compagnons de térébenthine, huilaient leur toile de rococoteries rocailles, Hubert Robert peignait le Louvre. Imaginait-il que ses toiles seraient accrochées des années après ? Je ne sais laquelle des deux toiles choisir alors je prends les deux, tant elles traduisent deux visions du peintre. La grande galerie (1796) est située dans l’aile Denon, elle longe la Seine et abrite principalement les peintures italiennes.

Dans le premier tableau elle est intacte et semblable à ce que vous verriez lors d’une visite : Les murs couverts de tableaux (ils sont un peu plus espacés de nos jours), les verrières comme puits de lumière, les colonnades à mi-galerie, même les copistes sont toujours là (pas les mêmes, bien sûr, ils sont changés tous les six mois). Ce que vous ne verrez pas c’est les murs qui semblent s’affaisser (juste pour permettre le travail de perspective de l’artiste), l’escabeau qui a été rangé, le fatras qui trainent par terre (ils ont rangé) et enfin la fée électricité qui permet de faire ressortir le travail de dorure du stuc des moulures.

Dans le second tableau, les verrières ont été très largement élargies et le musée y gagne en lumière. Par contre il perd toutes ses œuvres qui ne figurent plus aux murs. Des statues oxydées et moussues servent encore de modèle à de jeune artiste. Le Louvre a vu renaître de ses ruines son ancienne vocation de maison d’artistes avec une femme qui cuisine.

Séance de pose : Ces deux tableaux montrent la vie d’Hubert Robert. Oubliez un instant le décor du Louvre. Le jeune homme qui se forme au dessin devant la statue c’est le jeune Hubert en Italie, au milieu des ruines. Les tableaux exposés sur les murs du musée ne sont que des paysages de ruines italiennes, la spécialité de cousin Hub. C’est l’homme mûr et la gloire.

En dehors de cela le premier tableau représente le Louvre. C’est banal et génial à la fois. Il n’est pas le seul à réaliser ce type de tableau mais peindre un lieu où l’on expose des tableaux c’est une mise en abîme formidable. Cela reviendrait à sculpter une carrière à Carrare, photographier les allées de la Fondation Cartier Bresson. Seul le cinéma effectue régulièrement cette mise en perspective (La nuit américaine de Truffaut, par exemple). Le théâtre la pratique aussi un peu (Hamlet et la scène des comédiens).

Mais c’est le second tableau qui est vraiment fantastique dans tous les sens du terme. C’est de l’anticipation avant l’heure. Mais contrairement à l’anticipation de Science-fiction, tout est très calme et doux. Le Louvre n’est plus, tant pis, mais le ciel est clair, la nature reprend doucement ses droits.

Cette vision de destruction est très commune au Japon avec des monstres comme Godzilla ; c’est leur façon de se souvenir de Hiroshima et Nagasaki. Aux États-Unis, le cinéma a détruit de toutes les façons qu’il soit possible d’imaginer, New York, Washington, Los Angeles. Chez les américains il y a l’idée d’un peuple toujours en construction et/ou reconstruction.

Mais en France jamais. On ne touche à rien. C’est sacré, c’est classé. Je vais prendre un exemple géographiquement proche du Louvre : Les Halles. Que n’a-t-on entendu lors de la destruction des Halles et de la construction du forum. Un des pavillons de Baltard a même été déplacé en proche banlieue, en souvenir.

On supprimait l’âme de Paris, son ventre. C’est vrai. On supprimait aussi toute la vermine qui pullulait (rats, souris, blattes, cafards, paysans). Aujourd’hui les Halles ne sont peut-être plus le ventre de Paris mais comme nœud ferroviaire c’est devenu le poumon de la région. Je vous invite à vous présenter vers 5h00 du matin à Rungis et à compter le nombre de camions qui viennent décharger ou charger leur marchandise. Imaginez la même chose en plein centre de Paris !!!

On envisage de refaire l’aménagement du forum des Halles. Vous pouvez être sûrs que ceux qui hurlaient contre, pétitionneront pour le garder. C’est un peu le drame de Paris de s’enfermer sous la cloche de verre de l’authentique estampillé Made in France. Les touristes ne viennent plus visiter un phare du monde, ils viennent voir une ville du début du XXème siècle.

Remercions Hubert Robert d’avoir osé nous présenter ce que sera le Louvre si l’État continue à rogner ses subventions. Pour les plus cinéphiles je vous invite à voir le film de Chris Mark, La jetée (1962) qui est le seul vrai film d’anticipation sur Paris et je ne vois pas d’autre explication.